YVES MONTAND

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Yves Montand, hijo de Josephine y Giovanni Livi, nació en la localidad de Monssumano Alto, en la toscana italiana, el 13 de octubre de 1921. Se dice que tras la llegada de Benito Mussolini al poder, en 1923, la familia Livi emigró con el pequeño Livio a la ciudad portuaria de Marsella, la capital del departamento de Bocas del Ródano y de la región de Provenza-Alpes-Costa Azul en Francia, donde transcurrió la primera infancia y adolescencia del más productivos de los actores en la Francia contemporánea.Sus primeros trabajos los realizó en la modesta barbería que regentaba una hermana suya, luego desempeñaría laborales propias de un estibador en los muelles de Marsella.Comenzó su actividad artística como cantante en 1944, protegido por la legendaria Édith Piaf quien tomó al joven bajo su responsabilidad, presentándole en el mundo del espectáculo en Paris, como uno de los nuevos valores de la canción de cabaret.De la mano de ésta debutó en el cine junto a Marcel Herrand, Jules Berry y Serge Reggiani, en la realización francesa del director Marcel Blistène “Étoile sans lumière” (STAR WITHOUT LIGHT), en 1946. Después, ese mismo año, interviene juntamente con Serge Reggiani, Nathalie Nattier , Saturnin Fabre , Jean Vilar , Sylvia Bataille , Jane Marken en el film del realizador Marcel Carne con textos de Jacques Prévert “LES PORTES DE LA NUIT”.Estas dos realizaciones le despejarían la vía del éxito. En 1953 filma “Le salaire de la peur” del director Henri-Georges Clouzot. En 1957 protagoniza “La grande strada azzurra”, del director italiano De Gillo Pontecorvo (Pisa, Italia, 19 de noviembre de 1919-Roma, Italia, 12 de octubre de 2006).En 1958 participó en “La legge”, cinta de Jules Dassin con textos de Roger Vailland, Jules Dassin, Françoise Giroud y Diego Fabbri, compartiendo estelaridad con Gina Lollobrigida, Pierre Brasseur, Marcello Mastroianni y la actriz griega Melina Mercouri.En 1960 estelariza “Let’s Make Love” de George Cukor; “Goodbye Again”, en 1961 y “My Geisha” de Jack Cardiff. En 1962.En 1965 comienza el ciclo estelar de su carrera cinematográfica con el realizador social Konstantinos Costa Gavras, “Compartiment tueurs”.Al año siguiente es dirigido por el cineasta Alain Resnais en el films “La guerre est finie”. Entre los años 1966 a 1967 se destaca en las cintas “Grand Prix” de John Frankenheimer y “Vivre pour vivre” del laureado Claude Lelouch.“Z”. y “L’aveu” de Costa-Gavras, le señalan el camino del cine comprometido con la denuncia política y social.Otros directores que le conducirán desde 1970 hasta 1992 serán los célebres Jean-Pierre Melville, Vincente Minnelli, Claude Sautet, Alain Corneau, Henri Verneuil, Claude Berri y Jean-Jacques. Con este último filmó “L’île aux pachydermes”.Es importante destacar la realización de 1973 de Costa Gravas “État de siège ” donde actúa con Renato Salvatori, Jacques Perrin, O.E.Hasse, Jacques Weber y Jean-Luc Bideau, en tema relacionado con el secuestro por razones políticas y de Estado.En 1951 contrajo matrimonio con Simone Signoret y co-estelarizó a su lado muchas de las películas que son haberes de su extensa producción, entre las que destacan “Jean de Florette” y “Manon des Sources” que datan de 1986, basados sobre dos novelas del académico, dramaturgo y cineasta francés Marcel Pagnol (Augbagne, Francia, 28 de febrero de 1895-Paris, Francia, 18 de abril de 1974), con las actuaciones estelares de Gérard Depardieu y Emmanuelle Béart. Después de este éxito mundial, la crítica elevó el perfil de actuación de Yves Montand en el exigente público norteamericano. Es inolvidable su papel en “Late Night with David Letterman”.La discografía de Yves Montand es variada y extensa. “La bicyclette”, “Les feuilles mortes ”, “Rien dans les mains rien dans les poches”, “Clementine”, “Et la fête continue,” “Quand elle est là”, “Flaner tous les deux”, “Champion du monde”, “Les enfants qui s'aiment”, “Le télégramme”, “Paris-canaille”, “Le temps”, “Dansons la rose”, “Les berceaux”, “Syracuse”, “Trois petites notes de musique”, “Barbara”, “Les cireurs de souliers de Broadway”, “Toi tu n'ressembles à personne”, “Dans les plaines du far-west”, “Ma gosse, ma petite mome”, “Mon manège à moi”, “Le gamin de Paris”, “Comme une rose de mai”, “C'est si bon”, Mais qu'est-ce que j'ai”, “Clopin Clopant”, “À Paris” son algunos de los temas que inmortalizaran su nombre y lo consagraron como uno de los más grandes “chansonieres en lengua francesa de todos los tiempos. El único hijo de Montand, Valentín, fue concebido con Carole Amiel. En una demanda de paternidad que remeció a Francia, otra mujer acusó a Montand de ser el padre de su hija, llevando su caso hasta los tribunales con la finalidad de exigir exámenes sobre muestra de ADN.Montand negó esta posibilidad, sin embargo, la mujer se mantuvo en su idea hasta la muerte del artista. En un arbitraje judicial, la mujer consiguió el derecho de que el demandado fuese exhumado para que se le tomaran las muestras requeridas. Cumplida esta disposición legal, quedó plenamente demostrado que Yves Montand no era el progenitor de la niña.En sus últimos años, mantuvo su hogar en St Paul de Vence, Provenza, hasta su muerte ocurrida en Senlis, al norte de París, el 9 de noviembre de 1991. Está enterrado en el cementerio “Père Lachaise”, París, Francia.

BERT KAEMPFERT

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Bert Kaempfer fue un descubridor de talentos, que produjo la primera aparición discográfica de los jóvenes de Liverpool que serían conocidos en el mundo de la música pop como “The Beatles”: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best. El, por si mismo, fue un talento que descolló con su propia irradiación en el firmamento de la canción popular, en una buen parte del siglo XX. Sus composiciones plenas de profunda expresividad y musicalidad, lo consagraron como el más exitoso de los directores de orquesta de Alemania durante los años 40, 50, 60 y 70 del pasado siglo XX. Su extensa producción musical desde 1958 hasta 1979, abarca los siguientes títulos: Ssh! It's Bert Kaempfert & His Orchestra, April In Portugal, Combo Capers, Wonderland By Night , The Wonderland of Bert Kaempfert, Dancing In Wonderland, With A Sound In My Heart, Dreaming In Wonderland, Solitude, A Swingin' Safari, Living It Up, Christmas Tide with Bert Kaempfert, That Latin Feeling, Blue Midnight, Let's Go Bowling, The Magic Music of Faraway Places, Love Letters, Bye Bye Blues, A Man Could Get Killed, Strangers In The Night, Hold Me, The World We Know, Love That Bert Kaempfert , My Way Of Life, Ivo Robic singt Kaempfert-Erfolge (with Ivo Robic, One Lonely Night, Traces Of Love,The Kaempfert Touch, Free And Easy, Orange Coloured Sky, Bert Kaempfert Now!, 6 Plus 6, Yesterday and Today, To The Good Life, The Most Beautiful Girl, Gallery, Live In London, Love Walked In, Forever My Love, Kaempfert, Safari Swings Again, Tropical Zuñirse, Swing, In Concert (with Sylvia Vrethammar y Smile.La exquisitez de las composiciones originadas en el talento excepcional de Bert Kaempfert, hizo que consagrados artistas como Frank Sinatra, Al Martino, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Shirley Bassey, Sarah Vaughan, Peggy Lee, Nat “King” Cole, Herb Alpert, Johnny Mathis, Brenda Lee, Caterina Valente, Andy Williams, Nancy Wilson y el venezolano Carlos Almenar Otero interpretaran sus producciones. Dándose el caso excepcional de que, por única vez, acompañara con su propia orquesta, a un cantante y. éste fue, Carlos Almenar Otero con la composición “DankeSchoen”, de quien el propio Almenar Otero es autor de la letra en versión al español. Bert Kaempfert, fue pionero en la ejecución del jazz en su país natal, Alemania, donde nació el 16 de octubre de 1923 en Hamburgo, la segunda ciudad en importancia de Alemania. Fue un exitoso músico, compositor, arreglista y director de orquesta que, influido por las grandes bandas de jazz norteamericanas, finalmente impusó su propio estilo a la suya, que estaría en escenario por más de treinta años.Bert Kaempfert fue un hombre de suerte, si por suerte se entiende el talento, los conocimientos y las oportunidades. Cuando sólo contaba con seis años dominó el teclado de un piano que su madre le regaló, asimismo, dominó el clarinete, el saxofón y el acordeón, entre otros múltiples instrumentos. Estudió en el Conservatorio de Música de Hamburgo, interesándose por todas las facetas de la música., especialmente en la organización, dirección, arreglos y composición. Sus habilidades instrumentales le llevaría a integrarse desde juventud a la orquesta dirigida por Hans Bussch en Hamburgo.Durante el desarrollo de la hecatombe mundial de 1939, fue plaza de la marina de guerra alemana y actúo como organizador de los servicios de bandas militares. En los años finales de la contienda mundial fue hecho prisionero de guerra y, con esta limitación organizó con sus compañeros de cautiverio una exitosa banda militar.Al finalizar la II Guerra Mundial, en mayo de 1945, Bert Kaempfert a su retorno a Alemania, constituyó en Bremerhaven, un sexteto de jazz que ejecutó música ligera en los clubes de los oficiales de las fuerzas de ocupación norteamericanas en Alemania.A comienzo de la década de los 40, junto a Herb Rebién, organizó en Hamburgo una importante agrupación que trabajaría en clubes, radio y en la Red de las Fuerzas Armadas Británicas.Polydor Records, le extendería un contrato de exclusividad de por vida, a mediados de los años 50. Bert Kaempfert impuso a"Wonderland By Night", tanto en Alemania como en Estados Unidos, donde alcanzó el primer lugar en el Hit ParadeEntre sus temas de mayor popularidad está “Strangers in the Night”, con letra de Charles Singleton y Eddie Zinder, interpretado originalmente por Ivo Robić y popularizado por el mundialmente conocido Frank Sinatra. Otros éxitos suyos fueron “Wooden Heart” magistralmente interpretado por Elvis Presley, “Spanish Eyes” con la voz de Al Martino, “Lonely ¿El Nombre ” con Sammy Davis Jr, “Bienvenido a Mi Corazón” con Dean Martin y “Danke Schoen ” con Nat King Cole. Bert Kaempfert murió a los 56 años de edad, en la isla de Mallorca, España el 21 de junio de 1980, de un ataque cardíaco.

JAMES LAST

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

James Last, es un talentoso músico alemán nacido en Bremen, el 17 de abril de 1929.Desde niño comenzó a jugar con el piano; luego, en su vida de adolescente, se aficionó por al bajo hasta constituirse en líder mundial en la ejecución de este instrumento musical. Ahora, más del 93% de los alemanes tienen conocimiento sobre quién es James Last. La música que él interpreta se ha hecho en más de 150 países del orbe terrestre. Su orquesta, es la de mayor éxito discográfico en el mundo, haciéndole acreedor a infinidad de premios y reconocimientos, entre los que destacan, “Goldenen Europa”, “Goldenen Kamera” y el “Premio Echo Vida de 1994”. Ha recibido, asimismo, al presente, más de 2056 discos de oro, compilando un total de 17 de platino y vendido más de 50 millones de álbumes entre L.P., y CD.Su exitosa carrera musical se inició en su natal Alemania, 1939, cuando recibiera su primera lección de piano. Son años difíciles para esta nación europea y, fundamentalmente, para su familia, por las consecuencias generadas a raíz del comienzo de la II Guerra Mundial.Mientras sus dos hermanos trabajaban en una fábrica de armamentos, James tiene como objetivo la música, a la que se dedica con disciplina y aplicación. Se matriculó en la Heeresmusikschule en Bückeburg, a donde llega como estudiante en 1943. Aquí, su instrumento de batalla es el bajo. En 1946, junto a sus hermanos Robert y Werner se integra a Radio Bremen de reciente creación. En esta emisora que, prontamente, se hará muy popular, participa en una orquesta de entretenimiento. Sus actuaciones lo destacan no sólo como ejecutante del bajo, su instrumento preferido, sino también como arreglista, director y compositor.Sus acentuadas actuaciones le hacen merecedor al premio de mejor bajista del año, con galardones consecutivos hacia los años 1951 y 1952 respectivamente.James Last organiza una nueva orquesta que es la delicia de los públicos. Su melodiosa música se impregna en el espíritu de una juventud que busca a través del entretenimiento poder expandir sus ilusiones hacia una sociedad más justa y cada vez mejor, alejada del flagelo de las confrontaciones bélicas.En esta tarea contribuye sustancialmente la floreciente industria fonográfica que le permite distribuir mundialmente un producto repleto de esperanzadoras nuevas.En los subsiguientes años, James Last será el líder indiscutible de un núcleo de directores, arreglistas y compositores. Su éxito lo consolida, su afán de trabajo que no cesa. Para 1967, el Hit Parade Inglés le colocó cuatro L.P., en los primeros lugares de la predilección mundial. Este hito se prorrogó a 1969, 1970 y 1971, al ser considerada la Orquesta de James Last, como la más popular del año por la sociedad de críticos alemanes.Sus giras artísticas por Europa, África, América, Australia, Nueva Zelandia y Asia se intensificaron años tras años, transformándose en un viajero de 366 días al año.James Last es el artista alemán de moyor éxitos dentro de la escena musical internacional. Este éxito en nada varia la forma de vida que lleva el artista. Su innata modestia constituye para él, un sello de distinción.Otros artistas vienen y van; pero, James Last siempre está presente, sea a través de registros sonoros, presentaciones personales, conferencias o programas de radio y televisión.La muerte de su inseparable Waltraud, la madre de sus dos hijos, le acongoja, alejándole momentáneamente de la escena; pero, prontamente se recupera, y empieza, hoy, a la edad de 79 años de edad, a explorar nuevas posibilidades, adaptándose a las novedosas vertientes del gusto mundial. Él, sigue diligente en su trabajo creador y, a pesar de las innovaciones, James Last siempre ha de ser “fiel a sí mismo”.

MARIA DE JESUS VASQUEZ

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

María de Jesús Vásquez es la más representativa intérprete de la canción criolla peruana, conocida y admirada internacionalmente. Nació en Lima, Perú, el 20 de diciembre de 1922 y desde la edad de 10 años ha actuado en los más importantes escenarios del mundo. Ha sido, y es, la más expresiva intérprete de “El Plebeyo” el vals peruano de Felipe Pinglo Alva, que interpretó en el films “El Guapo del Pueblo”. Este tema musical está considerado como la canción criolla de mayor proyección mundial, y a ello, ha contribuido sustancialmente la personalísima interpretación de María de Jesús Vásquez.Comenzó actuando en las aulas del colegio Nazaret y, en sus inicios, fue admiradora del grupo musical “PURA CEPA”, trío que estaba constituido por Lucho Aramburu, Ernesto Echecopar y Lucho de La Cuba y del inmortal Carlos Gardel. En 1939, a la edad de diez y nueve años recibió el cognomento de “Reina de la Canción criolla”, título que ha confirmado el Perú, a través de los tiempo.María de Jesús Vásquez “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, ha interpretado los más variados ritmos peruanos como valses, festejos, zamacuecas, landós, alcatraz, panalivio, resbalosas, sañas, polkas, marineras, tonderos, huaynos, pasillos y boleros, entre otros.Exitosa en su patria, la “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, inicia en 1945 su primera gira artística al exterior, viajando a Bolivia y Argentina, en este país adquiere su primera gran experiencia como artista consagrada al registrar para el sello “Odeón”, los temas “Cholita”, “Engañada”, “Todos Vuelven”, ”Secreto”, “Destino”, ”Encontré una carta tuya”, “Envenenada”, “Quisiera verte siempre” y “El Plebeyo”. Esta sesión de registros sonoros estuvo bajo la experta dirección musical del pianista, arreglista, orquestador y compositor peruano.don Jorge Huirse Reyes. Después de su éxito discográfico y de sus destacadas actuaciones en las radioemisoras bonaerenses, se traslada a Chile.De regreso a Lima, emprendió una exitosa gira artística que abarcó a Estados Unidos, Ecuador, Colombia, Venezuela, Panamá, Costa Rica, España, Francia, Italia, Suecia, Alemania, Australia y otras naciones, donde la “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, se transforma en Embajadora espiritual de los peruanos en el orbe terrestre.María de Jesús Vásquez procreó a Carmen Jesús “Pocha”, Coco, Elizabeth y Sandra Ormeño Vásquez. De éstos, sólo “Pocha” abrazó la carrera artística de su progenitora. Coco, se desempeña como profesor de religión y catequista; Elizabeth reside y trabaja en Costa Rica y Sandra es Profesora de Inglés.Proyectó a rango internacional a los compositores y escritores peruanos en todo el transcurrir de la segunda mitad del fenecido siglo XX. Su interpretación de “El plebeyo” es única. Además, ha inmortalizado “Corazón” de Lorenzo Humberto Sotomayor; “Alma, corazón y vida”, de Adrián Flores Alván; “Amarraditos” de Margarita Durán y Pedro B. Pérez de Llora; “Amor iluso” de Felipe Pinglo Alva; “La flor de la canela” de Chabuca Granda; “Engañada” de Tito Barrera y Luis Abelardo Núñez; “Encontré una carta tuya” de Jorge Huirse Reyes; “Secreto” de Amparo Baluarte y Francisco Reyes Pinglo, “Todos vuelven” de César Miró y muchos otros temas de compositores criollos e internacionales, pero, también, admiró a Carlos Gardel, artista que dejó el rastro de su voz en viejas grabaciones y en cintas fílmicas que constituían el entretenimiento de esta gran dama. Estuvo al lado de Pedro Infante, Pedro Vargas, Libertad Lamarque y otros baluartes de la canción latinoamericana. Admiró, conoció y cantó con la inolvidable Celia Cruz que le llamaba su maestra. Además, compartió escena con Raphael y con el Trío los Panchos.Por sus invalorables servicios prestados a la cultura indoamericana, Perú, su país de origen, le otorgó la “Orden El Sol del Perú”, en la actualidad “Orden del Sol” presea creada mediante Decreto del 8 de octubre de 1821 por el General Protector don José de San Martín, destinada a premiar los servicios hechos a favor de la independencia, otorgándola en tres grados: fundadores, beneméritos y asociados. En el presente, esta joya se otorga a nacionales y extranjeros que se hayan destacado en las artes, letras, cultura, política y servicios extraordinarios prestados al Perú. Además, ha recibido “Las Palmas Magisteriales”, el premio “José María Arguedas”, y cientos de distinciones oficiales, así como millares de reconocimientos expresados en Diplomas y Trofeos.Asimismo, la Organización de Estados Americanos, (OEA) le reconoció hemisféricamente, sus grandes aportes a la preservación de los valores fundamentales de la identidad latinoamericana.En su extensa y meritoria carrera profesional María de Jesús Vásquez ha registrado en vinyl 60 Long Plays, unos 80 discos de 78 r.p.m., y L.P., contentivos de pasillos que registró en Ecuador.

ANDRE KOSTELANETZ

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

André Kostelanetz juntamente a los consagrados Mantovani, Percy Faith y Ray Conniff es el más destacado creador de un estilo de música agradable que gustó a los públicos en todos los idiomas. La ejecución de los más variados temas del cancionero mundial le atrajo el respeto y la admiración de quienes aceptaron su forma natural de hacer escuchar melodías para disfrutar y meditar.La música que interpreta André Kostelanetz es perfecta y acorde con la finalidad del artista: Desarrollar una música sin rigidez, simple y fácil de escuchar y asimilar.A André Kostelanetz le tomó tiempo arribar a la perfección. Formado en la Rusia zarista pre-revolucionaria, él y su familia se mantuvieron unidos en San Petersburgo durante los sucesos que concluyeron con el derrocamiento del viejo orden, y la implementación de los gobiernos revolucionarios previos a la declaración del socialismo como forma de estado, en su país de origen.Kostelanetz a la temprana edad de 20 años, ya estaba como asistente de la Opera de Petrogrado. En 1922, ante la radicalización que experimenta la revolución de octubre, el joven André emigra junto a su familia a Estados Unidos, donde el joven músico encuentra trabajo como ayudante de dirección en el Metropolitan Opera. Después trabajaría como el primer director de la orquesta de planta de la cadena radial CBS.A pesar de sus orígenes clásicos, Kostelanetz se adentró en la música popular, adaptando y transformando temas operísticos y de otras corrientes a una orquestación sinfónica, que atrapó a los oyentes, quienes hicieron que la orquesta de André Kostelanetz, dominara el escenario musical por más de cuatro décadas. En este orden, el director, arreglista y compilador no tuvo rivales. Construyó un gran repertorio musical que traspasó todas las fronteras nacionales.André Kostelanetz, sin embargo, jamás abandonó sus raíces clásicas y como prueba de ello, podemos apreciar los registros de algunas partituras ligeras de contenido clásico: Ferde Grofe's "Grand Canyon Suite" Gershwin y la "Rapsodia en Blue". Konstelanetz siempre fue exitoso en su empresa de imponer las "Operas sin palabras."En varias oportunidades actúo con la Filarmónica de Nueva York.Trabajó incansablemente en presentaciones y a través de la radio y la televisión. Contrajo matrimonio en 1938 con la soprano de origen franco americano Lily Pons, con quien convivió hasta 1958.André Konstelanetz fue un orfebre. Un maestro que trabajó constantemente por desarrollar una combinación de elementos que le permitió incorporar nuevos sonidos, adoptando la naciente tecnología de grabación. Fue un innovador que tejió perfectamente un estilo y una cadencia que enriqueció las melodías más sencillas del cancionero universal, otorgándoles un toque sinfónico que las han hechos imperecederas.

CHABUCA GRANDA

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

María Isabel Granda y Larco, nacida el 3 de septiembre de 1920, en la sureña provincia de Cotabambas, región del Apurímac, es conocida mundialmente como CHABUCA GRANDA, uno de los más altos valores de la cultura indoamericana y la más fiel exponente de la conciencia peruana, expresada a través de su obra como juglar y autora. Hija del ingeniero Eduardo Granda Esquivel, natural de la señorial ciudad de Lima y de Isabel Teresa Larco Ferrari, nacida en Trujillo, histórica ciudad de la costa peruana. Desde su temprana adolescencia se aficionó a la música tradicional de su país, iniciándose profesionalmente como vocalista a la edad de 12 años, época cuando comenzó a triunfar como la más delicada juglar de la canción tradicional peruana, constituyéndose junto a Felipe Pinglo Alva, María de Jesús Vásquez, Manuel Acosta Ojeda, Lucha Reyes, Amparo Baluarte, Óscar Avilés y Alicia Magiña entre otros, en los más firmes y determinantes pilares donde se arraigó la cantata peruana de los tiempos pretéritos.Desposada con Enrique Füller Da Costa, el 13 de mayo de 1942, entró en un período de calma hogareña, y fue, después, de su divorcio, cuanto en 1952 inició su exitosa carrera como compositora de los más variados temas musicales del Perú.Chabuca Granda ha sido la más renombrada compositora del Perú, país que ha pincelado en cada una de sus creaciones donde exalta la natural belleza de este paraíso andino, utilizando imágenes sencillas con expresiones que se adentran en el sentimiento de sus compatriotas y de aquellos que disfrutamos de su exquisita sensibilidad de artista y gran señora.Peregrina impenitente, su presencia se hizo sentir en una buena parte de las capitales del mundo, donde fue obsequiosa con sus mensajes pletóricos de esperanza que llegó, por su originalidad, a los sentimientos de los pueblos que visitara como embajadora de la cultura y del arte indoamericano.La creadora del himno espiritual de los peruanos “La Flor de la Canela” relató en cierta oportunidad que esta canción suya estuvo inspirada en un personaje real: Victoria Angulo.Inspirada en la Lima señorial de donde extrajo las percepciones que le permitirían contar en las estrofas de sus canciones, simples historias donde han quedado reflejadas las costumbres de ancestros siempre presentes en unos empolvados balcones y floridos cercados.Después, la artista se adentra en su constante preocupación social donde entregada a su pueblo, les ofrece lo mejor de sí para que éste resista las arremetidas de una clase dominadora que irrumpe en sus existencias, incrementando las angustias de la cotidianidad. De aquí surgen los pregones, los cantos de jarana, los landós y las zamacuecas, que incorporados a las marineras y los valses. conforman un mundo de sonidos e imágenes donde siempre está presente el sentir de la peruanidad.Entre las composiciones universales de Chabuca Granda destacan por sus incuestionables bellezas “Lima de veras”, “La flor de la canela”, “Fina estampa”, “La herida oscura“, “Zamba para no morir”, “Gracia”, “José Antonio”, “Puente de los suspiros”, “Coplas de Fray Martín”, “Toro mata, toro mata”, “Ollita nomás”, “Una larga noche”, “La torre de marfil”, “El surco” y “Zeñó Manué”.Chabuca Granda murió el 8 de marzo de 1983, en la ciudad Miami, estados Unidos; per, su obra perdurará en el tiempo. Ella, la definió su arte así: “No alcancé ni alcanzaré jamás a hacer folklore; apenas hice canción popular, y de ella solamente juglaría. La buena suerte me hizo popular pero no por eso importante, los importantes son mis personajes vivos o alguna vez vivos, los que llegaron al corazón de los pueblos gracias a mis extraordinarios y generosos intérpretes”La chilena Chalena Vázquez expresó: “la música peruana se ha africanizado. Chabuca Granda ha contribuido a ello”, Daniel Roca escribía: “Chabuca Granda es la columna inquebrantable sobre la cual se ha edificado el prestigio musical de nuestro país en el exterior. Los peruanos le debemos un monumento de gratitud: comencemos a construirlo respetando su legado artístico, parte de nuestra historia pasada y presente y, por cierto, valioso patrimonio nuestro que tenemos la obligación de preservar, como ejemplo e inspiración para las generaciones futuras. Chabuca, de auténtica alcurnia limeña, simboliza ese orgullo por lo nuestro que no debemos ni podemos perder” y, el laureado compositor yucateco Armando Manzanero, refiriéndose a la compositora afirmó “Cuando escuché por primera vez una canción de Chabuca Granda que se llamaba “Fina Estampa” dije que nadie pudo describir a ese caballero como lo hizo mi inolvidable hermana Chabuca”.

ENRIQUE GUZMAN

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Enrique Guzmán nació en Caracas, Venezuela, el 1 de febrero de 1943. A los cinco años de edad, fue trasladado a la Ciudad de México por sus padres Jaime y Elena Guzmán. En esta capital inició sus estudios musicales que alternó con sus experiencias universitarias en la Facultad de Medicina de la Universidad Autónoma de México. (UNAM)1957 vería nacer a la vedette cubano-venezolana María Conchita Alonso y también sería el año de la muerte de la “Maestra de América”, Gabriela Mistral, Premio Nobel de Literatura correspondiente a la premiación de 1945. Año histórico para la humanidad por los grandes acontecimientos que se sucedieron, y año determinante para la vida artística de Enrique Guzmán.Con Jesús Martínez, Sergio Martell y Armando Martínez, organiza el grupo rockero que obtendrá fama internacional en la década de los sesenta: “Los Teen Tops”. Esta es una época de actuación, estudio y meditación. A la primera etapa corresponden los temas: “Pensaba en ti” y “La ronchita”. Con esta agrupación registra “La plaga” y “El rock de la cárcel”, canciones traducidas al español de temas que internacionalmente imponían en el Hit Parade de Estados Unidos los vocalistas Little Richard y Elvis Presley, sobre “Good Golly Miss Molly” y “Jailhouse rock"”. En ese mismo tiempo produce su primer L.P con títulos de éxitos grabados en idioma inglés por los rockeros del momento: “Confidente de secundaria”, “Buen rock esta noche”, “Lucila”, “Muchacho triste y solitario” y “La larguirucha Rally”, se constituyeron en éxitos, y el grupo, se consolidó como el prefedo de la juventud de los finales del cincuenta e inicios de los sesenta.Pero, 1963 Enrique Guzmán, ya no aparece junto a los consagrados “Teen Tops”, ahora va de la mano de Check Anderson y graba con la orquesta y coros de éste, la versión al español de “A Hundred Pounds of Clay”, que con el nombre de “100 kilos de barro” recorrería todas las fronteras de América.Su éxito como solista, inevitablemente, le condujo al cine, y posteriormente, a la televisión. Hombre del espectáculo, se ha mantenido al frente de éste, por más de cinco décadas. Contrajo matrimonio en primeras nupcias con la popular actriz y cantante Silvia Pinal con la que procreó a Alejandra y Enrique Guzmán Pinal. Actualmente vive en compañía de su esposa Rosalba Welter de Guzmán y de sus hijos, Daniela y Enrique.Entre sus éxitos de taquilla se destacan: Ellas los prefieren locas (1977), Al fin solos, pero... (1977) , ¡Cómo hay gente sinvergüenza! (1972), The Incredible Invasion (1971), Caín, Abel y el otro (1970), OK Cleopatra (1970), Princesa y vagabunda (1970), La Mujer de oro (1970), Bang bang... al hoyo (1970), La Guerra de las monjas (1970), El Despertar del lobo (1970), El Amor y esas cosas (1969), No se mande, profe (1969), El Club de los suicidas (1968), Como perros y gatos (1968), Sor Ye-Ye (1968), Persiguelas y alcanzalas (1967), Acompáñame (1966), Fiebre de juventud (1965), Especialista en chamacas (1965), Los hijos que yo soñé (1965), Nacidos para cantar (1965), Canta mi corazón (1964), La juventud se impone (1964), Mi vida es una canción (1963), Twist locura de la juventud (1962), Séptimo paralelo (1961), La Casa de la Troya (1959), 15 bajo la lona (1959).Son comentadas y recordadas sus apariciones en el medio televisivo: Cómicos y canciones (1963), Silvia y Enrique (1973) y Bártolo (1976-1979), se constituyeron en programas de gran sintonía que apuntalaron a Enrique Guzmán como un experimentado y popular personaje de la televisión internacional.Enrique Guzmán, llenó toda una época como intérprete de rock y baladas. Su voz se dejó escuchar en las grandes y pequeñas ciudades; en los pueblos, villas y caserios del largo y ancho continente español que comienza al sur del Río Grande y termina en las heladas tierras de Chile y Argentina. Sus inolvidables melodías resuenan aún en la memoria de generaciones que aprendieron a soñar, amar y sentir bajo el influjo de esas melodías cargadas de expresión romántica, expresadas con ternura e inocencia.La Fundación Internacional José Guillermo Carrillo que es el repositorio de la memoria histórica de la humanidad, incorpora a este Website, la página de Enrique Guzmán con la selección de diez y siete melodías que, de toda su obra discográfica, aún están incólumes en nuestros recuerdos y sentimientos.