EGLY COLINA MARIN MIS BIOGRAFIAS

MANUEL MARIA PONCE CUELLAR

2009-10-07T14:28:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Manuel María Ponce Cuéllar, el más universal de los compositores clásicos para guitarra de todos los tiempos, nació “por un decreto del destino”, en la ciudad minera de Fresnillo, estado de Zacatecas, al norte de México, el 8 de diciembre de 1886. Sus padres, Felipe de Jesús Ponce, quien realizaba trabajos de modesto tenedor de libros en la estación minera de Proaño, la de mayor producción de plata en el país; y doña María de Jesús Cuéllar, originarios de Aguascalientes, retornaron a la hidrocálida ciudad con la protección del gobernador de esa entidad Francisco Rangel, cuando el infante Manuel María, el duodécimo de sus hijos, apenas contaba con algunos meses de edad.
La afición de doña María de Jesús por la música influyó decididamente en el destino de cuatro de sus hijos: María del Refugio, Josefina, José Braulio y Manuel María Ponce Cuéllar. Este último inició sus estudios de piano con su hermana Josefina, conocida como “Pepita”, recibiendo, asimismo, instrucción musical de María del Refugio, “Cuquita” reconocida docente, pianista, compositora y redactora del texto “Estudio Pianístico Beethoven”. Manuel María a los seis años de edad interpretaba enzarzadas melodías como “La zacatecana” y “Amor secreto” con la guía de solfeo del maestro Hilarión Eslava. A los diez años sus padres y hermanos mayores le situaron como pupilo con el licenciado Cipriano Ávila, abogado y maestro de piano.
Manuel María Ponce Cuéllar fue integrante del Coro Infantil del Templo “San Diego” de Aguascalientes, ayudante de Órgano y titular de este instrumento desde 1898. En 1901viajó a Ciudad de México, iniciando estudios con los maestros Vicente Mañas, Eduardo Gabrielli y Paulo Bengardi. Seguidamente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música donde permanece hasta finales de 1902.
En los dos años siguientes Manuel María se organiza para emprender su carrera profesional realizando conciertos en las ciudades mexicanas de San Luis Potosí, Guadalajara y en Saint Louis, en el estado de Missouri, Estados Unidos. A finales de 1904, con carta de recomendación del maestro italiano Eduardo Gabrielle, viajó a Italia donde sostuvo encuentros con el pedagogo Marco Enrico Bossi (Saló, Bescia, Lombardia, Italia, 25 de abril de 1861 – Nueva York, N.Y., USA., 20 de febrero de 1925), director del Conservatorio de Música de Bologna quien le recomienda estudiar en el prestigioso centro docente musical “Liceo Rossini” de Bologna donde perfeccionó sus estudios pianísticos con el musicólogo Luigi Torchi (Mondano, Bologna, Italia, 7 noviembre 1858 – Mondano, Bologna, Italia, 18 de septiembre de 1920) y con el maestro Cesare Dall´Olio (Bologna 1849 - Bologna, 1906). A finales de 1905 viaja a Berlín, en esta capital complementará sus estudios profesionales. Inicia sus estudios de piano con el maestro Martin Krauser, (Lobstädt, Sajonia, Alemania, 1853 – Plattling, Baviera, Alemania, 1918), pedagogo en el Conservatorio Stern y director de la Liszt Verein en Leipzing y antiguo discípulo del pianista Franz Liszt.
El desempeño de Manuel María Ponce Cuéllar como discípulo del maestro Krauser fue provechoso para uno y otro. El 18 de julio de 1906, presentado por su maestro Krauser, Manuel María Ponce Cuéllar actúa como solista en el “Beethoven Halle” de Berlín interpretando “La Partida” de Juan Sebastián Bach, (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750). Esta obra fue ejecutada en “re sostenuto”.
En 1907, retornó a México, avecindándose durante ese año en su hogar de Aguascalientes. En esta temporada ofrece con el acompañamiento de Arturo Aguirre al violín y Luis G. Zayas en el chelo, un regio concierto en la ciudad hidrocálida. En 1908, por recomendación de su amigo Luis Moctezuma ocupó la cátedra de piano que había quedado vacante por el ingreso de Alberto Villaseñor como director del Conservatorio Nacional de Ciudad de México, a donde había llegado por la precipitada muerte del compositor Ricardo Castro, (Nazas, Durango, Mx., 7 de febrero de 1864 – Ciudad de México, D.F., Mx., 28 de noviembre de 1907).
Acompañado por el celebrado “Cuarteto Saloma”, en 1909, emprende una gira artística por el norte del territorio mexicano que incluyó las ciudades de Aguascalientes, Zacatecas y San Luis Potosí. En febrero de 1910, la intelectualidad mexicana al conmemorarse el centenario del nacimiento del pianista y compositor de origen polaco Frédéric Chopin, (Zelazowa Wola, Polonia, 1 de marzo de 1810 – Paris, Francia, 17 de octubre de 1849), organizó con la rectoría del Conservatorio Nacional de Música, un cálido homenaje, a este insigne compositor y consagrado ejecutante del piano. Entre las figuras de relieve que participaron en el acto conmemorativo estuvieron Manuel María Ponce Cuéllar, Luis Moctezuma, Pedro Luis Ogazón, Ana María Charles, Ernesto Elorduy y Carlos del Castillo.
En 1912, durante la administración del presidente mártir Francisco I. Madero, (Parras de la Fuente, Coahuila, Mx., 30 de octubre de 1873 – Ciudad de México, D.F., Mx., 19 de febrero de 1813), Manuel María Ponce Cuéllar ofrece el primer recital público de sus pupilos y, el 24 de junio, celebra un concierto con música del compositor impresionista Claude Debussy, (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 – París, 25 de marzo de 1918).
El 7 de julio con la Orquesta Beethoven bajo la dirección del compositor, teorista y director don Julián Carrillo Trujillo, (Ahualulco, San Luis Potosí, Mx., 28 de enero de 1875 – Ciudad de México, D.F., Mx., 9 de septiembre de 1965) presenta en el Teatro Abreu su obra “Concierto para piano y orquesta”. Dos días después, estrena con la misma orquesta, y bajo la dirección del maestro Carrillo Trujillo “Tres cuadros nocturnos” para orquesta de arcos; “Trío para piano, violín y cello”; “Preludio y fuga sobre un tema de Bach, “Legende”; “Mazurcas 6, 7, 15 y 20”; “Dos nocturnos”; “Hacía la cima”; “Cuatro canciones mexicanas”; “Tema variado mexicano” y “Concierto para piano y orquesta”
Durante los neurálgicos años de revueltas sociales que sumieron a la nación mexicana en el caos, Manuel María Ponce Cuéllar siguió briosamente con su incansable actividad docente. Instruyó y preparó a un selecto grupo de artistas que, con el correr de los tiempos, se transformarían en elementos de primer orden para la enseñanza musical en México. Entre éstos destacan Carlos Antonio Chávez y Ramírez, (Ciudad de México, D.F., Mx., 13 de junio de 1899 - Ciudad de México, D.F., Mx., 2 de agosto de 1978) y Antonio Gomezanda, (Lagos de Moreno, Jalisco, Mx., 3 de septiembre de 1894 – Ciudad de México, D.F., Mx., 23 de marzo de 1961).
Al producirse un nuevo ordenamiento mundial, las potencias europeas definieron sus estrategias geopolíticas para determinar sus áreas de influencia. Otro tanto sucedía en la América, al Sur de Río Grande. Los pueblos sometidos al tutelaje de regímenes paternalistas comenzaron a otear en el horizonte esperanzas de redención. La revolución mexicana inspirada en el lema “Sufragio efectivo, no reelección” estremeció los cimientos del andamiaje político del mundo, como preámbulo a la gran hecatombe que estalló en 1914, en el Viejo Continente, antecedente para la consumación de la revolución bolchevique que, por sesenta años, dividió a la civilización entre occidente y oriente. Estos sucesos no pasaron inadvertidos para un hombre como Manuel María Ponce Cuéllar, quien razona que es tiempo para que América muestre a las naciones del viejo mundo, la frescura y originalidad de la creación de este mundo. Su talento le lleva a realizar la colosal tarea de reivindicar temas del folclore mexicano, en conjunción con contenidos extraídos del romanticismo europeo; pero, predominando siempre, un orden nacional que caracterizará toda la obra creativa de Manuel María. En este tiempo publica su repertorio de “Canciones Mexicanas”. De esta época data su éxito universal “Estrellita”.
En 1915, voluntariamente se exilia en Cuba en compañía del violinista Pedro Valdéz Fraga (1872-1939) y del poeta y periodista Luis Gonzaga Urbina, (Ciudad de México, 8 de febrero de 1864 – 18 de noviembre de 1934). En este país concibe su obra melódica titulada “Suite Cubana” integrada por los movimientos “Plenilunio”, “Paz de Ocaso” y “Serenata Marina”. Su labor integradora es prontamente reconocida por la Sociedad de Artes y Letras de La Habana, entidad que le otorga como reconocimiento a su impresionante idoneidad, la insignia de esta institución y el diploma que registra este acontecimiento. Escribe sobre temas de actualidad musical en los rotativos “El Heraldo” y en “La Reforma Social”, de La Habana. Asimismo, ofrece con sus compañeros de exilio recitales de poesía y música mexicana.
Interesado en conocer el ambiente artístico neoyorquino viaja a esta metrópoli en marzo de 1916, para presentarse como concertista en la prestigiosa sala de conciertos “Aeolin Hall of New York”, situada en el tercer piso del 29-33 West 42nd Street en Manhattan.
Acontecimientos derivados de la situación política de su país de origen que llevo al general Francisco Villa, José Doroteo Arango Arámbula (San Juan del Río, Durango, Mx., 5 de junio de 1876 – Hidalgo del Parral, Chihuahua, Mx., 20 de julio de 1923), a invadir la localidad de Columbus, en el estado norteamericano de Nuevo México, el 9 de marzo de 1916, contribuyó a crearle una atmósfera desfavorable en sus presentaciones artísticas. Los cronistas del diarismo neoyorkino vengaron la afrenta de Villa, en sus hostiles apostillas contra el artista, quien fracasado en sus planes, tuvo que retornar a Cuba y solicitar al gobierno del presidente Venustiano Carranza, (Cuatro Ciénegas, Coahuila, 29 de diciembre de 1859 – Tlaxcalantongo, Puebla, 21 de mayo de 1920), su reincorporación a la Patria.
El 4 de diciembre de 1916 vuelve a México. A finales de enero de 1917, está de nuevo en La Habana y, el 3 de junio de ese mismo año, arriba al puerto de Veracruz para establecerse definitivamente en su país. Ocupa las funciones de profesor de Piano en el Conservatorio Nacional de Música y crea la “Academia Beethoven”. El 3 de septiembre contrae nupcias con su novia de siempre, la contralto Clementina Maurel a quien el maestro había escrito desde La Habana, Cuba el 5 de abril de 1907: “¡Mi Adorada! Hoy viernes santo no tengo clases por la tarde. Dejo la partitura de Beethoven que estudio con gran atención. Y uno a la emoción de la música que escucho sin oír, la dulcísima emoción de tu recuerdo...
Eres tú, vida mía, la que llegas hasta mi corazón envuelta en armonías inmortales, llena de luz tu frente, llenos de amor tus ojos divinos, llena de besos tu boca, nido de mi felicidad... Llegas a mí, hasta mi solitaria habitación y tus manos de nardo acarician mi cabeza cenicienta, empolvada en el largo camino de mis sufrimientos. Tus manos me reaniman. Tus labios saben darme el vino milagroso que embriague mi corazón de alegría y mate el antiguo dolor.
Y te habla mi alma en la paz de la tarde y te dice y te canta muchas frases de amor...
¡Oh Clema mía, si tú comprendieras todo mi amor inmenso, jamás dudarías de él! Te suspiro, ángel mío. ¿Cuándo vienes? ¿Cuándo la felicidad de estrecharte en mis brazos llegará?
Te adoro y te envío mil besos. Dispénsame tesoro mío, mi reina, mi vida, mi única, mi todo, mi amor inmortal. Infinitas caricias, tuyo, tuyo para siempre, Manuel de Clema”.
El gobierno federal le designó director de la Orquesta Sinfónica Nacional. Sustituía en el cargo al compositor Manuel S. Acuña, (1907-1989). En este destino permanecerá hasta 1920. Asimismo, dirige juntamente con el escritor y periodista Rubén M. Campos, Guanajuato, Guanajuato, Mx., 1876 – Ciudad de México, D.F., Mx, 1945), la Revista Musical de México.
El trabajo pedagógico de Manuel María Ponce Cuéllar es intenso durante los neurálgicos años que presencian la trágica muerte del presidente Carranza en Tlaxcalantongo, y el advenimiento de Álvaro Obregón, (Álamos, Navojoa, Sonora; Mx., 19 de febrero de 1880 – Ciudad de México, D. F.; Mx., 17 de julio de 1928) a la jefatura del Estado.
La presencia en la recién creada Secretaría de Educación Pública del intelectual José Vasconcelos, en 1921, reanimó la actividad creativa y artística de México. En este nuevo tiempo escribe la sonata para violonchelo y piano. Esta obra fue dedicada por el autor a Gustavo E. Campa, (1863-1934) quien había sido director del Conservatorio Nacional de Música entre 1907 a 1913.
Ese mismo año, compone y publica su obra “Chapultepec, un tríptico sinfónico” Entre 1925 a 1932 se radica en Paris, Francia, donde se matricula para estudiar en la “Ecole Normale de Musique”, institución de estudios musicales fundada en 1919 por el pianista Alfred Cortot, (Nyon, Suiza, 26 de septiembre de 1877 – Paris, Francia, 15 de junio de 1962). Manuel María Ponce Cuéllar tuvo la oportunidad de conocer y frecuentar a Joaquín Rodrigo (Sagunto, España, 22 de noviembre de 1901 – Madrid, España, 6 de julio de 1999), José Paulino Rolón, (Ciudad Guzmán, Jalisco, Mx., 22 de junio de 1883 – Ciudad de México, D.F., Mx., 3 de enero de 1945), Lyubomir Pipkov, (Lovech, Bulgaria, 19 de septiembre de 1904 – Sofía, Bulgaria, 9 de mayo de 1974) y Alfred Romeo Alexandrescu, (Bucarest, Rumania, 17 de junio de 1902).
En la academia situada en el distrito 17 de la ciudad luz, estudia “modalidades armónicas estructurales e instrumentales”. En este centro se relaciona con el compositor y crítico Paul Dukas, (París, Francia, 1 de octubre de 1865 – Paris, Francia, 17 de mayo de 1935) y con el concertista de guitarra clásica don Andrés Segovia, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 – Madrid, 3 de junio de 1987)
En 1928 publica “La Gaceta Musical”, revista en idioma español que congrega a las más sobresalientes figuras del pensamiento universal como el pianista y compositor Paul Dukas, el historiador Salvador de Madariaga, ((La Coruña, España, 23 de julio de 1886 – Locarno, Suiza, 14 de diciembre de 1978); el compositor Joaquín Turina, (Sevilla; España, 9 de diciembre de 1882 - Madrid; España, 14 de enero de 1949) y del compositor y musicólogo Joaquín Nin Castellanos, (La Habana, 29 de septiembre de 1879 — La Habana, 24 de octubre de 1949).
Finalmente, el 11 de julio de 1932, obtiene la licenciatura en composición. De su época parisina son los Lieder con letra de Rabindranath Tagore (Calcuta, India, 6 de mayo de 1861 – Santiniketan, India, 7 de agosto de 1941), Mariano Brull Caballero, (Camagüey, Cuba, 24 de febrero de 1891 – La Habana, Cuba, 8 de junio de 1956) y Michail Lermontow, (1814-1841); los Preludios para violoncelo, el Cuarteto para instrumentos de Arco, La Sonata para violoncelo y la Sonata breve para piano.
Acrecentado en su fama de erudito musical, muchos críticos ensalzaron su obra. Otros, propagaron a través de sus ejecuciones artísticas su trascendencia. Dos insignes concertistas de la guitarra clásica española Andrés Segovia y Narciso Yepes, (Lorca, Murcia, España, 14 de noviembre de 1927 – Murcia, España, 3 de mayo de 1997), le consideraban como el compositor invariable de sus repertorios.
Referente a la obra sinfónica de Manuel María Ponce Cuéllar el violinista y musicólogo francés Marc Pincherle, (Constantine, Francia, 13 de junio de 1888 – Paris, Francia, 20 de junio de 1974) escribió: “folklorista intuitivo y paciente, Ponce fue el primero en recoger la música popular de su país, que ha estilizado con fidelidad”.
Los años subsiguientes hasta 1940, serán de una penetrante actividad creativa. Compone en memoria del escritor Luis Gonzaga Urbina, (Ciudad de México, D.F., Mx., 8 de febrero de 1864 – Madrid, España, 18 de noviembre de 1934), su Poema Elegíaco. Asimismo, el notable director Leopoldo Stokowski (Londres 18 de abril 1882 - Nether Wallop, USA., 13 de septiembre 1977), con la Philadelphia Orchestra, estrenó su tríptico Sinfónico Chapultepec.
En 1936, la Secretaría de Educación Pública, le designa como Inspector de Jardines de Niños. Fundó, en esta época, la revista “Cultura Musical”, escribiendo innumerables artículos y ensayos, compilados posteriormente en el libro “Nuevos Escritos Musicales”.
El compositor Manuel María Ponce Cuéllar fue un perseverante creador. Entre sus obras destacan: “Balada mexicana”, “Arrulladora”, “Tema mexicano variado”, “Romanza de amor”, “Preludio y fuga sobre un tema de Andel”, “Mazurcas Nos.1, 2, 4, 5, 6, 7 & 10”, “Scherzino mexicano”, “Gavota”, “Intermezzo No.1”, “Rapsodia cubana # 1”, “Canciones mexicanas”, “La barca del marino”, “Cuiden su vida”, “Estudios de concierto: # 7, Juventud” “#. 12, La vida sonríe”, “#. 3, Hacia la cima”, “Trozos románticos”, “Souvenir”, “Quimera”, “Deseo”, “Hoja de álbum”, “Legende”, “Mazurcas: # 3, # 8, # 11, # 13, # 14, # 16, #. 23”, “Suite cubana: Serenata marina, Plenilunio, Paz de ocaso”, “Deux études pour piano”, “Allegretto mosso ma espressivo”, “Allegro non troppo”, “Mar”, “Romanza de amor”, “Scherzino maya”, “Preludio mexicano”, “A pesar de todo”, “Tema mexicano variado”, “Guateque”, “Jarabe” “Danza del sarampión”, “Tempo di ninuetto”, “Minueto # 2”, “Minueto # 3”, “Cuatro pequeñas fugas para principiantes”, “Introducción, preludio y fugas sobre un tema de Bach” “Minueto (en mi mayor)”, “Tiempo de schottisch”, “Tres preludios”, “Preludio y fuga sobre un tema de Georg Friefrich Häendel”, “Preludio romántico”, “Preludio fugato”, “Preludio y fuga para la mano izquierda”, “Preludio encadenados”, “Estudio de concierto # I”, “Preludio trágico”, “Estudio de concierto # 3” “Hacia la cima”, “Estudio de concierto # 6”, “Alma en primavera”, “Estudio de concierto # 8”, “Preludio galante”, “Estudio de concierto # 12”, “La vida sonríe”, “Estudio de Moscheles”, “La noche”, “Duerme”, “Dos romanzas sin palabras: Noche azul, Ideal”, “Súplica”, “Melodía”, “Un recuerdo”, “Mayo”, “Primer amor”, “En una desolación”, “Momento doloroso”, “Malgré tout (A pesar de todo)”, Vals: “Amorosamente”, Vals: “Apasionadamente”, Vals: “Galante”, “Xochimilco”, “Romanza de amor”, “Dos estudios dedicados a Rubinstein”, “Cuiden su Vida”, “Primer Intermezzo”, “Rapsodia mexicana # 1”, “Rapsodia mexicana # 2”, “Momento doloroso”, “Idilio Mexicano para dos pianos”, “Ballet Kimbombó”, “Canto maya”, “Página de álbum”, “Mañanitas de los niños”, “Bailable oriental”, “Intermezzo # 3”, “Cadencia para el 1er. movimiento del 4o.concierto para piano de Beethoven”, “Cadencia para el 3er. movimiento del 4o. concierto para piano de Beethoven”, “Leyenda”, “Serenata frívola”, “Serenata arcaica”, “Serenata romántica”, “Nocturno # 1” y “Nocturno # 2”.
Manuel María Ponce Cuéllar fue un hombre de cultura ecuménica. Sus viajes, conocimiento de personalidades y estudios de especialización le otorgaron a su obra jerarquía universal, desenvolviéndose en ambientes marcados por cambios requeridos por la humanidad. Inmerso en la corriente impresionista, utilizó esa técnica para ensayar combinación de instrumentos con la finalidad de obtener una superior riqueza tímbrica. Impresionista por influencia directa de sus maestros Claude Debussy y Maurice Ravel, fue a su vez, un nacionalista por vocación, entregándose a la tarea de entrelazar a través de la música, una identidad de las corrientes populares con la música universal, revelando ante el mundo de su tiempo, la policromía musical de su pueblo, en una obra suya coherente.
Manuel María Ponce Cuéllar fue un catedrático a dedicación exclusiva. Enseñó en la academia, en el conservatorio y en la calle. Su presencia doctoral siempre estuvo vigente en su país y en naciones de otras latitudes. En Montevideo estrena el 16 de septiembre de 1941 el “Concierto del Sur”. En Buenos Aires, Argentina ofrece bajo los auspicios de la Asociación Wagneriana, el Concierto del Sur y ensaya nuevamente “Chapultepec”, obra suya que data de 1921.
Nuevamente en su país, la Secretaría de Instrucción Pública le designa miembro del Seminario de Cultura Mexicana. Es Catedrático de Pedagogía Musical en el Conservatorio de Música, Director de la Orquesta Sinfónica de México, Catedrático de Estética y Director de la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México.
Manuel María Ponce Cuéllar, compositor, director, pedagogo, escritor y crítico musical, fue un creador, un orfebre de la música que reivindicó el folclore mexicano, utilizando la técnica del “lenguaje impresionista” de combinaciones contrapuntísticas. Su obra para guitarra clásica es universal.

Entre ellas se distinguen “Sonata mexicana” (1925), “Tres Canciones Populares Mexicanas” (1925), “Thème varié et Finale” (1926), “Sonata # 3” (1927), “Sonata clásica” (1928), “Sonata romántica” (1929), 24 “Preludios” (1929), “Diferencias sobre “La Folía” de España y Fuga” (1929), “Andantino Variado” (1930), “Balleto” (1931), “Preludio en Mi Mayor” (1931), “Suite en Re Mayor” (1931), “Giga” (1931), “Homenaje a Tárrega” (1932), “Sonatina meridional” (1939), “Seis Preludios cortos” (1947) y su última creación titulada “Variaciones sobre un tema de Antonio de Cabezón” (1948).
Manuel María Ponce Cuéllar fue un adelantado a su época, legando para la posteridad una obra escrita que abarca un total de 250 partituras. Escribió música para guitarra, obras para piano, música de cámara, música para orquestas, conciertos, opera, música folclórica, canciones infantiles, y canciones populares como “Estrellita”, “A la orilla de un palmar”, “Serenata mexicana”, “Marchita el alma”, “La pajarera”, “Una multitud más”, “Tal vez”, “Necesito”, “Lejos de ti”, “Cuiden su vida”, “Si alguna vez”, “Que lejos ando”, “Si algún ser”, “Yo mismo no comprendo”, “Isaura de mi amor”, “Por ti mi corazón”, “Por ti mujer”, “Soñó mi mente loca”, “Tú”, “Aleluya”, “Cerca de ti” y “Serenata mexicana”, en la voz de los más consagrados cantantes se escuchan en todo el orbe terrestre. Su muerte ocurrió el 24 de abril de 1948. Sus restos descansan en la Rotonda de los Hombres Ilustres del Panteón de Dolores de la Ciudad de México. Aguascalientes, su tierra adoptiva, atesora devotamente este legado a través del Archivo del Instituto Cultural bajo la experta y consagrada dirección del doctor Víctor Manuel González Esparza, quien suministró a la Fundación Internacional José Guillermo Carrillo, por intermedio de su representante en la República Mexicana, Sofía Liliana Vargas Ortega, la información requerida para la elaboración de esta nota biográfica.

ALFONSO ESPARZA OTEO

2009-09-28T04:08:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Alfonso Esparza Oteo, el más romántico de los compositores mexicanos de la primera mitad del siglo XX, nació en la ciudad de Aguascalientes, nervio y centro ferroviario de la República Mexicana, el 2 de agosto de 1894. Hijo de Luis Esparza ejecutante de piano y órgano y de Concepción Oteo, fue el segundo de los diez hermanos fecundados por este matrimonio.

Sus estudios musicales los inició a la temprana edad de 7 años, constituyéndose su padre en su primer maestro de solfeo y piano. Después cuando sus padres convencidos de sus sobresalientes aptitudes para esta disciplina del arte y del saber le enviaron a la academia de piano de don Fermín Ramírez, quien para conformar su sensible cultura musical e intelectual, le instruyó con los pedagogos don Susano Robledo en solfeo; Manuel María Ponce, en piano; Adolfo Miramontes en órgano, el presbítero Fermín Ramírez en canto y Juan María Cisneros en composición.

Posteriormente, recibió instrucción musical del maestro y compositor don Antonio Gomezanda, natural de la localidad jalisciense de San Juan de los Lagos y autor de las laureadas obras sinfónicas “Fantasía mexicana para piano y orquesta” y “Las Danzas mexicanas para piano y orquesta”. Alfonso Esparza Oteo, como organistas presentó su primer recital en la Iglesia de San José, a los doce años. Simultáneamente daba inicios a su actividad como precoz compositor, aunque con poco éxito porque sus primeras realizaciones estaban orientadas hacia el tema religioso.

En concordancia con sus inquietudes intelectuales como músico en formación, Alfonso Esparza Oteo, también tenía inclinación por la milicia. Al concluir sus estudios básicos se dio de alta en el histórico colegio militar de la Ciudad de México. Simultáneamente, continuaba profundizando sus estudios pianísticos y de composición.Al producirse la implosión social que determinó el fin de la “era porfirista”, el joven Esparza Oteo, se incorporó a las fuerzas revolucionarias que, en el norte de México, comandaba el caudillo “Francisco Villa”, José Doroteo Arango Arámbula (San Juan del Río, Durango, Mx., 5 de junio de 1876 – Hidalgo del Parral, Chihuahua, Mx., 20 de julio de 1923), actuando bajo las órdenes de los generales Felipe de Jesús Ángeles Ramírez (Zacualtipan, Hidalgo, Mx., 1869 – Chihuahua, Chihuahua, Mx., 1919) y Raúl Madero González, (Parras de la Fuente, Coahuila, 16 de septiembre de 1888 – Ciudad de México, D.F., Mx., 1982).Alfonso Esparza Oteo pudo armonizar sus dos grandes inquietudes: la música y la milicia; sin embargo, la primera de éstas prevalió en el ánimo del talentoso Esparza Oteo, retirándose definitivamente de la organización militar con el grado de mayor.

Estudió armonía con el reconocido profesor Juan León Mariscal, experto en armonía tradicional, moderna y contrapunto, autor de la obra “Fantasía Mexicana” y con el compositor, director de orquesta, violinista y científico mexicano Julián Carrillo Trujillo, (Ahualulco, San Luis Potosí, Mx., 28 de enero de 1875 - Ciudad de México, D.F., Mx., 9 de septiembre de 1965).De esta época datan sus primeros éxitos como compositor; “Vals azul”, Vals galante” y “Plenitud”. En esta misma época musicalizó el poema de Adolfo Fernández Bustamante (Veracruz, Ver., Mx., 27 de septiembre de 1898 – Ciudad de México, D.F., Mx., 18 de Marzo de 1957) que se conoció internacionalmente como “Un viejo amor” composición que con el transcurrir de los tiempos ha sido interpretada por los más destacados vocalistas como Tito Schipa, Alfredo Kraus, Carlos Almenar Otero, Hugo Avendaño, Alfredo Sadel, Pedro Vargas, José Luis Moneró, Luis Arcaraz, Oswaldo Gómez, Nana Mouskouri, Ernestina Garfias, Enrique Chía, Andy Russell, Ana Gabriel, Pedro Vargas, Libertad Lamarque, David Zaízar, Hermanas Hernández, Hermanas Padilla, Lucero Campos, Demetrio González y Fernando de La Mora entre otros.

Esta composición juntamente con “La borrachita” de Ignacio Fernández Esperón “Tata Nacho” (Oaxaca, Mx., 14 de febrero de 1894 – Ciudad de México, D.F., Mx., 5 de junio de 1968) y “China” del compositor Mario Talavera Andrade (Xalapa, Ver., Mx., 13 de diciembre de 1895 – Ciudad de México, D.F., Mx., 1960) proveería a la canción mexicana de importantes ingredientes para inicializar un proceso de autentificación de las expresiones creativas con degustación nacionalista que, motivarían a los autores y compositores de las décadas subsiguientes a incorporar estos elementos a sus obras, imponiendo una modalidad que rebasaría los límites de la patria mexicana para secundar los nacionalismos en otras importantes naciones del continente hispanoamericano.

La actividad artista y musical de Alfonso Esparza fue palpitante. Intervino ora como autor de música, ora como autor de letra y música, ora como arreglista en más de ciento cincuenta obras entre las que tienen vigencia “Un viejo amor”, “Dime que sí”, “Plenitud”, “Íntimo secreto”, “Mentirosa”, “Infamia”, “Fracaso”, “Adiós golondrina”, “Te he de querer”, “Albur de amor”, “Errante”, “Canción de amor”, “Mientras yo viva”, “Deja morena mia”, “La rondalla”, “Carta de amor”, “Bien sabes tú”, “Pajarillo barranqueño”, “La india bonita”, “Ojos gitanos”, Rocío”, “Como tú quieras”, “Carita de virgen”, “Huerfanita”, “Un cruel puñal”, “el pobre corazón”, “Así es la vida”, “Azares de la vida”, “Juan colorado”, Adolorido”, “Cenizas del olvido” y “Golondrina mensajera”.Entre sus intérpretes de mayor relevancia están Néstor Mesta Chayres, Pedro Vargas, Libertad Lamarque, Luis Pérez Meza, Alejandro Rivera, Hermanas Águila, Hermanas Padilla, Hermanas Hernández, Tito Schipa, Alfredo Sadel, Carlos Almenar Otero, Alfredo Kraus, Juan Pulido, Hermanas Huerta, Pilar Arcos, Guty Cárdenas, Emilio Tuero, Lorenzo Barcelata, Josefina Chacha Aguilar, Pedro Infante, Javier Solís, Jorge Negrete, Ana Gabriel, Cuco Sánchez, Héctor Palacios, Alfonso Ortiz Tirado, Juan Arvizu, José Moriche, Ernestina Garfias, Jorge Añez, Alcídes Briceño, Margarita Cuero, Eduardo Solís, Elena Ehleres, Jorge Macías, Los Panchos, y Tomás Morato.Además de su trabajosa actividad como artista de la creación, Alfonso Esparza Oteo utilizó buena parte de su tiempo para realizar una provechosa actividad pedagógica como autor de canciones destinadas a los escolares.

Musicalizó junto a Mario Talavera los film “Un viejo amor”, (1938) película del realizador Luis Lezama con un reparto de excepción integrado entre otros por Ramón Armengod, Valentín Asperó, Carolina Barret, Honorato Bassoco, Carlos L. Cabello, Margarita Cortés, Consuelo Frank, Teresa Galza, Esther García, Raúl Guerrero, Víctor Junco, Max Langler, Alberto Martí, Wilfrido Moreno, Clementina Morín, José Ortiz de Zárate, Arturo Turich, Ramón Vallarino, David Valle González y David Valle González; “El cementerio de las águilas”, cinta rodada en 1939 con Jorge Negrete, Margarita Mora, Miguel Inclán, Alfonso Ruiz Gómez, Ricardo Mondragón, Pepe Martínez y Lolo Trillo. Esta cinta fue escrita por Íñigo de Martino y Alfredo Noriega con la dirección de de Luis Lezama; “Con los dorados de Villa”, (1939) bajo la dirección y producción de Raúl de Anda y Emilio Fernández y las actuaciones de Domingo Soler, Pedro Armendáriz, Emilio “Indio” Fernández, Susana Cora, Lucha Reyes, Marcus Goodrich y Salvador Quiroz; “La paloma”, escrita y dirigida por Miguel Contreras Torres; “La gallina culeca” en 1941 con Sara Garcia, Ernesto Alonso, Gloria Marín, David Silva, Domingo Soler y Alfredo Varela Jr. Entre otros con la dirección de Fernando de Fuentes; "Caballería del imperio” (1942) con la dirección y producción de Miguel Contreras Torres y las actuaciones de René Cardona, Rafael Baledón, Pedro Vargas, Manuel Noriega, Julián Soler y Manuel Dondé; “Los hijos de don Venancio”, film de 1942 con las actuación y dirección de Joaquín Pardavé secundado por Roberto Cañedo, Victoria Argota, Luis Badillo, Francisco Pando y Horacio Cesarín. Esta cinta fue escrita por Nicolás de las Llanderas; “Adiós mariquita linda” con Tito Guízar, María Luisa Zea, Antonio Badú, José Elías Moreno y Miguel Inclán. Este film data de 1944, dirigido y escrito por Alfonso Patiño Gómez; “Amor de una vida” interpretado por Mapita Cortés, Miguel Arenas, Amparo Morillo, Tomás Perrín y José Pidal. Director Miguel Morayta. También musicalizó los film “Refugiados en Madrid”, “Pecadora”, Canción del corazón”, “Tehuana”, “Las tres hermanas”, “Íntimo secreto”, “Ojos gitanos”, “La golondrina”. “Rayando el Sol”, “Más allá del amor”, “La pajarera” y “la dulce enemiga”. Alfonso Esparza Oteo expresó que su técnica de composición es sencilla: “en todas mis producciones elijo previamente el tema y después llevo a cabo su desarrollo por medio de natural inspiración”.Sus composiciones más notables como “Te he de querer”, “Déjame llorar”, “estrellita marinera”, “Albur de amor”, “Juan colorado”, “La rondalla”, Mi tierra mexicana”, “Plenitud” y “Un viejo amor” y “Colombina” han sido marco musical de los cintas Dos inocentes mujeriegos, Caballo prieto azabache (La tumba de Villa), Santa sangre, El centauro Pancho Villa, Audaz y bravero, Gabino Barrera, Los cuatro Juanes, Dos maridos baratos, Rondalla, Sueños de oro, La niña de mis ojos y “Tu hijo debe nacer”.

Entre las cuantiosas actividades profesionales que desempeñó Alfonso Esparza Oteo en el medio siglo de su productiva existencia, destacan el haber sido Director de la Orquesta Típica Presidencial, durante los mandatos de los generales Álvaro Obregón, (Los Álamos, Navojoa, Sonora; 19 de febrero de 1880 – Ciudad de México, D.F., Mx., 17 de julio de 1928 ) y Plutarco Elías Calle, (Guaymas, Sonora, Mx., 25 de septiembre de 1877 – Ciudad de México, D.F., Mx., 19 de octubre de 1945), entre los neurálgicos años de 1920 a 1928, constituyéndose en testigo de excepción en el magnicidio perpetrado en la persona del “Caudillo de Celaya”, por el cristero José de León Toral (Matehuala, San Luis Potosí, Mx., 23 de diciembre de 1900 – Ciudad de México, D.F., Mx., 9 de febrero de 1929), hecho ocurrido el 17 de julio de 1928; Director de grabaciones para las compañías fonográficas Columbia y Brunswick entre 1926 a 1929; fundador en compañía de Ignacio Fernández Esperón, Mario Talavera y otros 75 compositores y autores del Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM) que, al poco tiempo, se transformaría en la Sociedad de Autores y Compositores de México y, finalmente, adoptaría para los fines legales de rigor, la denominación de “Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM); Comisionado de Cultura Estética de la Secretaría de Educación Pública; Director-Fundador de la Unión de Directores de Orquesta; Director artístico de la radiodifusora XEW de la Ciudad de México; Secretario General de la Federación Teatral y Espectáculos Públicos y presidente de la Mesa de Investigaciones Folclóricas de la Sección de Música de Bellas Artes. En esta época el maestro Esparza Oteo realizó una laboriosa gestión para el rescate de las canciones tradicionales mexicanas.El 15 de junio de 1926, desposó a la dama Blanca Torres Portilla, con quien procreó a Alma, Graciela, Alfonso, Laura, María Eugenia, Silvia, Yolanda, Luis y a Enrique Esparza Torres. En entrevista publicada el 29 de junio de 1990, la viuda rememora su encuentro con el compositor de “Plenitud”: “Nosotros vivíamos en una quinta llamada “Suiza” en Acámbaro, Guanajuato, y en los tiempos de la revolución, mi papá nos mandó a estudiar a Morelia. Allí tuvo un maestro de piano, recién llegado de Europa, Ignacio Mier. Entonces tenía yo nueve años cuando salió el foxtrot de Alfonso Esparza Oteo, Plenitud, y mi maestro, que era muy clásico, decía: “entre toda la música que he escuchado, hay una de que es de un género popular y es muy valiosa: es Plenitud, por su estilo propio y pianístico”.

.… En tiempo yo jamás pensaría que iba a conocer al autor. Pero en ese gusto por la música, se cumplió la profecía “antes de conocerlo lo adiviné” ya que a los diecisiete años en el carnaval fue Acámbaro el grupo artístico de Esparza Oteo. El tocaba la primera parte de temas clásicos, y la segunda era mexicana.

.… Y entonces tocaba sus clásicos “Un viejo amor”, “Plenitud”, etc. Yo fui al teatro y allí lo conocí. Lo que fue como premonición fue que yo tocaba sus composiciones más populares y con mucha emoción lo quería conocer. Pensaba que era un viejito y lo voy viendo; muy guapo, muy joven e interesante, y yo me moría de la emoción: era mi héroe, después.… Alfonso fue al baile de carnaval, me sacó a bailar, nos enamoramos y del carnaval se fue a México, y regresó conmigo hasta Semana Santa. En esa época pidió permiso a mis padres, y les solicitó formalmente mi mano.

.… Alfonso fue un hombre de convicciones muy rectas, sin ninguna doblez, con una sensibilidad extrema y con un sentido de la responsabilidad, que la vida le había legado, desde su juventud; por ello Alfonso siempre será un ejemplo para la creatividad y para el logro de los más altos anhelos”.

Su padre, fue su primer maestro de solfeo y piano. Más adelante asistió a las clases que impartían los maestros Arnulfo Miramontes y Manuel María Ponce Cuéllar, de quienes recibió clases de piano, órgano, canto y composición, respectivamente. Este influjo de tan importantes maestros, fue esencial en su futuro como compositor, ejecutante y arreglista. A Manuel María Ponce Cuéllar le reconocía como su principal mentor en la delicada carrera que había escogido..Alfonso Esparza Oteo organizó y dirigió La Orquesta Típica Esparza Oteo y fue parte importante del renombrado cuarteto “Los Ases de la Canción” que integró en compañía de Miguel Lerdo de Tejada, Tata Nacho y Mario Talavera.

La actividad musical de Alfonso Esparza Oteo no estuvo reducida a su país natal, México, sino que, además, se extendió a una buena parte del continente. Realizó giras por el Caribe, centro y Sudamérica. En la Habana, Cuba fue objeto a innumerables agasajos y se presentó en el prestigioso “Teatro del Prado” junto a Miguel Lerdo de Tejada, Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig, Eduardo Sánchez de Fuentes, Emma Piñeyro, Manuel Castro Padilla y Enrique Uhtholf. Ya, en 1927, se había presentado con éxito en el Teatro Payret. Una crónica de la época expresa: “La música mexicana, ha arraigado hondamente entre nosotros y cada día se adueña más y más de nuestro agrado, porque cada día se hace más comprensiva y clara”, para agregar: “Prueba de ello – aparte de los altos méritos artísticos de los intérpretes – en este éxito soberbio logrado por el maestro Esparza Oteo y sus cantores que hoy cantarán en su función de honor los número sobresalientes de su repertorio.

El Diario de La Marina, en su edición del 3 de marzo de 1927 destaca que “Alfonso Esparza Oteo, supo darnos la exacta emoción del amor que se fue, y que vive melancólicamente en nuestros recuerdos… El viejo amor que no se olvida, nunca en una bella canción que por clara y sincera salió de su patria y tomó carta de naturaleza entre nosotros es objeto hoy de un cálido homenaje de efecto en el pequeño y aristocrático Teatro del Prado”.

Alfonso Esparza Oteo falleció en Ciudad de México, D.F., Mx., a los 64 años de edad, el 31 de enero de 1954. Sus restos mortales reposan en el Panteón Jardín, en el Desierto de Los Leones de Ciudad de México.

En 1994, al conmemorarse el centenario del nacimiento del autor de “Un viejo amor”, el estado de Aguascalientes por intermedio del licenciado Otto Granados Roldán, gobernador de esa entidad estatal preparó y ejecutó a través del Instituto Cultural de Aguascalientes, dirigido por el licenciado Enrique Rodríguez Varela, un regio programa de actividades públicas y de investigación documental sobre la vida y obra del eximio compositor que coordinó el licenciado Víctor Manuel Solís Medina. Por nuestra parte, la Fundación Internacional José Guillemo Carrillo memoria histórica del patrimonio sonoro del Siglo XX, a través de su representante en México, Sofía Liliana Vargas, logró acceder por gentileza del licenciado Solís Medina, a la información requerida para la redacción de este estudio biográfico de Alfonso Esparza Oteo.

MIRIAM BAYARD

2009-08-15T05:02:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Miriam Bayard es una talentosa y original cantante cubana, músico profesional, educadora, actriz de teatro y televisión nacida en la Habana, el 7 de diciembre de 1944 y residente en la República Mexicana desde 1991, nación que le otorgó la nacionalidad en el año 2000.

Miriam Bayard estudió y obtuvo una formación como músico y como docente, habiendo desempeñado en su país de origen funciones de profesora de francés y de enseñanza primaria. Se graduó como pedagoga de piano, solfeo y teoría, incorporada desde los inicios de su carrera profesional al Coro Nacional de Cuba y al Teatro Musical de la Habana.

La expresividad de Miriam Bayard es sugerente y convulsiona con ritmo tropical a quienes se encuentran situados en su proximidad. Ella tiene un carácter y una disciplina que la ha colocado en sitio de preeminencia entre los intérpretes de temas con dejo latino. Además de sus cualidades como artista e intérprete, Miriam Bayard reintrodujo en su patria, Cuba, el merengue dominicano tan en boga durante la década de los 50s., gracias a la presencia y actuación del imborrable vocalista dominicano Alberto Beltrán, antiguo cantante de la portentosa “Sonora Matancera”.De la misma manera Miriam Bayard, llevó a la sociedad cubana la sensualísima y provocativa “Lambada” baile que, fundamentalmente, es una mezcla de “Carimbó” y “merengue” que hizo furor en todo el orbe terrestre a mediados de la década de los 70s., y toda la década de los 80s.

La artista se distinguió desde sus inicios como vocalista y cantante profesional, en la garbosa provincia oriental de Santiago, ciudad donde “sintió gran atracción por la música que le deleitaban desde un balcón santiaguero un Miguel Matamoros o un Sindo Garay, que con sus trovas fascinantes entregaban serenatas a todos los corazones enamorados de la zona. Su inclinación hacia la músca no estuvo errada, pues años más tarde se convertiría en una de las figuras más importantes de la música cubana”.

1980 fue una década prodigiosa para el arte musical latinoamericano. En cuba destacaban las voces de Elena Burke, Leonora Rega, Moraima Secada, Marta Strada, Rita Gil, Mirta Medina, Luisa María Güell y Lourdes Torres, mientras que desde el exilio Celia Cruz, Lupe Victoria Yolí Raymond “La Lupe”, Olga Guillot y Blanca Rosa Gil imponían su clase y estilo interpretativo en Puerto Rico, México, Estados Unidos, Nicaragua, Panamá, Colombia, Perú, República Dominicana y Venezuela.Miriam Bayard después de haberse construido una sólida infraestructura cultural irrumpió exitosamente en 1981, inaugurando una nueva modalidad para interpretar el originalísimo “son cubano” y el “bolero romántico latinoamericano”. Ella, desde sus inicios obtuvo su espacio como solista en Cuba audicionando en los cabarets “Tropicana”, “Copa Room” del Hotel Habana Rivera, “Hotel Capri” de la y “Hotel Nacional”, lugares de esparcimiento que congregaba a un turismo internacional que admiraba y se solazaba con la presencia de artistas de la dimensión de Miriam Bayard.

Pero, una situación política excluyente y la desaparición forzada de cabarets y centros de esparcimiento a finales de los 80s., e inicio de los 90s., llevó al destierro a Miriam Bayard, quien sería recibida en tierras aztecas, nutrida de conocimientos, experiencias y esperanzas para hacerse de un cartel que le permitiera demostrar a los públicos de todas las latitudes su valía como intérprete de la esencia de los sones de su ardiente tierra y de embajadora de la música escrita por los inolvidables Miguel Matamoros, Eliseo Grenet Sánchez, Sindo Garay, Gonzalo Roy y Manuel Corona entre los de superior trascendencia en su Cuba natal.También ha hecho autenticas creaciones de los conocidos temas “Caballo Viejo” del venezolano Simón Díaz, “Cachita” del boricua Rafael Hernández Marín y “Cuando Salí de Cuba” del argentino Luis Aguilé.

Ciertamente, Miriam Bayard ha renovado la buena música que se dejó escuchar en la década de los 20s., 30s., y 50s., añadiéndole creatividad dentro de un estilo único que ha recibido admiración y reconocimiento de los más exigentes públicos de España, Hungría, Rusia, Etiopía, Angola, Finlandia, Sucia, Canadá, Perú, Panamá, Nicaragua, Estados Unidos y México, país que le arrebujó en su seno cubriéndola con su pabellón tricolor y su águila real posada sobre el nopal florecido que es la esencia de la libertad donde Miriam Bayard ha logrado realizarse como una connotada artista y como ciudadana agradecida.Miriam Bayard planifica desde su base situada en Ciudad de México, las giras que ha de emprender por países remotos del orbe terrestre, con mente organizada que desempeña admirablemente sus funciones profesionales como artista y como administradora de su hogar. Es una mujer talentosa, objetiva y triunfadora. Manufactura y edita sus propios proyectos musicales.

Recientemente, con la colaboración de José A. Quintana y Hammadi Bayard publicó su más reciente CD que tituló “Cuando salí de Cuba”, obra de expresivo contenido latinoamericanista que resume según la ilustrada opinión de José Antonio Quintana Díaz, la vida artística de Miriam Bayard, cuando afirma expresamente que “es sinónimo de cubanía, sabrosura y son”.

MARIA LUISA LANDIN

2009-08-12T16:19:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín. Abogado especialista en Derecho Privado Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Maria Luisa Landin Rodriguez, “La Reina del Bolero”, es un ícono del sentimiento popular latinoamericano, expresado en su voz única e incomparable, no superada por intérprete alguno.

Hija del matrimonio conformado por los esposos Ireneo Landin y Magdalena Rodríguez de Landin, veracruzano el padre y guanajuatense, la madre, nació en el popular, creativo y céntrico barrio de “Tepito” de Ciudad de México, el 9 de octubre de 1921.Junto a su hermana Avelina Landín Rodríguez, (Ciudad de México, D.F., Mx., 10 de noviembre de 1917 – Ciudad de México, D.F., Mx., 21 de febrero de 1991) se inició tempranamente en el arte musical conformando en 1935 el dúo “Pirita y Jade” de grata recordación entre los dúos de la época, por la exquisita elegancia en el cantar y por el acoplamiento admirable entre las agraciadas voces de las hermanas Landin Rodríguez.

El dúo “Pirita y Jade” se presentaba en fiestas y reuniones familiares, recibiendo la aprobación de los concurrentes y, al poco tiempo, se hicieron notorias en el ámbito de su residencia y más allá del límite de ésta. En 1936 se presentaron alternativamente en la estación radiodifusora “XEYZ” y en la gubernamental “XEFO”. En 1938, la recién inaugurada estación radiodifusora “XEQ” conocida en el ámbito radial como “Radio Panamericana”, contrató a las Hermanas Landín como elementos esenciales de su programación musical, promoviendo una convencional rivalidad artística con las Hermanas Águila, famoso dúo integrado por las hermanas María Esperanza y María de la Paz Águila Villalobos.

Este antagonismo fue provechoso para la naciente radioemisora y, asimismo, para las artistas que acrecentaron su fama y popularidad. En este ínterin las hermanas Landín adoptaron la denominación de “Dúo Mari-Lina” y, finalmente, eligieron el nombre que les acreditaría como el más destacado y armonioso dúo de la época: “El Dúo de las Hermanas Landin”.

Con este nombre registraron para la posteridad los más sentidos temas de renombrados autores y compositores. Entre estos destacan: “ A ti qué” de Alberto Domínguez, “A dónde irán” de Rodolfo Mendiolea, “Yo quiero la vida”, “Aquella noche”, “Si tú me pides” y “Háblame de amor” de Gabriel Ruiz, “Cariñito” de Manuel Renteria, “La Guía”, de Méndez Castillo, “La noche, tú y yo” de Rafael Hernández, “Mi amor de ayer” de Tamayo Ortega, “Mi destino fue quererte” y “Mi único amor” de Felipe Valdéz Leal, “Mujercita castigada” de Fernando Z. Maldonado, “Pasional” de Consuelo Velásquez, “Pobre de mí” de Agustín Lara, “Tengo que sufrir” de Claudio Estrada, “Tengo un nuevo amor” de Ernesto Lecuona y “Yo no sé lo que me pasa” de Fernando Mulens.La agrupación de las “Hermanas Landin” se mantuvo incólume hasta 1942, cuando Avelina contrajo matrimonio con Ángel Zempoalteca Ortega (1925-1970).

Disuelto el Dúo de las Hermanas Landin, María Luisa fue contratada por Carlos Riverol para actuar en el Teatro de Bellas Artes con el patrocinio de la compañía Coca Cola de México junto al tenor Néstor Mesta Chayres (Ciudad Lerdo, Durango, Mx., 26 de febrero de 1908 – Ciudad de México, D.F., Mx., 29 de junio de 1971), con quien produjo series inolvidables que, posteriormente, conformarían un conjunto de programas radiales de amplia y comprobada sintonía en todo el territorio de la República Mexicana que, después, serían retransmitidos al continente latinoamericano a través de la estación radiodifusora XEW del que se harìan temas populares en dúo de cartel: Chayres-Landin. Estas audiciones fueron registradas en un L.P de colección. Entre las canciones que destacan están: Siempre viva, Ay Maricruz, Reconciliación, Rumichacha, Por la vuelta, Tu altivez, Secreto, Al son de la marimba, Muchos besos, Tres corazones, Momento musical Nº 3, Corazón del mar, María Elena y Buenas noches. María Luisa Landin en 1940, había hecho una fugaz gira a Cuba, actuando en clubes, teatros y estaciones radiales. Después, incursionó hacia Sudamérica donde recibió la aceptación de estos públicos.

María Luisa Landín en 1942 registró su primer éxito de proyección nacional e internacional: “Canción del alma” de Rafael Hernández Marín, (Aguadilla, Puerto Rico, 24 de octubre de 1891 - San Juan, Puerto Rico, 11 de diciembre de 1965)

En esa época trabó amistad y trabajó en programas radiales que producía y animaba con su orquesta de baile, el músico, director y compositor portorriqueño Rafael Hernández Marín, quien se había avecindado en Ciudad de México desde 1932.

Ya, María Luisa Landin, es popular en su país y en América. El tema “Hay que saber perder” del compositor Abel Domínguez Borrás, (San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx., 29 de mayo de 1902 – Ciudad de México, D.F., Mx., 5 de julio de 1987), corre a lo largo y ancho del continente. Su pegajosa melodía y su cautivante letra constituyen una combinación acertada para los productores fonográficos que revuelve los cimientos de esta industria.

En 1949, a raíz de su retorno de un exitoso viaje a Sudamérica, es contratada exclusivamente por XEW, potente y prestigiosa emisora radial conocida como “La voz de América Latina desde México”, semillero de artistas y promotora del arte y la cultura en todas sus manifestaciones, estación insignia del complejo radiofónico inspirado por Emilio Azcárraga Vidaurreta (Tampico Tamaulipas, Mx., 2 de marzo de 1895 - Ciudad de México, D.F., Mx., 23 de septiembre de 1972).

En este nuevo destino María Luisa Landín alternó con escritores, compositores, músicos, directores de orquesta, artistas de cine, locutores etc., que le despejaron el horizonte artísticos por donde ella transitaría a través de una larga y exitosa jornada.Ese año registra del compositor boricua Pedro Flores (Naguabo, Puerto Rico, 8 de marzo de 1894 - San Juan, Puerto Rico, 13 de julio de 1979), el tema “Amor perdido” con arreglos del maestro Rafael de Paz y con el marco musical de la orquesta de José Sabré Marroquín se transformaría en la canción de mayor popularidad durante la segunda mitad del Siglo XX, constituyéndose en el tema musical más pedido y escuchado en la radiodifusión iberoamericana. María Luisa Landin confidencialmente ha expresado después de 60 años de haber registrado este tema que ella, compelida por los productores de la compañía RCA Victor de México aceptó interpretar y grabar esta melodía muy a su pesar, porque no estaba interesada en ella en razón a que esta composición ya había sido registrada sin mayor éxito por Manolita Arreola y, María Luisa, con su hermana Avelina, también la habían grabado cuando actuaban en dúo.

Como se ha expresado en párrafo anterior, el éxito esta vez fue apoteósico. Se batió record de ventas y, los productores de cine Gustavo de León y Antonio Nicoly produjeron la cinta “Amor perdido” con la dirección del realizador Miguel Morayta, basado en una historia de Víctor Mora, argumento de Guadalupe González con las actuaciones de Amalia Aguilar, Víctor Junco, María Luisa Landin, Lily Aclemar, Ricardo Adalid, María Victoria, Eduardo Alcaraz, Armando Arriola, Felipe de Flores, Yadira Jiménez, Chel López, Tito Novaro, Dámaso Pérez Prado, José Pulido, Juan Bruno Tarraza, Alfonso Torres, Alfredo Varela padre y Enrique Zambrano. La cadena de éxito de “La Cancionera de América” María Luisa Landin fue interminable. Para ella escribieron los autores y compositores de éxito y relevancia. Fue acompañada por las orquestas y conjuntos de mayor transcendencia. Sus giras se hicieron interminables. Estuvo en La Habana, Los Ángeles, San Francisco, Santo Domingo, Caracas, Maracaibo, Lima, Bogotá, Medellín, Calí, Madrid, Santiago de Chile, Buenos Aires, Puerto Rico, Panamá y viajó por la extensa geografía mexicana. Vivió en La Habana donde contrajo segundas nupcias con el notable director, pianista y compositor Fernando Mulens (San José de los Ramos, Matanzas, Cuba, 29 de septiembre de 1920 – San Juan, Puerto Rico 10 de noviembre de 1986). Este musicalizó en 1953, en honor a la desposada, el tema “Que te pedí” escrito por Gabriel Luna de la Fuente (Tacubaya, D. F., Mx., 19 de marzo de 1909 – Ciudad de México, D.F., Mx., 1de noviembre de 1954), que fue éxito en Venezuela, Colombia, Cuba, República Dominicana, Puerto Rico Panamá, Medellín etc.

Entre los éxitos de la canción romántica latinoamericana interpretados por María Luisa Landin destacan: “No señor” de July Steiner, “Te espero”, “Verdad amarga” y “Aunque tengas razón” de Consuelo Velásquez, “Desdichadamente”, “Canción Divina”, “Desvelo de amor”, “Me la pagarás”, “Ahora”, “Puro engaño”, “Amor ciego” y “Canción del alma” de Rafael Hernández Marín, “Bésame”, “Don dinero”, “Infame”, “Jamás, jamás”, “El tiempo lo dirá”, “Nunca más”, “Por eso te perdono”, “Ven, ven, ven”, “Que te vaya bien” y “Yo soy tu pasado” de Federico Baena, “Ven te quiero ver” de Alberto Salinas, “Somos diferentes” de Antonio Núñez, “Se muy bien que vendrás” de Alberto Muñoz, “Conozco a los dos” de Pablo Valdéz, “Porque llorar” y “Amor de sangre” de Mario Ruiz Armengol, “Mis ojos me denuncian” de Miguel Acuña, “A donde irán” de Rodolfo Mendiolea, “Mi último refugio” de Miguel Ángel Pazos, “Tengo que amar” de Marcelo Rey, “Por pasar el rato” de Miguel Ángel Valladares, “Prefiero estar sola” de Claudio Estrada, “Si tu regresaras” de Antonio Núñez, “Una aventura más” de Oscar Kinleiner, “Senda maldita” de Rafael de Paz, “Muchas gracias” de Ivon Curi, “Falsa” de Juan B. Leonardo, “Dos almas” de Domingo Fabiano, “Tú y la noche” de Minerva Magaña, “Conozco a los dos” de Pablo Valdéz Hernández, “Malos pensamientos” y “Que el cielo te lo pague” de Alberto Domínguez, “Déjame en paz·” de Luciano Miral, “La mano de Dios” de José Alfredo Jiménez, “Tú eres mi destino” de Carlos Gómez Barrera entre las de mayor éxito y difusión que son canciones de catálogo.

María Luisa Landin posee una insuperable voz. Intensa en su expresión vocal y corporal. Su canto vigoroso ha recorrido todos los rincones del Continente. Voz y temperamento apasionado, inauguró un estilo único, imitado; pero, jamás igualado. De baja estatura, de talle delgado, se crecía frente al público, haciéndole vibrar y vivir el apasionamiento de las canciones que interpretaba con calidez, ternura y pasión. A la fuerza de su lenguaje corporal, se unía el énfasis que ponía a cada una de las canciones de las que hacía una historia particular.

Su vigorosa voz la distinguía entre sus compañeros de espectáculo, empresarios y público. Sin afectación de naturaleza alguna, vestía impecablemente en cada una de sus presentaciones. Lucía para cada ocasión un juego de costosísimas joyas que le imprimía un toque especial a su expresiva personalidad. Cuando se presentaba al público lo hacía segura de sí misma. Elegante en su presentación personal e intachablemente vestida. Su baja estatura la compensaba con unos elegantes altos tacones. Su rostro aparecía sereno. Frente amplia, cejas bien delineadas, pelo exuberante y siempre corto. Ante el público, en cualquier latitud de América, demostraba absoluta seguridad. Atizada por el ardiente fuego del amor, al que exaltaba en las letras de las canciones que para ella escribían autores y compositores, se casó en tres oportunidades. La primera con Lorenzo Ibáñez, padre de su única hija, la doctora Graciela Ibáñez Landin; la segunda, con el compositor Fernando Mulens y, finalmente, se unió en Medellín, Colombia, en 1954, con Eugenio Cañaveral en un desafortunado matrimonio.

María Luisa Landin desarrolló su actividad artística en solitario. Por iniciativa propia viajó a muchos países de América y España. En este último país estuvo en 1951. Enamorada de las bellezas naturales y del ambiente caribeño, se avecindó en Santo Domingo, República Dominicana. Debutó el 21 de febrero de 1947, en las radiodifusoras “H12T” y “H13T” inaugurando la V Semana Aniversario de “La Voz del Yuna”. Después actuaría en 1955 junto a María Antonieta Pons, María Elena Marqués, Amalia Mendoza, Nicolás Urcelay, Luis Arcaraz, Flor Silvestre y Fernando Fernández en la celebración del XIII Aniversario del circuito radiotelevisivo de “La Voz Dominicana Televisión”. El éxito de esta temporada lo repetiría en 1957 y 1958.María Luisa Landin está próxima a festejar el Octogésimo octavo aniversario de su natalicio y el Septuagésimo cuarto aniversario de su inicio como profesional del canto.

En este tiempo recibe clases de vocalización con el ilustrado y paciente maestro don Emilio Pérez Casas, quien a través de la selecta academia que regenta ha contribuido a la formación pedagógical de un nutrido y selecto grupo de artistas mexicanos.

El profesor Emilio Pérez Casas es, además, un notabilísimo concertista, que ha dirigido extensas temporadas de Zarzuela y Opereta en las que ha compartido experiencias con Ernestina Garfias, Pepita Embil, Cristina Ortega, María Conesa, Rosa María Montes, Elizabeth Larios, Don Víctor Torres, Don Plácido Domingo y Enrique Alonso “Cachirulo”, los más destacados cultores de estos géneros.

Doña María Luisa Landin, “La reina del Bolero” reside actualmente en Ciudad de México, donde transcurre en existencia apacible al lado de sus descendientes Graciela Ibañez Landin y Graciela Elizabeth Kasep Ibañez, su hija y nieta respectivamente. María Luisa Landin está dotada de una excelente salud, conservando una prodigiosa y envidiable memoria, donde está registrado un importante segmento de la historia sentimental de los pueblos de América. Ella es el repositorio de un tiempo inolvidable que jamás volverá.

RUTH ETTING

2009-06-23T14:33:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Los primeros años de vida de Ruth Etting, de acuerdo con el arraigo de sus padres en la ciudad de David, Nebraska, fue estable económica y emocionalmente; pero, a la muerte de su madre, Winifred Kleinhan, cuando Ruth apenas contaba con cinco años de edad, su vida experimentó un cambio radical, porque a partir de esa época Alfred Scenario, su padre, se desatendió de sus responsabilidades con la pequeña, traspasándolas a George y Hannah Scenario, abuelos de la pequeña Ruth.La inclinación artística de Ruth se la inspiró George Scenario, su abuelo, quien a parte de sus intereses propiamente económicos en la localidad de David, tenía simpatías por las atracciones relacionadas con las artes escénicas. Ruth sublimó a su abuelo, George, que era propietario y gerente de la “Scenario Roller Mills”. En su juventud, según propia confesión, Ruth jamás cantó fuera del coro de la iglesia congregacional de David. “Canté en un alto, soprano chirriante, -expresa- para esa época, mi voz no sonaba terrible, pero no sabía que podía cantar en cualquier otra variedad”.Desde su temprana juventud, Ruth se interesó por el canto como actividad profesional y lucrativa, realizando sus primeras presentaciones en la escuela secundaria de su ciudad natal; además, durante estos años de formación, tuvo inclinaciones hacía el diseño de ropa.Graduada en la secundaria de David en 1913, prontamente se alejó de ésta, avecindándose en Chicago, donde se matriculó en la Academy Of Fine Arts.Investida con un título académico, comenzó a trabajador como diseñadora; pero, su verdadera actividad estaba en la actuación. Un talentoso diseñador de vestuario, la ubicó en un importante puesto de trabajo en el club “Marigold Gardens”.A principios de los años 1920, Ruth comenzó a alejarase de su trabajo como diseñadora para presentarse en como corista en los jardines del Marigold.En esos primeros tiempos, Ruth Etting, pasó de corista a cantante profesional, actuando no sólo en el Marigold Gardens, sino que, además, se presentaba en el Rainbow Gardens y en la Sala Terraza del Hotel Morrison, en Chicago.En pleno tiempo de lo que se denominó en los Estados Unidos “la era de la prohibición”, Chicago, al igual que Nueva York y otras importantes ciudades de ese país, fueron flageladas por la delincuencia organizada. Con este escenario la joven Ruth se vinculó a Martin Snyder, conocido como “Moe the Gimp “quien desde los años 20s, actuaba como cabeza visible de una de las más temibles organizaciones delictuales de ese turbulento período. Bajo la tenebrosidad de este temible forajido, Ruth Etting, en 1922, se casó con él, con el argumento de que llegaba a esta unión por nueve décimas de miedo y una de lástima.Esta unión lanzó definitivamente a la cantante al estrellato. Snyder era de la opinión de que su talento comercial y las relaciones que poseía inclinaban al éxito artístico a la vedette. En 1924, Ruth Etting participaba como una vocalista de primera magnitud a través de la estación de radio KYW, regentada por los propietarios del prestigioso “Chicago Herald-Star”. Después, se presentó con igual éxito en Omaha, Kansas City, St. Louis y Minneapolis. Obaservada por los scouts de la Columbia Records, fue firmada en 1925, comenzando una fructífera y extensa carrera discográfica que produjo una gran cantidad de temas, entre los que se incluyen, Ten Cents A Dance; Button Up Your Overcoat; Funny, Dear, What Love Can Do; But I Do, You Know I Do!; Mean To Me; I'm Yours; If I Could Be With You One Hour Tonight; Don't Tell Him What Happened To Me; Body And Soul; Sam, The Old Accordion Man; Dancing With Tears In My Eyes; Hello, Baby; What Wouldn't I Do For That Man!; Could I? I Certainly Could; The Kiss Waltz; Shakin' The Blues Away; You're The Cream In My Coffee; Lonesome And Sorry; Laughing At Life; Love Me Or Leave Me; Life Is a Song, Let's Sing It Together; 'Deed I Do; What Do We Do on a Dew-Dew-Dewy Day?; Back in Your Own Backyard; Happy Days and Loneley Nights; Beloved; I'll Get by as Long as I Have You; Cryin' for the Carolines; Just a Little Closer; Love Is Like That What Can You Do?; Nevertheless, I'm in Love With You; Me!; Faded Summer Love; Cuban Love Song; It Was So Beautiful; I'll Never Be the Same; Linger a Little Longer in the Twilight; Close Your Eyes; Smoke Gets in Your Eyes; Riptide; Easy Come, Easy Go; You; It's a Sin to Tell a Lie; There's a Lull in My Life y Goodnight, Sweetheart. También Ruth Etting se elevó hasta la cúspide cinematográfica actuando como figura estelar del celuloide. En 1933 intervino juntamente con Eddie Cantor, Gloria Stuart, David Manners y Verree Teasdale en el films “Roman Scandals” con la dirección de Frank Tuttle. Ese mismo año interviene en las películas cortas Along Came Ruth, Crashing the Gate, California Weather y Knee Deep in Music. En 1934 aparece en Gift of Gab , Hips, Hips, Hooray, y en las producciones cortas A Torch Tango, The Song of Fame, Derby Decade , Southern Style, Bandits and Ballads y entre 1935 y 1936 actuará en las filmes An Old Spanish Onion, Ticket or Leave It, Tuned Out, Alladin from, Manhattan, Melody in May y Sleepy TimeTambién, Ruth Etting tuvo acertadas actuaciones en la meca del teatro: Broadway: “The Ziegfeld Follies, 1927; “Whoopee!”, 1928; “The nine-Fifteen Revue, 1929, “Simple Simon”, 1930, y “The Ziegfeld Follies, 1931. Después de su corta carrera cinematográfica, Ruth se residenció en California, donde es la atracción de un programa radial que se transmite semanalmente. Cuando Snyder, su marido, retorna a California, se transforma en un obstáculo para la carrera artística de la actriz. La puesta en práctica de viejas técnicas gansteriles resultan inconvenientes en esta nueva etapa de la vida artística de Ruth.En 1937, se produjo su esperada separación de Martin Snyder, el judío-americano con quien se había desposado en 1922. Este divorcio ocurrió el 30 de noviembre de 1927. Seguidamente se unió al pianista Harry Myrl Alderman a quien Snyder, desquiaciado pasionalmente abofeó, agredió a puñetazos e hirió gravemente, en 1938.Martin Snyder, fue encontrado culpable y, después de un año en prisión, fue puesto en libertad. Alderman ese mismo año, el 14 de diciembre contrajo matrimonio con Ruth.El escándalo protagonizado por el triángulo amoroso de Ruth Etting, dio por finalizada su carrera profesional. El pianista y compositor Alderman, falleció a la edad de 61 años.Ruth Etting fue un insuperable artista, poseedora de una extraordinaria suficiencia creativa. Sus innovaciones como cantante le otorgó un stylings a la música de la época. Sus registros sonoros repletos de simplicidad, fueron elaborados en forma agradable y sencilla. Con dicción y entonación perfecta estas grabaciones se han conservado como ejemplo de lo que debe ser una cantante. La propia Ruth, sobre su forma de canto dejó el siguiente comentario: “Tuve una gran voz. Quiero decir, usted puede escucharme de seguido o por segmentos. Para mí, Sinatra era el rey, pero él prefiere entonar sus melodías suavemente para que usted no pueda escucharlo. Pero, en mis tiempos eso no podía hacerse. Aprendí, en consecuencia a tener en mi voz un tono y un volumen constante”En Ruth Etting, a veces se compendian menudas improvisaciones vocales, pero en general, ella siempre se comportaba invariable con la partitura. Algunas de las canciones que grabó e inmortalizó aún permanecen en el recuerdo de sus seguidores que se cuentan en todo el mundo por millares.Apartada de los escenarios, Ruth Etting, en 1947 trató de remozar su carrera, a la edad de 50 años. Rudy Vallée la tuvo como invitada a su programa de radio y, después, hizo presentaciones en el “Copacabana” de Nueva York. Este empuje de Ruth para vigorizar su antigua carrera como vocalista fue infructuoso, porque los años habían transcurrido y, ahora, su voz no estaba en su mejor momento.En 1955, la actriz y cantante Doris Day hizo una excelente personificación de la vida artística y sentimental de Ruth Etting, en el films titulado “Love Me Or Leave Me”. La dirección de la cinta estuvo a cargo del realizador Charles Vidor con música de Percy Faith y George E. Stoll con sobresaliente actuación de James Cagney.“La película combina los géneros biográfico, dramático, romántico y musical. La interacción entros los personajes se basa en el propio interés, afanes de lucro y de enriquecimiento desmedido. Los sentimientos de ternura, afecto, admiración y respeto, se ven desplazados por comportamientos posesivos y compulsivos, que dan paso a celos, envidias y conductas destructivas. La ausencia de alternativas y la falta de habilidades sociales envuelven la acción en una atmósfera de fatalismo y frustración. La trama dramática del film está constuida con habilidad, coherencia y con la eficiencia necesaria para hacer del relato un drama potente, absorbente, creíble y entretenido. El desarrollo de los personajes es correcto, en especial por lo que respecta a sus limitaciones y handicaps. La descripción de los problemas derivados de unas difíciles relaciones interpersonales está bien resuelta, tanto en el planteamiento de las mismas, como en la explicación de los problemas que provocan. La obra forma parte del conjunto de filmes biográficos de vocalistas de renombre que proliferaron en los años 50. Se desmarca con claridad de los relatos musicacles almibarados de la época”.La más extraordinaria cantante de los años 20s y 30s, según la experta opinión de Florenz Ziegfeld, se retiró con su esposo, Harry Myrl Alderman a Colorado Spring, Colorado y, después del fallecimiento de éste, el 16 de noviembre de 1966, por 12 años, le sobrevivió. Finalmente, la muerte le llegó el 24 de septiembre de 1978, a la edad de 82 años.

JEAN FRANCOIS DUVALIER

2009-06-23T14:28:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Jean François Duvalier, nació en Port-au-Prince, el 14 de abril de 1907. Descendiente de una familia de escasos recursos procedentes de la isla de Martinica, departamento de ultramar francés, situado al norte de Santa Lucía, en aguas del mar Caribe, estudió en la Facultad de Medicina de la Universidad Nacional de Haití, institución de altos estudios de donde egresó con el título de médico cirujano en 1934. Su primera actividad como facultativo la cumplió en la clínica “Emilie Séguineau”, situada en las cercanías de Port-au-Prince.Desde su temprana juventud, cuando se desempeñaba como interno en el hospital San Francisco de Sales se aficionó por las patologías infecciosas propias de las regiones tropicales.Ya como médico, estudió Sanidad Pública en curso de especialización que siguió en la Universidad de Michigan, Estados Unidos. A su retornó a Haití junto a otros sanitaristas enfrentó la malaria y el tifus entre otras endemias, que azotaban al país de las tierras altas, según la primitiva lengua taína. Asimismo, logró importantes avances en la investigación científica orientada al control de las epidemias, y al mejoramiento de la salud pública en su país y en algunos otros del África ecuatorial, causando favorable impresión tanto a la Organización Panamericana como a la Organización Mundial de la Salud. En 1939 contrajo nupcias con la joven mulata Simone Ovide, hija ilegítima del escritor Jules Faine y Célie Ovide. En 1946, fue designado para desempeñar funciones administrativas como director general del Servicio Sanitario Nacional y, en 1949, el presidente Dumarsais Estimé, le designó ministro de Sanidad y Trabajo.El 10 de mayo de 1950, al consumarse el golpe militar patrocinado por el coronel Paul Eugène Magloire, contra el presidente Estimé, el jefe de la cartera de Sanidad y Trabajo, pasó a la clandestinidad.Al producirse el derrocamiento del presidente Paul Eugène Magloire, el 12 de diciembre de 1956, el sucesor de éste, Joseph Nemours Pierre-Louis, proclamó una amnistía general y, como consecuencia de ella, Jean François Duvalier salió de la clandestinidad, incorporándose a la actividad política de Haití.A finales de 1956 y comienzos de 1957, después de una anarquía generalizada que elevó a la presidencia provisional a Joseph Nemours Pierre-Louis, desde el 12 de diciembre de 1956 al 4 de febrero de 1957; a Franck Sylvain, del 7 de febrero al 1 de abril de 1957; a León Cantave del 1 al 6 de abril de 1957; al Consejo ejecutivo de gobierno del 6 de abril al 20 de mayo de 1957, integrado por Léonce Bernard, Georges Bretous, Stuart Cambronne, Antoine Pierre-Paul, Vilfort Beauvoir, Weber Michaud, Seymour Lamothe; Raoul Daguilh, Théodore A. Nicoleau, Ernest B. Danache, Emmanuel Bruny, Max Bolté, Grégoire Eugène; a León Cantave del 20 al 25 de mayo de 1957; a Daniel Fignolé del 25 de mayo al 14 de junio de 1957 y a Antonio Thrasybule Kebreau del 14 de junio al 22 de octubre de 1957, éste último favorece la redacción, discusión y aprobación de una moderna constitución que le permite al sanitarista Jean François Duvalier, obtener un resonante triunfo en las elecciones celebradas el 22 de octubre.Su campaña caracterizada por una estrategia populista basada en la identidad racial hacia la supremacía de la negritud, le hace imponerse contra la elite mulata en el poder desde que esta nación caribeña obtuviera su independencia de Francia en 1804.La campaña de Duvalier tuvo éxito y, “Papa Doc”, como el mundo le conocería por largos años, fue electo a la primera magistratura para cumplir un período presidencial de 6 años. Su primera tarea consistió en desprenderse de los jefes militares que le habían ayudado en su fugaz campaña electoral. A todos les sustituyó, otorgándoles privilegios en el exterior con embajadas y agregadurías que, prontamente, dejó sin efecto.Su poder lo estructuró basado en su auto proclamación como “Líder de los negros más pobres”, en el terror que inspiraban los integrantes de la milicia los “Tonton Macoutes” quienes en el largo reinado duvalierista cometieron crímenes y desapariciones que jamás se podrán cuantificar, y en el fetichismo proclamado por el Estado con el auxilio de chamanes y sacerdotes del vudú, que aterraban a los más sencillos de los pobladores haitianos.El 22 de diciembre de 1958, Jean François Duvalier para reforzar su posición externa, se entrevistó en la frontera dominico-haitiana con el generalísimo Rafael Leónidas Trujillo, donde quedaron dirimidas las antiguas controversias de los estados colindantes, rubricando un acuerdo de “mutua protección”. Asimismo, los gobernantes expresaron que “al reafirmar la norma de no intervención condenan al comunismo internacional y cualquiera otra forma de injerencia en los asuntos internos y externos de los Estados,” como tampoco permitirán pero la revolución cubana aún no era socialista.Duvalier y el Jefe dominicano dicen que: “... están dispuestos a no tolerar en sus respectivos territorios la presencia de ningún individuo que realice actividades subversivas contra los Estados signatarios de la presente declaración y, en particular, la de los exiliados políticos cuya acción perjudica las buenas relaciones entre dichos Estados, así como la propaganda sistemática por medio de la cual se incite al empleo de la fuerza o la violencia”.El presidente Duvalier con la finalidad de preservar el poder que había conquistado en las elecciones de octubre de 1957, creó en 1959, la organización paramilitar “Voluntarios de la Seguridad Nacional” para controlar a la disidencia política tanto en el sector militar como en el civil. Este cuerpo extraño a las instituciones policiales fue denominado por el pueblo como “Tontons Macoutes”.Igualmente, con la complicidad de las fuerzas militares socavó y destruyó las instituciones que le servían de soporte, disipando la frágil aspiración democrática que estaba latente en las entrañas del pueblo.Para la instauración del régimen personalista, autocrático y vitalicio que auspiciaba Duvalier y sus seguidores, postergando la Constitución y pulverizando los sistemas institucionales de la República, relegando y reduciendo a su mínima expresión el régimen parlamentario, judicial y municipal, colocándolos bajo el abrigo de la corrupción.Jean François Duvalier, con pleno control de la disidencia interna, implementó un sistema político que restauró las deformaciones más crueles y arbitrarias del militarismo y del despotismo latinoamericano del siglo XIX, sometiendo a Haití a una de las más repudiables tiranías de la humanidad, con la indiferencia de las sociedades más avanzadas en desarrollos políticos y sociales. A pesar de un generalizado repudio mundial hacia las prácticas totalitarias del gobierno haitiano, y de la suspensión de la ayuda que Estados Unidos le prestaba a esta nación caribeña, Duvalier hizo caso omiso a ellas, y emprendió su campaña para obtener la presidencia vitalicia. Con la muerte del presidente Kennedy, los escrúpulos norteamericanos desaparecieron y, Duvalier, se transformó en adalid del anticomunismo en el convulsionado Caribe y, en gobernante, a perpetuidad. En las elecciones celebradas en 1961, se presentó como candidato único, obteniendo 1.320.000 sufragios. En junio de 1964, luego que una Asamblea Nacional totalmente controlada por el dictador reformara la Constitución, fue refrendado como Presidente vitalicio con derecho a sucesión.En 1966, el Vaticano, en decisión sin precedente, le permitió al presidente nombrar a los miembros de la jerarquía católica haitiana, perpetuando, con esta disposición vaticanista el nacionalismo de la negritud, que constituyó para Jean François Duvalier le reafirmación de la esencia de su programa electoral esbozado en la campaña de 1957.Como en otros regímenes totalitarios, el de Duvalier fue artero en asesinatos, secuestros y expulsión para domesticar a los disidentes. Todos los movimientos insurgentes fueron tratados con máximo rigor, entre ellos, la asonada de la marina de guerra, en 1967. El terror instaurado por el “bondadoso Papa Doc”, trascendió más allá de su muerte al ser divinizada su figura. Por herencia dejaba a un impúber sucesor y a la nación más pobre de América donde había instaurado en alianza con un pueblo anarquizado por secular ignorancia, una de las dictaduras más salvajes de la segunda mitad del siglo XX, imponiéndose sobre el país, sin límite alguno hasta su muerte ocurrida el 21 de abril de 1971. Él gobernó un estado fascista y ultra violento y fomentó una dinastía que impuso su única voluntad por más de treinta años, tiempo en el que se causó daños físicos, humanos y patrimoniales a la nación haitiana. A destiempo, en 1986, el pueblo desenterró, arrasó y azotó su cadáver.

JACOBO ARBENZ GUZMAN

2009-06-23T14:26:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Jacobo Árbenz Guzmán nació en Quetzaltenango, ciudad económica, industrial, agrícola y comercial de Guatemala, el 14 de septiembre de 1913. Sus padres fueron Jacobo Árbenz y Octavia Guzmán. Su padre, de origen suizo alemán, se avecindó en este país centro americano en 1901, cuando instaló y regentó una farmacia, en la segunda ciudad de la nación guatemalteca.Problemas de orden económico le hicieron abandonar este negocio y emplearse como administrador en una pequeña finca, propiedad de otro inmigrante alemán que residía en Quetzaltenango. El pequeño Jacobo estudió en el colegio de María Bennett de Rölz. Luego se matriculó, en 1932. en la Escuela Politécnica de Guatemala, donde se destacó por su férrea aplicación y su invariable disciplina. Ocupó el puesto de Sargento Primero de la Compañía de Caballeros Cadetes, que constituyó para él un alto honor dado que sólo 6 cadetes lo habían logrado entre 1924 a 1944.En el año de 1937, después de haberse graduado, fue llamado para servir en la Escuela Politécnica como catedrático. En cuanto a sus oficios como oficial del ejército, se desempeñó mayormente en el Fuerte de San José, de Ciudad de Guatemala y en San Juan, Sacatepéquez. Allí conoció las duras condiciones de vida de la población indígena y las formas en las cuales operaba este tipo de trabajo que, por sus características, resultaba forzoso. En 1938, conoció a María Vilanova, natural de El Salvador con quien se desposó en 1939. En 1943, Árbenz ascendió al grado militar de capitán y comandó la compañía de Caballeros Cadetes. Para ese momento ya era un oficial distinguido, quienes le conocieron en esa época, lo describen como un líder nato. Jacobo Árbenz Guzmán actuó como triunviro de la Junta de Gobierno y después, en el gobierno de Juan José Arévalo como ministro de Defensa y, finalamente como presidente constitucional de la república Producido el alejamiento de los presidentes Jorge Ubico y Federico Ponce el 20 de octubre de 1944, la junta militar constituida ejecutó sus actos de gobierno mediante decretos ejecutivos que tendían a la modernización del Estado. En este orden, la Junta Revolucionaria de Gobierno convocó el 10 de enero de 1945, a la elección de una Asamblea Nacional Constituyente cuya finalidad consistió en la redacción de una nueva Constitución y, en la convocatoria a elecciones libres.La nueva Constitución fue decretada por la Asamblea Constituyente el 14 de marzo de 1945 y estuvo vigente hasta el 10 de agosto de 1954, oportunidad cuando fue derogada por el gobierno provisional del coronel Carlos Castillo Armas. Esta Constitución consagró, entre otros derechos, la separación de los poderes dentro del Estado; la autonomía de la Universidad de San Carlos de Guatemala; el fin del trabajo forzoso y de la prisión por deuda y el reconocimiento del derecho al voto de la mujer. La Junta Revolucionaria de Gobierno que se había instalado el 20 de octubre de 1944, estaba integrada por Jorge Toriello Garrido, Jacobo Árbenz Guzmán y Francisco Javier Arana cesó en sus actividades gubernamentales, el 15 de marzo de 1945 con el juramento del catedrático y escritor Juan José Arévalo, como presidente constitucional como resultado de las elecciones celebradas en diciembre de 1945.El coronel Jacobo Árbenz Guzmán el 15 de marzo de 1951, asumió la presidencia Constitucional del Estado, profundizando las reformas políticas y sociales que habían iniciado la Junta Revolucionaria de Gobierno y la administración de Juan José Arévalo. En su discurso inaugural estableció diáfamente los objetivos básicos de su administración. "Nuestro gobierno -expresó- se propone iniciar el camino del desarrollo económico de Guatemala, tendiendo hacia los tres objetivos fundamentales siguientes: 1) convertir a nuestro país de una nación dependiente y de economía semicolonial en un país económicamente independiente; 2) convertir a Guatemala de país atrasado y de economía predominantemente semifeudal en un país moderno y capitalista; y 3) hacer que esta transformación se lleve a cabo en forma que traiga consigo la mayor elevación posible del nivel de vida de las grandes masas del pueblo".Su obra de gobierno desarrolló la construcción de la hidroeléctrica de Jurún-Marinalá, en Escuintla, construcción de la Carretera al Atlántico, construcción del puerto de Santo Tomás e implementación mediante el Decreto 900 de la Ley de Reforma Agraria, que tuvo por finalidad evitar la relación latifundio- minifundio. Este decreto fue recibido con simpatía por parte de los desheredados; pero tuvo una contumaz oposición por parte de empresarios del campo y la ciudad, terratenientes y por la empresa transnacional United Fruit Company, propietaria de la mayor extensión de áreas cultivables en Guatemala. A su vez, la Iglesia Católica, también se expresó La implementación de esta Ley generó abusos e ilegalidades en el país, porque los agentes gubernamentales en connivencia con los campesinos, procedieron a invadir violentamente propiedades no afectadas por el Decreto 900.Estas irregularidades exasperaron los ánimos del colectivo social, que se intensificarían cuando el coronel Jacobo Árbenz Guzmán legalizó al Partido Comunista Laborista Guatemalteco, incorporandole a sectores estrategicos de la vida nacional, tales como organizaciones campesinas, sindicatos y la ubicación en cargos determinantes de la administración pública. Esta actitud del presidente Árbenz logró que militares y civiles se coaligaran para rechazar la implementación de estas políticas que consideraban atentatorias con sus seculares intereses. Las rencillas internas se intensificaron y al presidente Árbenz le resultada casi imposible realizar los actos normales de gobierno y, las fuerzas militares en su conjunto, se negaron a defender el gobierno constitucional del presidente Árbenz cuando se produjo desde Honduras, la invasión libertadora que liderizó el coronel Carlos Castillo Armas, con apoyo de los gobiernos de Nicaragua, República Dominicana, Venezuela y Estados Unidos. El presidente norteamericano Dwight David Eisenhower, secundado por el secretario de Estado, John Foster Dulles, temeroso que régimen marxista pudiera instalarse en Centroamérica se enfrentó sin cortapisa a la administración de Árbenz. La X Conferencia de la OEA celebrada en 1954 en Caracas, fue el preámbulo para la acción final: la invasión. Árbenz y su canciller Guillermo Toriello denunciaron ante el mundo la existencia de un complot internacional para alejarlo del mando. En este sentido el canciller Toriello deja asentada la siguiente referencia histórica: “El 29 de enero de 1954 el Gobierno de Guatemala reveló al mundo todos los detalles del estado de los preparativos bélicos contra la nación. Exhibió abundantes pruebas materiales e incluso correspondencia cruzada entre agentes de la conspiración. El cuartel general, el centro de entrenamiento de mercenarios y el depósito de armamentos, se encontraban en esa fecha en Nicaragua con la ayuda de Somoza. El Gobierno de Guatemala denunció los hechos, de los que se desprendía que se había implementado ya y que debería estar muy próximo a su consumación el plan agresivo UFCO-Departamento de Estado-CIA. Discretamente, a pesar de tener sobrado conocimiento de la realidad de la «Operación Guatemala» y de sus animadores, el Gobierno de Guatemala no formuló acusación alguna contra el Gobierno de Estados Unidos. ¿A qué se debía esta actitud del Gobierno de Guatemala? Pues sencillamente a que ingenuamente esperaba que las promesas de dialogar del presidente Eisenhower (comisión mixta), e indudablemente su conocimiento de los hechos pudieran poner un freno a los designios turbios del Departamento de Estado. Pero Eisenhower se cruzó de brazos… Ante la denuncia de Guatemala, míster Dulles no podía pasar por alto esa oportunidad para llevar agua a su molino, tergiversando los hechos y difamando al país. Escasamente se había producido la denuncia sobria y mesurada de los hechos por parte del gobierno guatemalteco, cuando míster Dulles -hipócritamente- ponía el grito en el cielo (30 enero, 1954) protestando por la acusación (?) hecha por Guatemala contra el Gobierno de Estados Unidos y asegurando maliciosamente que «los Estados Unidos consideran la expedición de esa falsa acusación, hecha con inmediata anterioridad a la X Conferencia Interamericana, como un esfuerzo comunista por obstruir la labor de esa conferencia y lesionar la solidaridad interamericana, que tan vital es para todas las naciones del hemisferio». (Tras difundir por el mundo esta falsa y cínica aseveración, el «austero paladín de la democracia y defensor de la solidaridad americana», con su hermano Allan, planeaban los próximos envíos de bombas y aviones a Honduras, para el grupo agresos.) La intentona de invasión de Guatemala, el 17 de junio de 1954, vendría a demostrar poco tiempo después que el Gobierno de mi país decía la verdad y que míster Dulles mentía, simulando una angustia que no sentía para ocultar sus inconfesables designios. Ante la eventualidad de la invasión, decretó la suspensión de garantías constitucionales y sus partidarios iniciaron la persecución política de los adversarios al gobierno. Con el apoyo de los Estados Unidos, el coronel Carlos Castillo Armas invadió su propio país con tropas entrenadas y organizadas por la agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos”.Dotado el ejército invasor de aviones y pertrechos norteamericanos y del apoyo de los presidentes Rafael Leónidas Trujillo y Anastasio Somoza García de República Dominicana y Nicaragua respectivamente, la fuerza invasora logró infundir terror en el adversario con el agravante de las instituciones militares, se rehusaron a proporcionar apoyo al presidente Árbenz. Éste, desprovisto de un apoyo real por parte del ejército, optó por presentar su dimisión al cargo constitucional, el 27 de junio de 1954, entregando el poder del Estado al coronel Carlos Enrique Díaz, jefe de las fuerzas militares. La fuerza invasora insurgente entró en la capital y el coronel Carlos Castillo Armas se apoderó de la jefatura del estado. Este trágico conflicto generó como balance un promedio de más de 160.000 muertos. Árbenz procreó con su esposa tres hijos: Arabella, Leonora y Jacobo. Arabella, la hija mayor del presidente Arbenz quien se había iniciado como actriz de cine de éxito, tanto en México como en Estados Unidos, temerosa de que su novio, el diestro mexicano Jaime Bravo, fuese corneado y muerto en las actividades propias de su profesión, le encareció que abandonara el redondel; pero éste se negó a complacerla y Arabella, vencida por el miedo optó por suicidarse frente a él en un restaurant de Bogotá, Colombia. Esta ofrenda de amor, truncó la vida física y artística de la triunfadora del film “Los Bien Amados”. Jacobo Árbenz, se exilio en México donde falleció el 27 de enero de 1971. Sus restos fueron repatriados a Guatemala por mandato del presidehte Ramiro de León Carpio, el 19 de octubre de 1995.

MARIAN ANDERSON

2009-06-20T19:27:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

La más consagrada cantante de música espiritual, Marian Anderson, con registro de voz de contralto, nació en Philadelphia, estado de Pennsilvania el 27 de febrero de 1897 y apagó su imponderable y angelical voz en la ciudad de Pórtland, estado de Oregon, el 8 de abril de 1993.Vocalista de insuperable personalidad artística, supo desarrollar su saber para iluminar el tiempo histórico que le correspondió vivir, deleitando a los corazones y enriqueciendo los sentimientos de quienes tuvieron el privilegio de verla y dar oídos a sus canciones fecundadas por la fe y la esperanza. ¡Su arte fue único! Espiritual e idealista, Marian Anderson inició sus actuaciones como solista en el coro de la iglesia Bautista de su ciudad natal. Allí se ejercitó en el cultivo de la voz, aplicándose en todas las secciones que corresponden a la tesitura de soprano, yendo desde un fa3 hasta un re5. Desde la edad de 15 años, al recibir su primera lección, Marian administró su tiempo y capacidad para adentrarse en el mundo de la interpretación, donde con maestría y disciplina, desplegó su talento de artista.Arturo Toscanini, cuando escuchó la potencia en la ejecución de los graves, emitidos por la contralto expresó: “UNA VOZ COMO LA TUYA SOLO SE OYE UNA VEZ EN CIENTOS DE AÑOS.” Su debut como cantante profesional se produjo el 26 de agosto de 1925 en Nueva York, donde actuó con la Philharmonic de esta urbe; y, el éxito no se hizo esperar. La crítica especializada dedicó grandes titulares que ponderaban la calidad artista de la debutante. Tres años más después actuó en el Carnegie Hall. En los siguientes años estaría en Europa, haciendo gala de sus proverbiales facultades humanas y vocales.Su reputación se acrecentó como interprete con técnicas aplicadas a canciones de origen espiritual y de carácter declamatorio “Lieder”. En 1939 participó en el recital homenaje que organizó para ella, la primera dama de los Estados Unidos Anna Eleanor Roosevelt en el Lincoln Memorial, con una asistencia que sobrepasó a los 70.000 espectadores, además, de la inmensa audiencia que el acto radiodifundido por todo el país, representó para los organizadores del evento. Marian Anderson fue la primera cantante afro americana que fracturó la trinchera del color en su país de origen transformándose en la primera cantante que actuó con la ópera del metropolitano de Nueva York. Oportunidad cuando resplandeció interpretando la sección de Ulrica en “Un ballo in maschera” de Giuseppe Verdi.En 1958 oficialmente la señalaron el delegado a los Naciones Unidas, una formalización de su papel como el “embajador de la voluntad” de los EE.UU., otorgándole la Organización de las Naciones Unidas en 1972, el premio de la paz. En 1965 dejó de cantar para el público y, en 1992 obtuvo el Grammy.

BARRY MORRIS GOLDWATER

2009-06-20T19:25:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Barry Morris Goldwater, político y legislador norteamericano, nació en Phoenix, Arizona, el 1 de enero de 1909. Hijo de Baron y Josephine Goldwater, fue practicante del credo episcopal, a pesar de que su padre profesaba la religión judia. Estudió en escuelas públicas, y se graduó como piloto de aviación,.en la academia militar de Staunton. En 1928, se matriculó en la universidad de Arizona, en Tucson. En agosto de 1941, se dio de alta en el ejercito de Estados Unidos, habiendo participado como piloto instructor en China e India. Al final de la contienda era Teniente-Coronel, reincorporándose a la vida civil en noviembre de 1945.Goldwater fue un político considerado por sí mismo como “un conservador en extremo”. Esta ala la fundo en el partido republicano, entidad partidista que le llevó al capitolio como Senador en las legislaturas de 1953 a 1965 y desde 1969 hasta 1987. Toda su vida fue consecuente con sus ideas acerca de los métodos de gobierno. Pensaba que era necesaria la reducción de la participación del Estado en la vida económica de la nación. Fue un obsecuente anticomunista.Su carrera política la inició en su estado natal de Arizona al entrar como Consejero en la ciudad de Phoenix. Asimismo fue integrante del comité consultivo, de asuntos indios y del departamento del interior entre 1948 a 1950. Nuevamente miembro del consejo de la ciudad de Phoenix en el período 1949-1952 y candidato derrotado por Lyndon B. Johnson en las elecciones presidenciales de 1964; siguió actuando como jefe de los conservadores republicanos en los años subsiguientes.Goldwater tuvo destacada actuación como elemento disuasivo para que el presidente Richard M. Nixon presentara su irrevocable renuncia a la presidencia de los Estados Unidos en 1974, como consecuencia del affaire de “Watergate” y se constituyó en elemento fundamental para la nominación y posterior elección de Ronald Wilson Reagan como presidente de Estados Unidos. En 1986 le fue otorgada la “Medalla de la Libertad”.Barry Morris Goldwater jamás abjuró de su posición ultaconservadora. En el libro titulado “Conciencia de un Conservador”, escribió: “Me interesa poco racionalizar el gobierno o hacerlo más eficaz, porque lo que me propongo es reducirlo. No pienso promover el bienestar social, porque lo que me propongo es extender la libertad. Mi objetivo no es aprobar leyes sino rechazarlas”.Alguna vez expresó: “El extremismo en la defensa de la libertad no es un vicio, La moderación en la prosecución de la justicia no es una virtud”. Y, otra vez escribió: “El gobierno que es tan grande para darte todo lo que quieres es suficientemente grande para quitártelo todo”. Con un enfoque que pudiese definirse como obcecado Goldwater estuvo de acuerdo con el derecho al aborto y mostró su apoyo en 1993 al presidente Bill Clinton en su determinación por combatir a los homosexuales integrados a las fuerzas armadas de Estados Unidos. Barry Morris Goldwater falleció en Valle Paraíso, Arizona, el 29 de mayo de 1998. Sus hijos Barry, Michael, Joanne y Peggy, así como esposa, Susan Weschler, le sobreviven.

LAUREANO VALLENILLA LANZ

2009-06-20T19:23:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Laureano Vallenilla-Lanz Planchart, nació en Paris, Francia, el 6 de agosto de 1912. Era hijo del escritor y periodista Laureano Vallenilla Lanz y de María Planchart Lovera, nacida en Caracas en 1876. Sus estudios de formación académica los realizó entre Francia, Italia y Suiza, graduándose de abogado, en Paris. Su infancia y juventud transcurrió sin el afecto directo de sus progenitores, ya que su madre falleció en 1916, cuando Laureano sólo tenía cuatro años de edad, y su padre se desempeñaba en Caracas, en posiciones de alta responsabilidad, otorgándole apoyo político e intelectual al régimen del presidente Juan Vicente Gómez.Luego de la muerte de su padre ocurrida en París, Francia, el 16 de noviembre de 1936, se trasladó a Venezuela, ocupando cargos de importancia política en la Gobernación del Distrito Federal. En 1938, obtuvo en la Universidad Central de Venezuela (UCV) el título de Doctor en Ciencias Políticas.A la caída del presidente Isaías Medina Angarita, se guareció en el ejercicio profesional y el periodismo, tribuna desde donde combatió al régimen revolucionario que había irrumpido en la vida política de Venezuela, el 18 de octubre de 1945. Después del derrocamiento del presidente Rómulo Gallegos, ocurrido el 24 de noviembre de 1948, Laureano Vallenilla Lanz, trabajó en cargos administrativos de importancia. Fue Director del Banco Agrícola y Presidente del Banco Industrial. Candidato a Diputado por las fuerzas que le brindaban apoyo político al coronel Marcos Pérez Jiménez, en su aspiración por convertirse en presidente de la república, agrupados en el Frente Electoral Independiente (FEI), resultó electo como Representante a la Constituyente por el Distrito Federal. Desatado el golpe de estado del 2 de diciembre de 1952, que desconoció los resultados de esta elección, Laureano Vallenilla-Lanz Planchart, se transformó en el artífice del nuevo estado de cosas, designado por el régimen provisional de Marcos Pérez Jiménez como ministro de Relaciones Interiores, promotor de la sangrienta represión política que se desarrollaría en los años por venir.Ejerció integrales funciones represivas. Desde la gobernación del Distrito Federal intervino la prensa escrita y hablada a través de una Junta de Censura que dirigió el escritor Vitelio Reyes. Sus socarrones escritos a través del diario “El Heraldo”, los encaminaba a la descalificación de sus oponentes ya en lo intelectual o en lo político.Transfigurado en ideólogo del régimen militar, Laureano Vallenilla-Lanz Planchart impuso su concepción del “Nuevo Ideal Nacional”, aspiración suya por “escoger entre democracia y dictadura”. Según su concepto “La fórmula poco importa porque ella ni da ni quita capacidades. El problema es de fondo, cultura contra barbarie, llámese ésta demagogia o tiranía, y para alcanzar la victoria es necesario movilizar todos los recursos, todas las reservas, todas las energías de la nación”.En este orden, mantuvo complacientes relaciones con sus similares que, como él, servían a las dictaduras de Nicaragua, República Dominicana, Panamá y Haití entre otras, elaborando esquemas represivos que comprendía áreas extraterritoriales.El 1 de enero de 1958, al producirse el levantamiento militar ocurrido en Maracay, estado Aragua, y resquebrajarse el régimen, su omnímodo poder se precipitó al vacío. Controlada esta insurgencia por el régimen, los allegados al presidente Pérez Jiménez, atribuyeron a Vallenilla-Lanz Planchart, todos los males del régimen, y pidieron su inmediata destitución y envío al exterior como exiliado político. Conmovido por lo que consideraba una traición de su amigo, el presidente Marcos Pérez Jiménez, viajó a Brasil, República Dominicana, Francia y finalmente, Suiza, donde murió el 31 de agosto de 1973, en Saint Miritz.Polémico, vivió su exilio combatiendo a sus antiguos perseguidos. Escribió en la prensa caraqueña artículos de moralidad política, que recogió en su libro “Memoria de proscrito”. Es famosa su obra “Escrito de Memoria” que, constituye una requisitoria a la Venezuela posterior a 1958. Sorpresivamente se presentó en la sede del Palacio de las Academias, en la ocasión cuando la Academia Nacional de la Historia rendía homenaje de reconocimiento a su progenitor. Detenido por la policía política fue internado en la Cárcel Modelo de Caracas bajo las imputaciones de crímenes cometidos en tiempos cuando se ejercitaba como ministro, encargado de la represión política.Laureano Vallenilla-Lanz Planchart escribió algunos ensayos políticos y novelas, entre las que destaca “Allá en Caracas”. Estuvo casado con la distinguida dama caraqueña Elena Bueno Plaza nacida el 15 de enero de 1912. Laureano Vallenilla-Lanz Planchart fue en venezolano estudioso de la sociología y, fundamentalmente, del comportamiento político de los venezolanos a quien se consideraba conocer en demasía. Su obra quedó dispersa en artículos de prensa y en controvertibles libros que deberán ser estudiados con interés por quienes busquen la comprensión del neurálgico período de nuestra historia donde odios y rencores disipó el talento, la creatividad y el patriotismo de sus mejores hijos, caídos unos y otros sin haber aportado sus grandes ideales, tan necesario en su momento para la construcción de una patria superior.

ANNA ELEANOR ROOSVELT

2009-06-20T19:19:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Anna Eleanor Roosevelt nació en la ciudad de Nueva York, el 11 de octubre de 1884 y falleció el 7 de noviembre de 1962. Nieta del presidente Theodore Roosevelt e hija de Anna Hall y Elliot Roosevelt quedó huérfana de padre y madre a la edad de 10 años. Trasladada a Inglaterra inicio en esta nación sus estudios formativos. En 1905 contrajo matrimoniocon su primo Franklin Delano Roosevelt, gobernador del estado de Nueva York, y por cuatro veces, presidente de los Estados Unidos (1932-1945). Con él procreó 6 hijos.Madre, compañera, feminista, activista social y de los derechos humanos, fue al decir del presidente Harry S. Truman “La Primera Dama del Mundo”, y como tal se constituyó en uno de los personajes más influyentes en la vida social y política del siglo XX. Además, batió el record como la mujer que más tiempo permaneció como Primera Dama de los Estados Unidos.Durante el período posterior a la crisis de 1929 promovió en todos los estados de la unión americana el “New Deal” pensamiento de FDR para la reconstrucción política, económica y social de los Estados Unidos.Al entrar su país en la conflagración mundial (8 de diciembre1941), Anna Eleanor Roosevelt visitó en los escenarios donde se libraban las cruentas batallas de la Segunda Guerra Mundial, las tropas norteamericanas que actuaban en este conflicto.Fallecido su esposo, el presidente FDR, la ex primera dama como diplomática, participó en las formaciones de numerosas instituciones, entre las que destacan las Organización de Naciones Unidas, la Asociación de Naciones Unidas y la Casa de la Libertad, (Freedom House). Constituyéndose en una pertinaz y decidida activista por los derechos de la mujer. Puede considerársele como la primera feminista del Siglo XX. Presidió, el comité que aprobó la Declaración Universal de los Derechos Humanos y en 1939 organizó en desagravio para la cantante de color Marian Anderson, un recital en el Lincoln Memorial con una asistencia que sobrepasó a los 70.000 espectadores, además, de la inmensa audiencia que el acto radiodifundido por todo el país, representó para los organizadores del evento.Su vida no tuvo descanso y trabajó en todos los frentes hasta el final de su meritoria existencia, hecho ocuurido el 7 de noviembre de 1962.

TANCREDO DE ALMEIDA NEVES

2009-06-20T19:17:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Tancredo de Almeida Neves fue un político que se ejercitó en su trabajo social con vocación de apóstol. Nacido en São João Del Rei, estado de Minas Gerais, el 4 de marzo de 1910, desde temprana edad se hizo militante y activista del Partido Progresista (PP), agrupación que le elegiría para funciones legislativas municipales que cumplió a satisfacción de sus electores entre 1935 hasta 1937.Esta preliminar experiencia en su carrera política lo llevó a ser electo diputado a la legislatura estatal en el período 1947-1950. Después, postulado por el Partido Social Democrático (PSD) fue diputado a la misma legislatura desde 1951 a 1953.Como otros jóvenes de su tiempo, que se destacaban como intelectuales de la política, Tancredo Neves dotado de sus excelentes conocimientos jurídicos, fue investido por el presidente Getúlio Vargas en 1953 como ministro de justicia y negocios. Este cargo lo ejerció hasta el 23 de agosto de 1954, cuando el presidente Vargas adoptó la determinación de suicidarse.Ese mismo año resulto electo diputado federal y, en los años subsiguientes, estuvo como director del Banco de Crédito Real de Minas Gerais y trabajó en la Cartera de Redescuento del Banco Brasil desde 1956 hasta 1958. En 1958 retornó a su estado natal para desempeñarse como secretario de Finanzas.En 1961, en seguida de la sorpresiva renuncia de Jânio da Silva Quadros, el parlamento le designó como primer ministro. En estas funciones permaneció hasta 1962, cuando fue nuevamente electo diputado federal.Al extinguirse los partidos y organizaciones políticas de Brasil, en concordancia con las disposiciones contenidas en el acto institucional emitido por las autoridades militares que administraban el Estado, Tancredo de Almeyda Neves fundó el Movimiento Democrático Brasileño (MDB), el 27 de octubre de 1965. Esta organización lo postuló como diputado federal en varias oportunidades. Suprimido el bipartidismo institucional, Tancredo de Almeida Neves fue senador postulado por el MDB en 1978. En 1983 se incorporó al Partido del Movimiento Democrático Brasileño (PMDB). Este movimiento le postula como gobernador del estado de Minas Gerais, cargo que obtiene por elección popular (1983-1984). Al presentarse un gran movimiento de opinión pública para eliminar la figura de la elección indirecta para la presidencia de la república, comenzó a considerarse a Tancredo Neves como el candidato que, por su carisma y conocida vocación democrática podía constituirse en el ente unificador de voluntades que hiciera posible el reencuentro democrático de la sociedad brasileña.Una coalición de movimiento y partidos políticos de oposición se unión al nombre de Tancredo Naves y le eligió, juntamente con el senador José Sarney, como presidente y vice presidente de la república en las elecciones celebradas en 1985.El 14 de marzo de 1985, un día antes de asumir la presidencia de la república, Tancredo Neves fue internado de urgencia en un hospital de São Paulo, donde falleció 21 de abril de 1985, sumiendo a Brasil en incertidumbre.

VICTOR MANUEL GIMÉNEZ LANDÍNEZ

2009-06-20T18:58:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Conocí al doctor Víctor Manuel Giménez Landínez, en julio de 1974 presentado en el antiguo y todavía existente Hotel El Conde, en el centro de Caracas, por la señora Estrellita Serfatti. En el desarrollo de la conversación a la cual me hicieron partícipe, pude apreciar la gran preocupación venezolanista que animaba el pensamiento de este venezolano integral que fue ensayista, político, educador, abogado y, fundamentalmente, especialista en el tema agrario en todas sus incidencias.Víctor Manuel Giménez Landínez fue fundador y promotor en su adolescencia y juventud del partido social cristiano Copey en su estado natal, donde ocupó lugar de preeminencia entre sus dirigentes locales y, posteriormente, desde la dirección nacional.En 1958, al conformarse el gobierno de unidad nacional que presidió Rómulo Betancourt, el doctor Giménez Landínez fue escogido para desempeñar la que sería la más importante cartera ministerial en esa etapa de transición institucional: Agricultura y Cría.Desde esta atalaya, el ministro Giménez Landínez promovió la extraordinaria tarea de preparar al país para la aceptación por los sectores de su vida nacional, de la puesta en práctica de una política orientada a la promoción social de los pobladores de las zonas rurales, para integrarlos al desarrollo nacional, en forma integral. Este postulado constituía la idea base del presidente Rómulo Betancourt, desde la época del gobierno revolucionario de octubre de 1945, como fue la de concebir y formalizar una reforma agraria sin traumas para el resto de la población, y necesaria, como substituta del sistema de propiedad, tenencia y explotación de la tierra. Pero, al no procurarse una profunda transformación en la estructura, tenencia y explotación de la tierra, los esfuerzos quedaron en suspenso, produciéndose desviaciones en los objetivos relacionados con efectos, organización e indemnizaciones contenidos en el proyecto agrario patrocinado por el presidente Rómulo Betancourt, y secundado, por su ministro de Agricultura y Cría. Esta desviación, afectó a la economía tradicional de Venezuela, creándose por ley “el estado latifundista”, como derivación de la aventurada rivalidad surgida entre los pequeños, medianos y grandes productores, que ocasionó el abandono de las tierras productivas, y la sistemática quiebra de empresas del sector agroindustrial protegidas con dinero proveniente del tesoro nacional.Sin explícitos objetivos posteriores, la idea que animó a la “Reforma Agraria” y la gestión de Víctor Manuel Giménez Landínez, terminó descomponiéndose, al trastocarse en un embarazoso compromiso para el Estado que, al financiarla, hubo de resignarse a importar la mayoría de los bienes requeridos por la dieta natural de los venezolanos, dando nacimiento a la política de puertos que perjudica en su estructura la economía de los Estados.

CARLOS LACERDA

2009-06-20T18:56:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Carlos Lacerda fue algo más que un periodista que puso su intelecto al servicio de la causa política a la que estaba afiliado por principio y convicción. Espíritu sereno y reflexivo, siempre enfrentó a sus adversarios con firmeza y determinación. Fue un político a tiempo completo y un periodista que hizo de su profesion una trinchera defensiva desde la que influyó más que otro en los destinos de Brasil, en una buena parte de la segunda mitad del siglo XX.Por su actitud de cerrada oposición frente al presidente Getúlio Vargas, fue víctima el 4 de agosto de 1954 de un atentado criminal que casi le cuesta la vida. De este atentado se inculpó al gobierno de Vargas y, los analistas políticos de la época, creen que las secuelas de ese intento, condujo al presidente Getúlio Vargas a suicidarse en la mañana del 24 de agosto de 1954, impulsando por una crisis sin precedente en la historia del Brasil que conduciría a este país, a una férrea dictadura que se prolongo desde 1964 hasta 1985. Carlos Enrique Werneck de Lacerda, nació en Río de Janeiro, antigua capital federal, el 30 de abril de 1914. Descendiente de una familia con amplios antecedentes políticos, a él no le sería difícil adentrarse en este laberinto.En 1929, trabajó para “El Diario de Noticias” escribiendo artículos de contenido político, muy cercanos a su agraz pensamiento. Sin embargo, esta inclinación desaparecería antes de concluir el último año de la década de los treinta, cuando abjuró de su antigua postura, renunciado a su militancia al partido marxista Acción Libertadora Nacional (ALN) y afiliándose a la Unión Democrática Nacional (UDN).Su actividad propiamente política la inicia como edil del Distrito Federal, en Río. Esta posición le permitió desarrollar una intensa campaña por la total autonomía del antiguo Distrito Federal, para transformar la elección de prefectos que de acuerdo con la constitución de 1934, pasaba a ser o única en todo o Brasil, designados directamente como prerrogativa del presidente de la república.Inconforme, con los resultados de su campaña renunciaa sus funciones edilicias, en en 1947.En 1949, Lacerda da nacimiento a lo que, juntamente con la política, sería su proyecto de vida: "Tribuna da Imprensa", diario que se transformaría en el vocero de la oposición durante el segundo mandato del presidente Getúlio Vargas (1951/54).A un mes de la trágica muerte de Getúlio Vargas, Lacerda escribía en su periódico, la necesidad de adelantar las elecciones presidenciales y realizarlas el 3 de octubre En la nueva legislatura Carlos Lacerda fue electo diputado con una aplastante mayoría y después, el 5 de diciembre de 1960, fue votado como el primer gobernador del nuevo estado de Guanabara, iniciando una completa reforma política y administrativa en la nueva entidad.Su poder combativo le hizo entrar en divergencias con el recién electo presidente Jânio Quadros, incompatibilidades que se ahondarían con los correr de los días y que, en gran medida, contribuyó a la decisión final adoptada por el presidente Quadros de presentar su dimisión al cargo.Alejado del poder Jânio Quadros, Carlos Lacerda, arguyendo problemas de tipo económico, optó por vender a Manuel Francisco do Nascimento Brito, el diario "Tribuna da Imprensa". Al consumarse el golpe militar del 31 de marzo de 1964 contra el presidente Joao Goulart, Carlos Lacerda se transformó en embajador itinerante en Europa y Estados Unidos, explicando y defendiendo los alcances del gobierno militar presidido por el mariscal Humberto de Alencar Castello Branco; pero este apoyo duraría poco. Un artículo publicado en la revista "Manchete", explicó la postura del ex gobernador de Guanabara, y de su intención por postularse a la presidencia de la república: “Entiendo que la revolución no tiene programa, que esta revolución no es solo mía, sino que es del pueblo”; pero el acta institucional 5 (AI-5) del 13 de diciembre de 1968, a un año después de la muerte de Castelo Branco, terminó con la pretensión de Carlos Lacerda.En los años siguientes estará como editorialista de "Nova Fronteira" y "Nova Aguillar", y dedicado a labores intelectuales relacionadas con la historia de Brasil. "O Caminho da Liberdade", "O Poder das Idéias", "Brasil entre a Verdade e a Mentira", "Paixão e Ciúme", "Crítica e Autocrítica", "A Casa do meu avô; pensamento, palavras e obras", "Depoimento" son algunos de los títulos de las obras que escribió y tradujo y, finalmente, en 1982 serían publicados postumanente sus “Discursos Parlamentares".Carlos Lacerda, murió el 21 de mayo de 1977, en Río de Janeiro.

JOÃO BELCHIOR MARQUES GOULART

2009-06-20T18:48:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

João Belchior Marques Goulart nació en Sao Borja, estado de Río Grande do Sul, el 1 de marzo de 1918. Su temprana carrera política la inicia como militante del Partido Trabalhista Brasileño, (PTB) organización que contribuye a fundar en Sao Borja, en 1946, constituyéndose en presidente de su directorio, en Río Grande do Sul, en los años comprendidos entre 1950 y 1954. João Goulart fue diputado estatal en el período 1946-1950.Electo en 1951, como diputado, desempeñó en los años 1951-1952, la secretaría del interior y de justicia en el estado Río Grande do Sul. Asimismo, ocupó las carteras ministeriales del trabajo e industria y comercio en la accidentada administración del presidente Getúlio Vargas, en el bienio 53-54.Fracasado en su aspiración por ocupar una curul en el Senado, Goulart asume la condición de presidente nacional del PTB. Luego, en 1956 ocuparía la vicepresidencia de la república en la democrática administración del presidente Juscelino Kubitscheck, circunstancia que le permitió ejercer la presidencia del Senado desde 1956 hasta 1961.El 31 de enero de 1961, asumió de nuevo las funciones de vice presidente en la administración que inauguró el populista Jânio da Silva Quadros, personaje controvertido que actúo en la accidentada política brasileña, en este tormentoso período de su historia. Este, terminó riñéndose con su vice presidente con sus electores y, con la sociedad en general, cuando sorpresivamente, anunció el 25 de agosto de 1961, la dimisión a su cargo.El vice presidente João Goulart, en su carácter de sucesor legal, se posesionó de la presidencia de la república, con la expresa oposición de los mandos militares que impugnaban la presencia de João Goulart en la primera magistratura, dado sus conocidos antecedentes de político populista adherido a movimientos sociales de extrema izquierda que se consolidaban en Latinoamérica, como natural consecuencia del triunfo de la revolución cubana.La función presidencial fue limitada por los legisladores, y se instauró un régimen parlamentario que restringió los poderes omnímodos que poseía el jefe del ejecutivo. Con la reforma impuesta, estos poderes quedaban atribuidos al primer ministro, quien lo ejercía con el tutelaje del parlamento. Esta enmienda sellaría el destino político del experimentado mandatario. Pero, el 6 de enero de 1963, el presidente maniobró y obtuvo la aprobación del congreso nacional para la convocatoria de un plebiscito que permitiera la reinstalación del régimen presidencialista.Este mandato se hizo realidad cuando se sufragó la enmienda que puso término a esta experiencia de poder compartido. Entonces, el presidente João Goulart, asumió a plenitud sus funciones como jefe de estado y de gobierno.Una generalizada crisis económica ,y un permanente conflicto entre la izquierda radical y la derecha extremista agravada por la constante intervención de los militares en temas reservados constitucionalmente a los gobernantes civiles, hizo crisis cuando el presidente no pudo poner fin a la galopante inflación y al apremiante pago de los servicios la deuda externa que agobiaba al estado brasileño.El presidente João Goulart, ante el estado de crisis existente, pasó a la ofensiva, convocando y presidiendo asambleas populares tales como la celebrada en Río de Janeiro, el 13 de marzo 1964, oportunidad cuando decretó la providencia de entregar grandes lotes de tierras, mediante la promulgación y firma de la Ley de Reforma Agraria. Esta determinación presidencial aceleró el derrocamiento de Goulart, precipitando su incruenta caída. Como respuesta a esta asamblea, grupos de oposición se constituyeron en São Paulo, con la activa participación del gobernador de esa entidad Barros de Adhemar. Esta asamblea logró congregar a más de 300.000 manifestantes que marcharon por las principales avenidas São Paulo. La consigna fue: “Por la familia, con el Dios para la libertad. El 31 de marzo de 1964, se produjo el levantamiento militar que colocó en el exilio al acosado presidente. Radicado durante los primeros años de la dictadura militar de su país en Uruguay, finalmente se trasladó a Argentina, donde misteriosamente falleció en la localidad de Mercedes, el 6 de diciembre de 1976.

JUSCELINO KUBITSCHEK DE OLIVEIRA

2009-06-20T18:44:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Juscelino Kubitschek de Oliveira, presidente de la República Federativa do Brasil, en el período de gobierno comprendido entre el 31 de enero de 1956 al 31 de enero de 1961, nació en la localidad de Diamantina, jurisdicción del estado de Minas Gerais, el 12 de septiembre de 1902.Realizó sus estudios básicos con los padres Lazaristas y, en 1927, obtuvo el título de Médico en la Facultad de Medicina de Belo Horizonte. Después de doctorarse y ejercer en hospitales de París, Viena y Berlín, retornó a Brasil en 1933, donde fue médico-cirujano en su estado natal.Afiliado al Partido Progresista (PP) de Belo Horizonte, fue electo como Diputado Federal. ocupando esta curul hasta que en 1937, el parlamento fue disuelto. En 1939 resultó electo Alcalde de Belo Horizonte, capital del estado de Minas Gerais, cargo que ejerció en el período 1940-1945.En 1945, fue escogido como Secretario de Minería del recién creado Partido Social Democrático (PSD). Restablecido el orden constitucional e instalado en la presidencia de la república el mariscal Eurico Gaspar Dutra que había contribuido al derrocamiento de la dictadura de Getúlio Vargas, Juscelino Kutitschek de Oliveira en uso del “acuerdo interpartidario”, retornó en 1946 a la Cámara de Diputados. En 1951 fue proclamado como gobernador del estado de Minas Gerais y, el 31 de enero de 1956, asumió la presidencia de la república, para el período constitucional de 1956 a 1961El 21 de abril de 1960 inauguró a Brasilia, como la nueva capital de la república. Este acto constituía el punto esencial de su administración bajo el proyecto del arquitecto Oscar Niemeyer, que sería decretada el 7 de diciembre de 1987, patrimonio de la humanidad.Concluido su mandato constitucional, fue electo en 1962, Senador por el estado de Goiás al parlamento federal. Suspendido de sus derechos civiles y políticos por la dictadura militar, Kubitschek optó por autoexiliarse. En 1967.suscribió con João Goulart el denominado pacto de Montevideo y al extinguirse el Frente Amplio en 1968, Juscelino Kubitschek de Oliveira abandonó la política activa y se dedicó a actividades privadas relacionadas con las finanzas y la economía. Fue Director-presidente del Consejo Administrativo del Banco Demasa de Inversiones, en 1967.Kubitschek está considerado por sus conciudadanos como el presidente más democrático en la historia política de este país. El 22 de agosto de 1976, en la población carioca de Resendes, el hijo de João César de Oliveira y Júlia Kubitschek, de origen polaco, moría en un accidente vial.

HUMBERT HORATIO HUMPHREY

2009-06-20T09:55:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Humbert Horatio Humphrey nació el 27 de mayo de 1911 en el Condado de Codington Wallace, Dakota del Sur, descendiente del matrimonio de origen noruego formado por los esposos Humbert Humphrey y Ragnild Kristine Sannes. Sus estudios básicos los realizó en la High School de Doland, Dakota del Sur. Posteriormente, siguiendo la profesión del padre, estudió farmacia en el Capitol College de donde egresó en 1933. Después se matriculó en la Universidad de Minessota, donde obtuvo la licenciatura en Ciencias Políticas y, en 1940, recibió en la Universidad Estatal de Louisiana un Master en la misma especialidad. Entre 1940 a 1941 Humpprey se desempeñó como instructor auxiliar en la cátedra de ciencias políticas de la Universidad de Minnesota.En 1936 contrajo matrimonio con Muriel Fay Buck Humphrey un año menor que él (20 de febrero de 1912), con quien procreó a Humbert, Nancy, Robert y Douglas Humphrey.Con la entrada de Estados Unidos en el conflicto mundial en diciembre de 1941, e impedido de ser dado de alta en el ejército a causa de una hernia, Humbert H. Humphrey desarrolló sus grandes dotes como organizador y administrador, ocupando un conjunto de posiciones entre las que destacan: la dirección de entrenamiento y producción de guerra en el estado de Minnesota, director de la comisión para el uso de mano de obra destinada a la guerra y profesor de ciencias políticas en Macalester College de Sain Paul, Minn., entre 1943-1945.También fungió como comentarista radial en noticias relacionadas con la guerra que se libraba en Europa y el pacífico. (1944-1945). Finalizada la guerra, comenzó a actuar en actividades políticas y administrativas. Electo alcalde de Minneapolis en 1945, sirvió en este cargo hasta 1948 cuando fue electo senador al Congreso de la Unión en representación del partido demócrata. Sus conciudadanos le reelegirían por cuatro veces más, en las subsiguientes legislaturas de 1954, 1960, 1971 y 1976 respectivamente.Su actuación en el senado comenzó el 3 de enero de 1949 y concluyó al momento de su fallecimiento. Como vocero de la bancada demócrata en el período 1961-1964, participo en trascendentales debates políticos referidos a la aplicación de los derechos civiles. Fue un consecuente anticomunistas sin entrar en el terreno que abonaba el senador Joseph McCarty. Sus discursos siempre estuvieron impregnados de salidas ingeniosas que le crearon el respeto y la admiración de sus colegas de Cámara. Se le conoció en estas primeras legislaturas como “el guerrero feliz”. En la convención nacional demócrata de julio de 1964, Lyndon B. Johnson electo candidato presidencial, distinguió entre los aspirantes a vice presidente a Humbert H. Humphrey por encima de los senadores Thomas Dodd de Connecticut y Eugene McCarthy de Minnesota. Electo vice presidente de los Estados Unidos en la formula electoral de 1964, sirvió en este cargo desde el 20 de enero de 1965 hasta el 20 de enero de 1969.Su actuación como Vice presidente fue de consecuencia y lealtad para con el presidente Johnson. Esta comprometedora lealtad le hizo perder a amigos y partidarios que observaban con cautela y preocupación el desenvolvimiento y destino de la comprometedora guerra de Vietnam. Sin embargo, la natural simpatía del Vice presidente lograba allanar los caminos de la impopularidad de la administración Johnson tanto en Estados Unidos como en el exterior. Presente está aún su presencia en Santo Domingo, en la oportunidad de la toma de posesión del presidente Joaquín Balaguer el 1 de julio de 1966. Es de recordar que esta ciudad fue invadida por Estados Unidos en 1966, para impedir el triunfo de la insurrección popular acaudillada por el coronel Francisco Caamaño Deño, en 1966; asi como su firma y valiente postura de frente a la cadena de protestas que unificó a estudiantiles liberales, sectores de izquierda y criticos por la intervención norteamericana en el sudeste asiático, cuando viajo a alemania en abril de 1967.En 1968, ante la negativa del presidente Johnson de postularse a la reelección, como consecuencia de la generalizada oposición de propios y extraños a su política belicista, la convención nacional demócrata le nomino como candidato a la presidencia de Estados Unidos, elección que perdió frente al avasallante candidato republicano Richard M. Nixon, subsumiendo la impopularidad de una administracción acorralada por la inestabilidad interna efectos de la guerra de Vietnam. Humphrey perdió la elección por el 0.7% del voto popular: 43.4% (31.783.783 votos) para Nixon a 42.7% (31.271.839 votos) para Humphrey, con 13.5% (9.901.118 votos) para George Wallace de Alabama. En la universidad electoral Humphrey llevó 13 estados con 191 votos electorales, a 32 estados y a 301 votos electorales de Nixon, y estados de Wallace 5 y 46 votos electorales (270 eran necesarios ganar). De regreso a su actividad como docente, Humbert H. Humphrey reasume la enseñanza en la Universidad de Minnesota y Macalester College, asimismo, trabajó como consultor permanente de la Encyclopædia Britannica. Las circunstancias le conducirían de nuevo a la actividad política. Fue nominado y ganó una banca en el Senado en las elecciones de 1971. Fue reelecto en 1976, ocupando esta curul por el estado de Minnesota hasta su muerte ocurrida el 13 de enero de 1978 en Waverly a unas cuarentas millas al oeste de Minneapolis. Sus restos reposan en el cementerio de Lakewood, Minneapolis, Minnesota.

LUIS RIVERA GONZALEZ

2009-06-20T09:52:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Luis Rivera González, juntamente con Ernesto Lecouna, Agustín Lara y Rafael Hernández es uno de los más sobresalientes creadores musicales del continente. Nacido en San Fernando de Montecristi, República Dominicana, el 22 de junio de 1901, estudió, en Santiago de los Caballeros, piano y violín con los maestros Manuel García Vila y José Ovidio García.Ejecutante de estos instrumentos en Grupos y Orquestas, viajó a Haití, Puerto Rico y Cuba. Aquí, perfeccionó con el profesor Amadeo Roldán, sus estudios de Composición y Armonía, y actúa con la Orquesta Filarmónica de la Habana, bajo la dirección del maestro Pedro San Juan.“Dulce Serenidad” fue su primera composición, de éxito internacional, registrada en la voz de Alfredo Valdés.En Cuba, se incorpora a la célebre orquesta del pianista y compositor Ernesto Lecuona Casado, ora como ejecutante, ora como director orqustal, ora como orquestador y arreglista. Dirigió, asimismo, en el Teatro Nacional de la Habana, la Orquesta que acompañó al tenor mejicano José Mojica.En México, Luis Rivera Gonzáles presentó a través de la Radiodifusora XEW, su revista musical “Pa la Habana me voy”. De regreso a su país, en 1942, fue director de bandas militares, orquestas bailables, y organizador de grupos corales.Luis Rivera González, además, tuvo destacada actuación en la docencia musical de Santo Domingo. Sus obras han quedado registradas en las voces más consagradas del firmamento artístico internacional.Luis Rivera González consagró toda su existencia a la dignificación del arte musical que en él encontró a su más fiel exponente. Murió en Santo Domingo el 16 de setiembre de 1986.
Producciones musicales
Las obras más significativa para orquesta de Luis Rivera son: ‘‘Poema Indio’’ (con barítono y narrador), ‘‘Intermezzo’’, ‘‘Rapsodia Dominicana No.1’’, con piano solista en la que desarrolla admirablemente los temas de ‘‘Compadre Pedro Juan’’, de Luis Alberti y ‘‘Maybá’’ de Diógenes Silva.

JEAN FERRAT

2009-06-20T07:31:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Jean Ferrat es el nombre artístico del cantautor francés Jean Tenenbaum, nacido en Vaucresson, departamento de Hauts-de-Seine, en la región de L’Ile-de-France, Francia, el 26 de diciembre de 1930.En 1935 sus padres se trasladan a Versalles, donde el cuarto de sus hijos Jean, se matricula en el “Colegio Jules Ferry” de esta localidad; pero, prontamente tiene que abandonar sus estudios formales para trabajar en un laboratorio de química de construcción.Esta actividad fue compartida por su afición al teatro y el jazz. Organiza juntamente con algunos amigos un pequeño grupo de teatro, donde propiamente inicia su formación como cantante y compositor. Vocaliza canciones de autores franceses de la “época de oro” del cabaret francés y, para el esparcimiento de sus contertulios, ejecuta diestramente la guitarra. Sus autores preferidos en esta etapa de su existencia de su formación artística son el poeta Jacques Prévert y el cantante Yves Montand. A partir de esta época de bohemia surgen sus primeras composiciones.En 1954 abandonó el laboratorio para presentarse en audiciones en el "Riverside" y "Rose Red". Estos son años difíciles para el novel artista; pero, el final lograra imponer su estilo y su pensamiento de compositor comprometido con hechos sociales visibles que están en su entorno familiar y social.En 1957 actúa en los cabarets “la Arsouille Milord”, “La Colombe”, la “Jacob's ladder” y “La Rotisserie de l'Abbaye” entre otros.En1959 se reunió con el editor y productor Gérard Meys para iniciar una provechosa relación profesional. Seguidamente, en 1961, trabó relación con Renée Marcelle Jeanmaire actriz y cantante conocida como Zizi Jeanmaire para ella escribió el tema “Hey Love”.La participación de Ferrat en la denominada canción protesta de los años posteriores a la II Guerra Mundial fue activa. La canción intitulada “MaFrance”escritaen 1969, demuestra palmariamente, el comprometimiento ideológico del cantautor. Después del fracaso del mayo francés la figura de Ferrat se proyectó como el más fiel exponente de la cultura expresada por el izquierdo marxista a través de todo el orbe.Sus adaptaciones a poemas de Antonio Machado, Federico García Lorca y Louis Aragón le hicieron popular entre los protestarios de las décadas finales del último siglo.Jean Ferrat es un acuarelista de la realidad social del mundo. Sus temas de su imaginación y sensibilidad están impregnadas de motivaciones sociales, políticas, personales y filosóficas de su tiempo histórico y medio social.

EDDIE FISHER

2009-06-20T07:29:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Eddie Fisher fue el cuarto de los siete hijos procreados por el matrimonio integrado por los esposos Joseph Fisch y Kate Winokur, ambos de origen hebreo, residenciados en Philadelphia, estado de Pennsylvania.Eddie, nació el 10 de agosto de 1928, y adquirió junto a su familia, el apellido Fisher, como se le llegaría a conocer en el mundo del espectáculo musical. El pequeño “Sonny Boy”, desde sus primeros años demostró aptitudes para la escena artística, destacándose como un exquisito vocalista. Sus primeras actuaciones se desarrollaron en el ámbito local, donde participó en concursos de aficionados. También destacó en emisoras de radio, hasta que fue descubierto por Arthur Morton Leo Godfrey conocido como “Arthur Godfrey”, quien para la época era un prestigioso hombre de radio y televisión.En 1946, Eddie Fisher cantaba con las orquestas del trombonista Buddy Morrow y del saxofonista Charlie Ventura. En 1949, fue presentado en el programa radial que producía Eddie Cantor. Estas presentaciones se constituyeron en éxito de costa a costa.La firma discográfica RCA Victor le contrató como exclusivo, prensando sus primeras grabaciones de éxito internacional.En 1951, Eddie Fisher fue reclutado por el ejército de los EE.UU. Su entrenamiento militar tuvo lugar en Texas, participando en la Guerra de Corea..Al ser dado de baja, Fisher actuó como profesional del canto popular en presentaciones teatrales y en discotecas. También actúo como animador de televisión en programas de reconocida audiencia nacional: “Coca-Cola con Eddie Fisher” se transmitió por la NBC entre 1953 a 1957. Además, apareció frecuentemente en el “Show de Perry Como”, en “The Chesterfield Supper Club” y en el “George Gobel” programa televisivo conducido por el productor de la NBC George Leslie Gobel. También desarrolló su propio programa televisivo: “Eddie Fisher Show” por la NBC. Programa que se hizo popular en el bienio 1957-1959.Eddie Fisher fue un cotizado cantante de voz melodiosa que se constituyó en la década de los 50s en ídolo de la juventud. Eddie Fisher tuvo 5 matrimonios. El primera fue con la actriz Debbie Reynolds, después, estuvo casado con la actriz Elizabeth Taylor, viuda de quien fuese su amigo, el empresario y productor Mike Todd, fallecido en un accidente de aviación, ocurrido en Grants, Nuevo Mexico, el 22 de marzo de 1958, de quien se divorcio en 1964, más tarde se casó con la también actriz Connie Stevens, después con Terry Richard y, finalmente, con Betty Lin, quien falleció el 15 de abril de 2001.Eddie Fisher es padre de 4 hijos habidos en sus matrimonios con las actrices Debbie Reynolds y Connie Stevens. Ellos son Carrie Fisher, Todd Fisher, Joely Fisher y Tricia Leigh Fisher.
Contrajo matrimonio en primeras nupcias con la actriz y vedette Debbie Reynolds, en 1955 y, después se desposo con la también actriz Elizabeth Taylor,En 1960, cerró cuentas con la RCA Victor, y comenzó a producir con su propio sello discográfico, “Ramrod Records”. Después, registró sus grabaciones con el sello “Dot Records”. Durante este tiempo, grabó comercialmente el tema “Sunrise, Sunset” de “Fiddler on the Roof”. Consumados estos éxitos, la RCA Victor le firmó nuevamente.Durante su larga y exitosa carrera artística, Eddie Fisher ha recibido innumerables reconocimientos y distinciones. Posee dos estrellas en el “Paseo de la Fama de Hollywood”En 1981, Fisher, escribió su autobiografía titulada “Eddie: My Life, My Loves” y, en 1999 apareció una remozada autobiografía con el sugestivo nombre de “Been There, Done That” Esta obra se centra fundamentalmente en detalles relacionados con la vida y actividad sexual del artista. Además, incorpora otros elementos que no estaban presentes en su primera autobiografía.

RUDY VALLEE

2009-06-20T07:23:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Hubert Prior Vallée, cuyos padres Charles Alphonse y Catherine Lynch Vallée, procedían de Canadá e Irlanda, fue conocido artísticamente como Rudy Vallée. Nació en Island Pond, estado de Vermont, el 28 de julio de 1901. Rudy, como se le conocería artísticamente, en referencia al saxofonista Rudy Wiedoeft, pasó sus primeros años en la localidad de Westbrook en el estado de Maine, al noreste de la unión americana, donde aprendió a ejecutar el saxofón, como un importante ejercicio comenzado en la escuela secundaria de esta importante ciudad. Además, de saxofonista, Rudy Vallée fue un experto baterista y se distinguió como clarinetista.Sus experiencias profesionales como integrante de la “Savoy Havana Band”, en Londres, Inglaterra entre 1924 y 1925, le permitió, de vuelta a Estados Unidos, organizar y dirigir su propio grupo musical: “The Rudy Vallée and the Connecticut Yankees”. Con el marco de esta agrupación inició su carrera como cantante profesional. Comenzó entonando románticas baladas; sin embargo, él se inclinaba por el naciente jazz de boga en su tiempo.Logró atrapar la atención del público por su porte, elegancia y buena voz y, en 1928, obtuvo su primer gran contrato para registrar discos sonoros y actuar en la floreciente industria de la radiodifusión.Rudy Vallée se transformó en el ídolo de su generación, adquiriendo un estilo propio, único si quiere. Él, condujo a su generación, con grata voz, estilo melódico medio y voz blanda intimistas, a un mundo experimental de reaciones positivas que penetraban los sentimientos más recónditos del Ser, fomentando fantasías próximas al encuentro de una gran experiencia. Estando en la escala de “crooner”, Rudy era un trovador, que acompañado por orquesta con una formación de instrumentos más o menos estándar o por una Big Band u orquesta de jazz, llegaba como se ha descrito en párrafo anterior a identificar al oyente con el contenido de la melodía y con el propio artísta.El fraseado de Rudy en la canción "Deep Night" de la autoría de Henderson y Valle, se constituyó en la inspiración para que surgieran las máximas expresiones de crooners como lo serían Bing Crosby, Frank Sinatra y Perry Como que configuraron sus voces a la medida de los instrumentos de jazz.En 1929 Rudy Vallée emprendió su exitosa carrera fílmica con la película, “The Vagabond Lover” seguida por Rudy Vallée and His Connecticut Yankees (1929), Radio Rhythm (1929). Campus Sweethearts (1929), Glorifying the American Girl (1929), The Big Dog (1930), Betty Co-Ed (1931),Kitty from Kansas City (1931), Musical Justice (1931), Knowmore College (1932), Rudy Vallée Melodies (1932), The Musical Doctor (1932), International House (1933), George White's Scandals (Escándalos de 1935) (1934), Poor Cinderella (1934), A Trip Thru a Hollywood Studio (1935), Sweet Music (1935), Paramount Headliner: Broadway Highlights No. 1 (1935), Paramount Headliner: Broadway Highlights No. 2 (1935), For Auld Lang Syne (1938), Gold Diggers in Paris (1938), Second Fiddle (1939), Take Me Back to My Boots and Saddle (1941), Too Many Blondes (1941), Time Out for Rhythm (1941), Picture People No. 2: Hollywood Sports (1941), Hedda Hopper's Hollywood No. 6 (1942),The Palm Beach Store (1942), Happy Go Lucky (1943), Screen Snapshots: Hollywood in Uniform (1943), Rudy Vallée and His Coast Guard Band (1944), It's In the Bag! (1945), Man Alive (1945), People Are Funny, (1946), The Fabulous Suzanne (1946), The Sin of Harold Diddlebock (1947), The Bachelor and the Bobby-Soxer) (1947), So This Is New York (1948). I Remember Mama, (1948), Unfaithfully Yours (1948), My Dear Secretary (1949), Mother Is a Freshman, (1949), The Beautiful Blonde from Bashful Bend (1949), Father Was a Fullback (1949), The Admiral Was a Lady (1950), Ricochet Romance (1954), Gentlemen Marry Brunettes (1955), The Helen Morgan Story (1957), How to Succeed in Business Without Really Trying (1967), Silent Treatment (1968), Live a Little, Love a Little (1968), The Night They Raided Minsky's (1968), The Phynx (1970), Slashed Dreams (1975), Won Ton Ton, the Dog Who Saved Hollywood (1976). Este extenso cartel cinematográfico lo conforman películas cortas y films completos. Al principio las actuaciones de Valle dejan mucho que desear; pero, con el correr de los años sus actuaciones mejoraron y, para la década de los 40s, era una auténtica figura del celuloide.Rudy Vallée fue un pionero de la industria de la radiodifusión sonora. En 1929 estrenó por la NBC el programa de variedades y entrevistas “The Fleischmann's Yeast Hour”, que transmitió hasta 1936. Por este programa desfilarían las más acreditadas figuras de los 30s., como Ole Olsen, Chic Johnson, Tom Howard, George Shelton, Milton Berle, Burns y Allen, Alice Faye, los Mills Brothers, Kate Smith, Gloria Swanson, Ray Bolger, Fannie Brice, Ilka Chase, Helen Hayes, Bert Lahr, Fay Wray, Richard Cromwell y Louis Armostrong entre otros.Históricamente, Rudy Vallée sentó sus primeros registros sonoros en 1928 para las discográficas Harmony, Velvet Tone, y Diva. En 1926 suscribió contrato con Victor Records. Para esta compañía grabó “Hit Of The Week”, éxito musical durante los tormentosos años de la “depresión norteamericana ”, tema musical que, además, registraron Gene Austin, Duke Ellington, Eddie Cantor y Morton Downey.En 1932 se incorporó al staff de la Columbia y, en 1933 retornó a la Victor. En 1936 la ARC promocionó sus grabaciones a través de sus filiales Perfect Records, Melotone, Conqueror y Romeo Records sellos fonográficos en los que estuvo hasta 1937, fecha en la que regresó definitivamente a la Victor.Los más conocidos éxito de Vallée con el grupo “The Connecticut Yankees”, son“The Stein Song” y "Vieni, Vieni" , a comienzos de la década de los 30s., y su último gran trofeo musical lo constituyó la versión que hizo de la balada “As Time Goes By”, canción compuesta por Herman Hupfeld para el musical de Broadway de 1931, remozada e incorporada para la banda sonora de Casablanca en 1943, exitoso films de la Warner dirigida por Michael Curtiz y estelarizada por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, en referencia a un importante segmento de la II Guerra Mundial.En su madurez, la suave y acariciante voz de Rudy Vallée se movió hacia los registros entre bajo y tenor, con matiz de Barítono ligero.Actuó, asimismo, en el show How to Succeed in Business Without Really Trying y en el film de igual nombre, en Broadway. Intervino también en la serie de televisión “Batman”, en la caracterización de "Lord Marmaduke Fogg". Del mismo modo participo, en 1980 en una gira teatral.Estuvo casado en priemras nupcias con Leonie Cuachois después se desposó con Jane Greer, cuyo matrimonio terminó en 1944. Más tarde, contrajo matrimonio con Fay Webb, y, definitivamente se casó con Eleanor Norris, quuien le ayudaría en la redacción de sus memorias en 1946,Rudy Vallée falleció el 3 de julio de 1986, en la ciudad de Hollywood, a la edad de 84 años, y sus restos reposan en el cementerio St. Hyacinth de Westbrook, en su estado natal de Maine.

AL MARTINO

2009-06-20T06:59:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Al Martino nació con el nombre de Alfred Cini, en Philadelphia, estado de Pennsylvania, el 7 de octubre de 1927.Antes de iniciarse formalmente en la vida artística, trabajó con su padre en diversos oficios. También fue boxeador.Su encuentro con el tenor Mario Lanza le motivó a seguir la carrera como cantante. Para este fin transformó su nombre original en “Al Martino”, acortando su nombre y asumiendo el apellido de su abuelo.Sus primeras actuaciones las desarrolló en clubes nocturnos de Philadelphia. Durante la II Guerra Mundial se incorporó a la Infantería de Marina, participando de las acciones del Pacífico. En la invasión de Iwojima, resultó herido.Finalizada la contienda y reincorporado a la actividad civil, el cantante Mario Lanza le llevó en 1948, a Nueva York.El sello discográfico BBS le incorporó a su plantel artístico, después que Martino se destacara en un programa de “cazatalentos”, llevado a cabo en 1950, donde obtuvo el primer lugar.En 1952 apareció el tema “Here in My Heart” su primer gran éxito que batió todos los records mundiales en venta y popularidad; pero, su éxito más sonado sería “Spanish Eyes” obra de los autores y compositores alemanes Bert Kaempfert, Charlie Singleton & Eddie Snyder, registrado en 1965. Este tema originalmente con el título de “Moon Over Naples”, ocupó por mucho tiempo el puesto número 5 en la preferencia popular británica.Además, batió todos los pronósticos al cotizarse entre las 50 canciones más populares del mundo para 1965.Al Martino también popularizó en 1976 la canción “Volare” de los compositores y escritores italianos Francesci Migliacci, Domenico Modugno & Mitchell Parish,, cuyo título original “Nel blu, Dipinto di Blu”. obtuvo el primer lugar en la preferencia de los públicos de Italia, Bélgica, Francia, Holanda y en muchos países latinoamericanos, entre ellos Brasil, Venezuela, Colombia, México y Argentina respectivamente.La fama y popularidad que adquirió Al Martino le puso bajo la mira de la “Mafia” que actuaba en el ambiente artístico norteamericano, quienes le propusieron “la administración de su contrato”. Esta situación le obligaría a abandonar a su país, radicándose en territorio británico. Una vez que los actores de la amenaza se extinguieron en influencias y físicamente, Al Martino retornó a Estados Unidos, extendiendo como ya lo había hecho con anterioridad, su extraordinaria cadena de triunfos artísticos.Solidario con sus compañeros de escena, en mayo de 1999, Al Martino y su grupo musical se les pidió llevar a cabo una sesión musical en honor del cantante, compositor y pianista pop estadounidense Billy Joel, en la conmemoración del 50º aniversario de su nacimiento. (Bronx, Nueva York, Estados Unidos, 9 de mayo de 1949)En 1972, los productores del cine drama “El Padrino” novela escrita en 1969 por el escritor y guionista Mario Gianluigi Puzo, llevada a la gran pantalla bajo el título “The Godfather” y-o “El Padrino” por el realizador Francis Ford Coppola consideraron la experiencia del actor con la “Cosa Nostra”, encomendándole la personificación del mítico cantante “Johnny Fontane”.Por más de cuatro décadas, Al Martino ha ofrecido al público de varias generaciones inolvidables melodías con su estilo propio e insuperable. “El Gran Caballero de la Canción” como fue denominado por su sello productor “Capitol”, es la coronación de su arte incomparable. Sus éxitos quedarán registrados para la posteridad con títulos como Spanish Eyes, Here in My Heart, I Love You Because, Speak Softly Love, Can't Help Falling in Love, I Started Loving You Again, Can't Take My Eyes off You, Walking in the Sand (And the Seasons Come and Go), Let It Be Me, If I Were a Carpenter, Never My Love, True Love, Unchained Melody, No Other Arms, No Other Lips, My Cherie, What Now My Love, I Can't Help It (If I'm Still in Love with You), Come Share the Wine, Lady, You're the Love of My Life, Silent Night , Painted, Tainted Rose, That's the Way It's Got to Be, Bouquet of Roses, Living a Lie, Tears and Roses, All My Dreams, You're All I Want for Christmas, The Red-Nosed Reindeer, White Christmas, We Wish You a Merry Christmas, Come to Me, Sing for the Love, Have a Dream, This Guy's in Love with You, Here and Now, Can't Get You Out of My Mind, Sweet Angel of Mine, Maria Dolores, The Shadow of Your Smile. Durante los últimos tiempos al Martino ha hecho giras artísticas a Alemania, Francia e Italia y, en la actualidad, cubierto de méritos y reconocimientos artísticos y ciudadanos, Al Martino en el otoño de su existencia, reside en la calidez de su hogar en Springfield, Pennsylvania.

YVES MONTAND

2009-06-20T06:50:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Yves Montand, hijo de Josephine y Giovanni Livi, nació en la localidad de Monssumano Alto, en la toscana italiana, el 13 de octubre de 1921. Se dice que tras la llegada de Benito Mussolini al poder, en 1923, la familia Livi emigró con el pequeño Livio a la ciudad portuaria de Marsella, la capital del departamento de Bocas del Ródano y de la región de Provenza-Alpes-Costa Azul en Francia, donde transcurrió la primera infancia y adolescencia del más productivos de los actores en la Francia contemporánea.Sus primeros trabajos los realizó en la modesta barbería que regentaba una hermana suya, luego desempeñaría laborales propias de un estibador en los muelles de Marsella.Comenzó su actividad artística como cantante en 1944, protegido por la legendaria Édith Piaf quien tomó al joven bajo su responsabilidad, presentándole en el mundo del espectáculo en Paris, como uno de los nuevos valores de la canción de cabaret.De la mano de ésta debutó en el cine junto a Marcel Herrand, Jules Berry y Serge Reggiani, en la realización francesa del director Marcel Blistène “Étoile sans lumière” (STAR WITHOUT LIGHT), en 1946. Después, ese mismo año, interviene juntamente con Serge Reggiani, Nathalie Nattier , Saturnin Fabre , Jean Vilar , Sylvia Bataille , Jane Marken en el film del realizador Marcel Carne con textos de Jacques Prévert “LES PORTES DE LA NUIT”.Estas dos realizaciones le despejarían la vía del éxito. En 1953 filma “Le salaire de la peur” del director Henri-Georges Clouzot. En 1957 protagoniza “La grande strada azzurra”, del director italiano De Gillo Pontecorvo (Pisa, Italia, 19 de noviembre de 1919-Roma, Italia, 12 de octubre de 2006).En 1958 participó en “La legge”, cinta de Jules Dassin con textos de Roger Vailland, Jules Dassin, Françoise Giroud y Diego Fabbri, compartiendo estelaridad con Gina Lollobrigida, Pierre Brasseur, Marcello Mastroianni y la actriz griega Melina Mercouri.En 1960 estelariza “Let’s Make Love” de George Cukor; “Goodbye Again”, en 1961 y “My Geisha” de Jack Cardiff. En 1962.En 1965 comienza el ciclo estelar de su carrera cinematográfica con el realizador social Konstantinos Costa Gavras, “Compartiment tueurs”.Al año siguiente es dirigido por el cineasta Alain Resnais en el films “La guerre est finie”. Entre los años 1966 a 1967 se destaca en las cintas “Grand Prix” de John Frankenheimer y “Vivre pour vivre” del laureado Claude Lelouch.“Z”. y “L’aveu” de Costa-Gavras, le señalan el camino del cine comprometido con la denuncia política y social.Otros directores que le conducirán desde 1970 hasta 1992 serán los célebres Jean-Pierre Melville, Vincente Minnelli, Claude Sautet, Alain Corneau, Henri Verneuil, Claude Berri y Jean-Jacques. Con este último filmó “L’île aux pachydermes”.Es importante destacar la realización de 1973 de Costa Gravas “État de siège ” donde actúa con Renato Salvatori, Jacques Perrin, O.E.Hasse, Jacques Weber y Jean-Luc Bideau, en tema relacionado con el secuestro por razones políticas y de Estado.En 1951 contrajo matrimonio con Simone Signoret y co-estelarizó a su lado muchas de las películas que son haberes de su extensa producción, entre las que destacan “Jean de Florette” y “Manon des Sources” que datan de 1986, basados sobre dos novelas del académico, dramaturgo y cineasta francés Marcel Pagnol (Augbagne, Francia, 28 de febrero de 1895-Paris, Francia, 18 de abril de 1974), con las actuaciones estelares de Gérard Depardieu y Emmanuelle Béart. Después de este éxito mundial, la crítica elevó el perfil de actuación de Yves Montand en el exigente público norteamericano. Es inolvidable su papel en “Late Night with David Letterman”.La discografía de Yves Montand es variada y extensa. “La bicyclette”, “Les feuilles mortes ”, “Rien dans les mains rien dans les poches”, “Clementine”, “Et la fête continue,” “Quand elle est là”, “Flaner tous les deux”, “Champion du monde”, “Les enfants qui s'aiment”, “Le télégramme”, “Paris-canaille”, “Le temps”, “Dansons la rose”, “Les berceaux”, “Syracuse”, “Trois petites notes de musique”, “Barbara”, “Les cireurs de souliers de Broadway”, “Toi tu n'ressembles à personne”, “Dans les plaines du far-west”, “Ma gosse, ma petite mome”, “Mon manège à moi”, “Le gamin de Paris”, “Comme une rose de mai”, “C'est si bon”, Mais qu'est-ce que j'ai”, “Clopin Clopant”, “À Paris” son algunos de los temas que inmortalizaran su nombre y lo consagraron como uno de los más grandes “chansonieres en lengua francesa de todos los tiempos. El único hijo de Montand, Valentín, fue concebido con Carole Amiel. En una demanda de paternidad que remeció a Francia, otra mujer acusó a Montand de ser el padre de su hija, llevando su caso hasta los tribunales con la finalidad de exigir exámenes sobre muestra de ADN.Montand negó esta posibilidad, sin embargo, la mujer se mantuvo en su idea hasta la muerte del artista. En un arbitraje judicial, la mujer consiguió el derecho de que el demandado fuese exhumado para que se le tomaran las muestras requeridas. Cumplida esta disposición legal, quedó plenamente demostrado que Yves Montand no era el progenitor de la niña.En sus últimos años, mantuvo su hogar en St Paul de Vence, Provenza, hasta su muerte ocurrida en Senlis, al norte de París, el 9 de noviembre de 1991. Está enterrado en el cementerio “Père Lachaise”, París, Francia.

BERT KAEMPFERT

2009-06-20T06:49:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Bert Kaempfer fue un descubridor de talentos, que produjo la primera aparición discográfica de los jóvenes de Liverpool que serían conocidos en el mundo de la música pop como “The Beatles”: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best. El, por si mismo, fue un talento que descolló con su propia irradiación en el firmamento de la canción popular, en una buen parte del siglo XX. Sus composiciones plenas de profunda expresividad y musicalidad, lo consagraron como el más exitoso de los directores de orquesta de Alemania durante los años 40, 50, 60 y 70 del pasado siglo XX. Su extensa producción musical desde 1958 hasta 1979, abarca los siguientes títulos: Ssh! It's Bert Kaempfert & His Orchestra, April In Portugal, Combo Capers, Wonderland By Night , The Wonderland of Bert Kaempfert, Dancing In Wonderland, With A Sound In My Heart, Dreaming In Wonderland, Solitude, A Swingin' Safari, Living It Up, Christmas Tide with Bert Kaempfert, That Latin Feeling, Blue Midnight, Let's Go Bowling, The Magic Music of Faraway Places, Love Letters, Bye Bye Blues, A Man Could Get Killed, Strangers In The Night, Hold Me, The World We Know, Love That Bert Kaempfert , My Way Of Life, Ivo Robic singt Kaempfert-Erfolge (with Ivo Robic, One Lonely Night, Traces Of Love,The Kaempfert Touch, Free And Easy, Orange Coloured Sky, Bert Kaempfert Now!, 6 Plus 6, Yesterday and Today, To The Good Life, The Most Beautiful Girl, Gallery, Live In London, Love Walked In, Forever My Love, Kaempfert, Safari Swings Again, Tropical Zuñirse, Swing, In Concert (with Sylvia Vrethammar y Smile.La exquisitez de las composiciones originadas en el talento excepcional de Bert Kaempfert, hizo que consagrados artistas como Frank Sinatra, Al Martino, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Shirley Bassey, Sarah Vaughan, Peggy Lee, Nat “King” Cole, Herb Alpert, Johnny Mathis, Brenda Lee, Caterina Valente, Andy Williams, Nancy Wilson y el venezolano Carlos Almenar Otero interpretaran sus producciones. Dándose el caso excepcional de que, por única vez, acompañara con su propia orquesta, a un cantante y. éste fue, Carlos Almenar Otero con la composición “DankeSchoen”, de quien el propio Almenar Otero es autor de la letra en versión al español. Bert Kaempfert, fue pionero en la ejecución del jazz en su país natal, Alemania, donde nació el 16 de octubre de 1923 en Hamburgo, la segunda ciudad en importancia de Alemania. Fue un exitoso músico, compositor, arreglista y director de orquesta que, influido por las grandes bandas de jazz norteamericanas, finalmente impusó su propio estilo a la suya, que estaría en escenario por más de treinta años.Bert Kaempfert fue un hombre de suerte, si por suerte se entiende el talento, los conocimientos y las oportunidades. Cuando sólo contaba con seis años dominó el teclado de un piano que su madre le regaló, asimismo, dominó el clarinete, el saxofón y el acordeón, entre otros múltiples instrumentos. Estudió en el Conservatorio de Música de Hamburgo, interesándose por todas las facetas de la música., especialmente en la organización, dirección, arreglos y composición. Sus habilidades instrumentales le llevaría a integrarse desde juventud a la orquesta dirigida por Hans Bussch en Hamburgo.Durante el desarrollo de la hecatombe mundial de 1939, fue plaza de la marina de guerra alemana y actúo como organizador de los servicios de bandas militares. En los años finales de la contienda mundial fue hecho prisionero de guerra y, con esta limitación organizó con sus compañeros de cautiverio una exitosa banda militar.Al finalizar la II Guerra Mundial, en mayo de 1945, Bert Kaempfert a su retorno a Alemania, constituyó en Bremerhaven, un sexteto de jazz que ejecutó música ligera en los clubes de los oficiales de las fuerzas de ocupación norteamericanas en Alemania.A comienzo de la década de los 40, junto a Herb Rebién, organizó en Hamburgo una importante agrupación que trabajaría en clubes, radio y en la Red de las Fuerzas Armadas Británicas.Polydor Records, le extendería un contrato de exclusividad de por vida, a mediados de los años 50. Bert Kaempfert impuso a"Wonderland By Night", tanto en Alemania como en Estados Unidos, donde alcanzó el primer lugar en el Hit ParadeEntre sus temas de mayor popularidad está “Strangers in the Night”, con letra de Charles Singleton y Eddie Zinder, interpretado originalmente por Ivo Robić y popularizado por el mundialmente conocido Frank Sinatra. Otros éxitos suyos fueron “Wooden Heart” magistralmente interpretado por Elvis Presley, “Spanish Eyes” con la voz de Al Martino, “Lonely ¿El Nombre ” con Sammy Davis Jr, “Bienvenido a Mi Corazón” con Dean Martin y “Danke Schoen ” con Nat King Cole. Bert Kaempfert murió a los 56 años de edad, en la isla de Mallorca, España el 21 de junio de 1980, de un ataque cardíaco.

JAMES LAST

2009-06-20T06:46:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

James Last, es un talentoso músico alemán nacido en Bremen, el 17 de abril de 1929.Desde niño comenzó a jugar con el piano; luego, en su vida de adolescente, se aficionó por al bajo hasta constituirse en líder mundial en la ejecución de este instrumento musical. Ahora, más del 93% de los alemanes tienen conocimiento sobre quién es James Last. La música que él interpreta se ha hecho en más de 150 países del orbe terrestre. Su orquesta, es la de mayor éxito discográfico en el mundo, haciéndole acreedor a infinidad de premios y reconocimientos, entre los que destacan, “Goldenen Europa”, “Goldenen Kamera” y el “Premio Echo Vida de 1994”. Ha recibido, asimismo, al presente, más de 2056 discos de oro, compilando un total de 17 de platino y vendido más de 50 millones de álbumes entre L.P., y CD.Su exitosa carrera musical se inició en su natal Alemania, 1939, cuando recibiera su primera lección de piano. Son años difíciles para esta nación europea y, fundamentalmente, para su familia, por las consecuencias generadas a raíz del comienzo de la II Guerra Mundial.Mientras sus dos hermanos trabajaban en una fábrica de armamentos, James tiene como objetivo la música, a la que se dedica con disciplina y aplicación. Se matriculó en la Heeresmusikschule en Bückeburg, a donde llega como estudiante en 1943. Aquí, su instrumento de batalla es el bajo. En 1946, junto a sus hermanos Robert y Werner se integra a Radio Bremen de reciente creación. En esta emisora que, prontamente, se hará muy popular, participa en una orquesta de entretenimiento. Sus actuaciones lo destacan no sólo como ejecutante del bajo, su instrumento preferido, sino también como arreglista, director y compositor.Sus acentuadas actuaciones le hacen merecedor al premio de mejor bajista del año, con galardones consecutivos hacia los años 1951 y 1952 respectivamente.James Last organiza una nueva orquesta que es la delicia de los públicos. Su melodiosa música se impregna en el espíritu de una juventud que busca a través del entretenimiento poder expandir sus ilusiones hacia una sociedad más justa y cada vez mejor, alejada del flagelo de las confrontaciones bélicas.En esta tarea contribuye sustancialmente la floreciente industria fonográfica que le permite distribuir mundialmente un producto repleto de esperanzadoras nuevas.En los subsiguientes años, James Last será el líder indiscutible de un núcleo de directores, arreglistas y compositores. Su éxito lo consolida, su afán de trabajo que no cesa. Para 1967, el Hit Parade Inglés le colocó cuatro L.P., en los primeros lugares de la predilección mundial. Este hito se prorrogó a 1969, 1970 y 1971, al ser considerada la Orquesta de James Last, como la más popular del año por la sociedad de críticos alemanes.Sus giras artísticas por Europa, África, América, Australia, Nueva Zelandia y Asia se intensificaron años tras años, transformándose en un viajero de 366 días al año.James Last es el artista alemán de moyor éxitos dentro de la escena musical internacional. Este éxito en nada varia la forma de vida que lleva el artista. Su innata modestia constituye para él, un sello de distinción.Otros artistas vienen y van; pero, James Last siempre está presente, sea a través de registros sonoros, presentaciones personales, conferencias o programas de radio y televisión.La muerte de su inseparable Waltraud, la madre de sus dos hijos, le acongoja, alejándole momentáneamente de la escena; pero, prontamente se recupera, y empieza, hoy, a la edad de 79 años de edad, a explorar nuevas posibilidades, adaptándose a las novedosas vertientes del gusto mundial. Él, sigue diligente en su trabajo creador y, a pesar de las innovaciones, James Last siempre ha de ser “fiel a sí mismo”.

MARIA DE JESUS VASQUEZ

2009-06-20T06:41:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

María de Jesús Vásquez es la más representativa intérprete de la canción criolla peruana, conocida y admirada internacionalmente. Nació en Lima, Perú, el 20 de diciembre de 1922 y desde la edad de 10 años ha actuado en los más importantes escenarios del mundo. Ha sido, y es, la más expresiva intérprete de “El Plebeyo” el vals peruano de Felipe Pinglo Alva, que interpretó en el films “El Guapo del Pueblo”. Este tema musical está considerado como la canción criolla de mayor proyección mundial, y a ello, ha contribuido sustancialmente la personalísima interpretación de María de Jesús Vásquez.Comenzó actuando en las aulas del colegio Nazaret y, en sus inicios, fue admiradora del grupo musical “PURA CEPA”, trío que estaba constituido por Lucho Aramburu, Ernesto Echecopar y Lucho de La Cuba y del inmortal Carlos Gardel. En 1939, a la edad de diez y nueve años recibió el cognomento de “Reina de la Canción criolla”, título que ha confirmado el Perú, a través de los tiempo.María de Jesús Vásquez “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, ha interpretado los más variados ritmos peruanos como valses, festejos, zamacuecas, landós, alcatraz, panalivio, resbalosas, sañas, polkas, marineras, tonderos, huaynos, pasillos y boleros, entre otros.Exitosa en su patria, la “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, inicia en 1945 su primera gira artística al exterior, viajando a Bolivia y Argentina, en este país adquiere su primera gran experiencia como artista consagrada al registrar para el sello “Odeón”, los temas “Cholita”, “Engañada”, “Todos Vuelven”, ”Secreto”, “Destino”, ”Encontré una carta tuya”, “Envenenada”, “Quisiera verte siempre” y “El Plebeyo”. Esta sesión de registros sonoros estuvo bajo la experta dirección musical del pianista, arreglista, orquestador y compositor peruano.don Jorge Huirse Reyes. Después de su éxito discográfico y de sus destacadas actuaciones en las radioemisoras bonaerenses, se traslada a Chile.De regreso a Lima, emprendió una exitosa gira artística que abarcó a Estados Unidos, Ecuador, Colombia, Venezuela, Panamá, Costa Rica, España, Francia, Italia, Suecia, Alemania, Australia y otras naciones, donde la “REINA Y SEÑORA DE LA CANCION CRIOLLA”, se transforma en Embajadora espiritual de los peruanos en el orbe terrestre.María de Jesús Vásquez procreó a Carmen Jesús “Pocha”, Coco, Elizabeth y Sandra Ormeño Vásquez. De éstos, sólo “Pocha” abrazó la carrera artística de su progenitora. Coco, se desempeña como profesor de religión y catequista; Elizabeth reside y trabaja en Costa Rica y Sandra es Profesora de Inglés.Proyectó a rango internacional a los compositores y escritores peruanos en todo el transcurrir de la segunda mitad del fenecido siglo XX. Su interpretación de “El plebeyo” es única. Además, ha inmortalizado “Corazón” de Lorenzo Humberto Sotomayor; “Alma, corazón y vida”, de Adrián Flores Alván; “Amarraditos” de Margarita Durán y Pedro B. Pérez de Llora; “Amor iluso” de Felipe Pinglo Alva; “La flor de la canela” de Chabuca Granda; “Engañada” de Tito Barrera y Luis Abelardo Núñez; “Encontré una carta tuya” de Jorge Huirse Reyes; “Secreto” de Amparo Baluarte y Francisco Reyes Pinglo, “Todos vuelven” de César Miró y muchos otros temas de compositores criollos e internacionales, pero, también, admiró a Carlos Gardel, artista que dejó el rastro de su voz en viejas grabaciones y en cintas fílmicas que constituían el entretenimiento de esta gran dama. Estuvo al lado de Pedro Infante, Pedro Vargas, Libertad Lamarque y otros baluartes de la canción latinoamericana. Admiró, conoció y cantó con la inolvidable Celia Cruz que le llamaba su maestra. Además, compartió escena con Raphael y con el Trío los Panchos.Por sus invalorables servicios prestados a la cultura indoamericana, Perú, su país de origen, le otorgó la “Orden El Sol del Perú”, en la actualidad “Orden del Sol” presea creada mediante Decreto del 8 de octubre de 1821 por el General Protector don José de San Martín, destinada a premiar los servicios hechos a favor de la independencia, otorgándola en tres grados: fundadores, beneméritos y asociados. En el presente, esta joya se otorga a nacionales y extranjeros que se hayan destacado en las artes, letras, cultura, política y servicios extraordinarios prestados al Perú. Además, ha recibido “Las Palmas Magisteriales”, el premio “José María Arguedas”, y cientos de distinciones oficiales, así como millares de reconocimientos expresados en Diplomas y Trofeos.Asimismo, la Organización de Estados Americanos, (OEA) le reconoció hemisféricamente, sus grandes aportes a la preservación de los valores fundamentales de la identidad latinoamericana.En su extensa y meritoria carrera profesional María de Jesús Vásquez ha registrado en vinyl 60 Long Plays, unos 80 discos de 78 r.p.m., y L.P., contentivos de pasillos que registró en Ecuador.

ANDRE KOSTELANETZ

2009-06-20T06:37:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

André Kostelanetz juntamente a los consagrados Mantovani, Percy Faith y Ray Conniff es el más destacado creador de un estilo de música agradable que gustó a los públicos en todos los idiomas. La ejecución de los más variados temas del cancionero mundial le atrajo el respeto y la admiración de quienes aceptaron su forma natural de hacer escuchar melodías para disfrutar y meditar.La música que interpreta André Kostelanetz es perfecta y acorde con la finalidad del artista: Desarrollar una música sin rigidez, simple y fácil de escuchar y asimilar.A André Kostelanetz le tomó tiempo arribar a la perfección. Formado en la Rusia zarista pre-revolucionaria, él y su familia se mantuvieron unidos en San Petersburgo durante los sucesos que concluyeron con el derrocamiento del viejo orden, y la implementación de los gobiernos revolucionarios previos a la declaración del socialismo como forma de estado, en su país de origen.Kostelanetz a la temprana edad de 20 años, ya estaba como asistente de la Opera de Petrogrado. En 1922, ante la radicalización que experimenta la revolución de octubre, el joven André emigra junto a su familia a Estados Unidos, donde el joven músico encuentra trabajo como ayudante de dirección en el Metropolitan Opera. Después trabajaría como el primer director de la orquesta de planta de la cadena radial CBS.A pesar de sus orígenes clásicos, Kostelanetz se adentró en la música popular, adaptando y transformando temas operísticos y de otras corrientes a una orquestación sinfónica, que atrapó a los oyentes, quienes hicieron que la orquesta de André Kostelanetz, dominara el escenario musical por más de cuatro décadas. En este orden, el director, arreglista y compilador no tuvo rivales. Construyó un gran repertorio musical que traspasó todas las fronteras nacionales.André Kostelanetz, sin embargo, jamás abandonó sus raíces clásicas y como prueba de ello, podemos apreciar los registros de algunas partituras ligeras de contenido clásico: Ferde Grofe's "Grand Canyon Suite" Gershwin y la "Rapsodia en Blue". Konstelanetz siempre fue exitoso en su empresa de imponer las "Operas sin palabras."En varias oportunidades actúo con la Filarmónica de Nueva York.Trabajó incansablemente en presentaciones y a través de la radio y la televisión. Contrajo matrimonio en 1938 con la soprano de origen franco americano Lily Pons, con quien convivió hasta 1958.André Konstelanetz fue un orfebre. Un maestro que trabajó constantemente por desarrollar una combinación de elementos que le permitió incorporar nuevos sonidos, adoptando la naciente tecnología de grabación. Fue un innovador que tejió perfectamente un estilo y una cadencia que enriqueció las melodías más sencillas del cancionero universal, otorgándoles un toque sinfónico que las han hechos imperecederas.

CHABUCA GRANDA

2009-06-20T06:34:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

María Isabel Granda y Larco, nacida el 3 de septiembre de 1920, en la sureña provincia de Cotabambas, región del Apurímac, es conocida mundialmente como CHABUCA GRANDA, uno de los más altos valores de la cultura indoamericana y la más fiel exponente de la conciencia peruana, expresada a través de su obra como juglar y autora. Hija del ingeniero Eduardo Granda Esquivel, natural de la señorial ciudad de Lima y de Isabel Teresa Larco Ferrari, nacida en Trujillo, histórica ciudad de la costa peruana. Desde su temprana adolescencia se aficionó a la música tradicional de su país, iniciándose profesionalmente como vocalista a la edad de 12 años, época cuando comenzó a triunfar como la más delicada juglar de la canción tradicional peruana, constituyéndose junto a Felipe Pinglo Alva, María de Jesús Vásquez, Manuel Acosta Ojeda, Lucha Reyes, Amparo Baluarte, Óscar Avilés y Alicia Magiña entre otros, en los más firmes y determinantes pilares donde se arraigó la cantata peruana de los tiempos pretéritos.Desposada con Enrique Füller Da Costa, el 13 de mayo de 1942, entró en un período de calma hogareña, y fue, después, de su divorcio, cuanto en 1952 inició su exitosa carrera como compositora de los más variados temas musicales del Perú.Chabuca Granda ha sido la más renombrada compositora del Perú, país que ha pincelado en cada una de sus creaciones donde exalta la natural belleza de este paraíso andino, utilizando imágenes sencillas con expresiones que se adentran en el sentimiento de sus compatriotas y de aquellos que disfrutamos de su exquisita sensibilidad de artista y gran señora.Peregrina impenitente, su presencia se hizo sentir en una buena parte de las capitales del mundo, donde fue obsequiosa con sus mensajes pletóricos de esperanza que llegó, por su originalidad, a los sentimientos de los pueblos que visitara como embajadora de la cultura y del arte indoamericano.La creadora del himno espiritual de los peruanos “La Flor de la Canela” relató en cierta oportunidad que esta canción suya estuvo inspirada en un personaje real: Victoria Angulo.Inspirada en la Lima señorial de donde extrajo las percepciones que le permitirían contar en las estrofas de sus canciones, simples historias donde han quedado reflejadas las costumbres de ancestros siempre presentes en unos empolvados balcones y floridos cercados.Después, la artista se adentra en su constante preocupación social donde entregada a su pueblo, les ofrece lo mejor de sí para que éste resista las arremetidas de una clase dominadora que irrumpe en sus existencias, incrementando las angustias de la cotidianidad. De aquí surgen los pregones, los cantos de jarana, los landós y las zamacuecas, que incorporados a las marineras y los valses. conforman un mundo de sonidos e imágenes donde siempre está presente el sentir de la peruanidad.Entre las composiciones universales de Chabuca Granda destacan por sus incuestionables bellezas “Lima de veras”, “La flor de la canela”, “Fina estampa”, “La herida oscura“, “Zamba para no morir”, “Gracia”, “José Antonio”, “Puente de los suspiros”, “Coplas de Fray Martín”, “Toro mata, toro mata”, “Ollita nomás”, “Una larga noche”, “La torre de marfil”, “El surco” y “Zeñó Manué”.Chabuca Granda murió el 8 de marzo de 1983, en la ciudad Miami, estados Unidos; per, su obra perdurará en el tiempo. Ella, la definió su arte así: “No alcancé ni alcanzaré jamás a hacer folklore; apenas hice canción popular, y de ella solamente juglaría. La buena suerte me hizo popular pero no por eso importante, los importantes son mis personajes vivos o alguna vez vivos, los que llegaron al corazón de los pueblos gracias a mis extraordinarios y generosos intérpretes”La chilena Chalena Vázquez expresó: “la música peruana se ha africanizado. Chabuca Granda ha contribuido a ello”, Daniel Roca escribía: “Chabuca Granda es la columna inquebrantable sobre la cual se ha edificado el prestigio musical de nuestro país en el exterior. Los peruanos le debemos un monumento de gratitud: comencemos a construirlo respetando su legado artístico, parte de nuestra historia pasada y presente y, por cierto, valioso patrimonio nuestro que tenemos la obligación de preservar, como ejemplo e inspiración para las generaciones futuras. Chabuca, de auténtica alcurnia limeña, simboliza ese orgullo por lo nuestro que no debemos ni podemos perder” y, el laureado compositor yucateco Armando Manzanero, refiriéndose a la compositora afirmó “Cuando escuché por primera vez una canción de Chabuca Granda que se llamaba “Fina Estampa” dije que nadie pudo describir a ese caballero como lo hizo mi inolvidable hermana Chabuca”.

ENRIQUE GUZMAN

2009-06-20T06:32:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Enrique Guzmán nació en Caracas, Venezuela, el 1 de febrero de 1943. A los cinco años de edad, fue trasladado a la Ciudad de México por sus padres Jaime y Elena Guzmán. En esta capital inició sus estudios musicales que alternó con sus experiencias universitarias en la Facultad de Medicina de la Universidad Autónoma de México. (UNAM)1957 vería nacer a la vedette cubano-venezolana María Conchita Alonso y también sería el año de la muerte de la “Maestra de América”, Gabriela Mistral, Premio Nobel de Literatura correspondiente a la premiación de 1945. Año histórico para la humanidad por los grandes acontecimientos que se sucedieron, y año determinante para la vida artística de Enrique Guzmán.Con Jesús Martínez, Sergio Martell y Armando Martínez, organiza el grupo rockero que obtendrá fama internacional en la década de los sesenta: “Los Teen Tops”. Esta es una época de actuación, estudio y meditación. A la primera etapa corresponden los temas: “Pensaba en ti” y “La ronchita”. Con esta agrupación registra “La plaga” y “El rock de la cárcel”, canciones traducidas al español de temas que internacionalmente imponían en el Hit Parade de Estados Unidos los vocalistas Little Richard y Elvis Presley, sobre “Good Golly Miss Molly” y “Jailhouse rock"”. En ese mismo tiempo produce su primer L.P con títulos de éxitos grabados en idioma inglés por los rockeros del momento: “Confidente de secundaria”, “Buen rock esta noche”, “Lucila”, “Muchacho triste y solitario” y “La larguirucha Rally”, se constituyeron en éxitos, y el grupo, se consolidó como el prefedo de la juventud de los finales del cincuenta e inicios de los sesenta.Pero, 1963 Enrique Guzmán, ya no aparece junto a los consagrados “Teen Tops”, ahora va de la mano de Check Anderson y graba con la orquesta y coros de éste, la versión al español de “A Hundred Pounds of Clay”, que con el nombre de “100 kilos de barro” recorrería todas las fronteras de América.Su éxito como solista, inevitablemente, le condujo al cine, y posteriormente, a la televisión. Hombre del espectáculo, se ha mantenido al frente de éste, por más de cinco décadas. Contrajo matrimonio en primeras nupcias con la popular actriz y cantante Silvia Pinal con la que procreó a Alejandra y Enrique Guzmán Pinal. Actualmente vive en compañía de su esposa Rosalba Welter de Guzmán y de sus hijos, Daniela y Enrique.Entre sus éxitos de taquilla se destacan: Ellas los prefieren locas (1977), Al fin solos, pero... (1977) , ¡Cómo hay gente sinvergüenza! (1972), The Incredible Invasion (1971), Caín, Abel y el otro (1970), OK Cleopatra (1970), Princesa y vagabunda (1970), La Mujer de oro (1970), Bang bang... al hoyo (1970), La Guerra de las monjas (1970), El Despertar del lobo (1970), El Amor y esas cosas (1969), No se mande, profe (1969), El Club de los suicidas (1968), Como perros y gatos (1968), Sor Ye-Ye (1968), Persiguelas y alcanzalas (1967), Acompáñame (1966), Fiebre de juventud (1965), Especialista en chamacas (1965), Los hijos que yo soñé (1965), Nacidos para cantar (1965), Canta mi corazón (1964), La juventud se impone (1964), Mi vida es una canción (1963), Twist locura de la juventud (1962), Séptimo paralelo (1961), La Casa de la Troya (1959), 15 bajo la lona (1959).Son comentadas y recordadas sus apariciones en el medio televisivo: Cómicos y canciones (1963), Silvia y Enrique (1973) y Bártolo (1976-1979), se constituyeron en programas de gran sintonía que apuntalaron a Enrique Guzmán como un experimentado y popular personaje de la televisión internacional.Enrique Guzmán, llenó toda una época como intérprete de rock y baladas. Su voz se dejó escuchar en las grandes y pequeñas ciudades; en los pueblos, villas y caserios del largo y ancho continente español que comienza al sur del Río Grande y termina en las heladas tierras de Chile y Argentina. Sus inolvidables melodías resuenan aún en la memoria de generaciones que aprendieron a soñar, amar y sentir bajo el influjo de esas melodías cargadas de expresión romántica, expresadas con ternura e inocencia.La Fundación Internacional José Guillermo Carrillo que es el repositorio de la memoria histórica de la humanidad, incorpora a este Website, la página de Enrique Guzmán con la selección de diez y siete melodías que, de toda su obra discográfica, aún están incólumes en nuestros recuerdos y sentimientos.

EYDIE GORME

2009-06-20T06:28:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Eydie Gormé, nació el 16 de agosto de 1931 en el Bronx, estado de Nueva York, Estados Unidos, como Edith Gormezano. Hija de Nessin y Fortune Gomerzano, judíos españoles de creencias sefardíes, desde los tres años de edad, se ubicó en el mundo del espectáculo al participar en programas infantiles cantando o animando actos culturales. En la escuela secundaria “William Howard Taft”, sitiada en el Bronx, Eydie Gormé se desempeñó como animadora en los musicales que se producían en el plantel. Asimismo, tuvo audiciones en la radio de su localidad, cantando en programas para niños. Al egresar de la secundaria, trabajó como traductora en la Organización de las Naciones Unidas y fue intérprete de español en la “Theatrical Supply Export Company”.Se inició profesionalmente en 1950, asesorada por el agente artístico Ken Greengrass, con la Orquesta de Tommy Tucker y Don Brown. También trabajó como vocalista de la banda del malogrado director de orquesta Glenn Miller y con la del saxofonista, cantante y director de orquesta Gordon Lee Baneker, “Tex Beneke”.En 1951 Eydie participó en un sinnúmero de audiciones radiofónicas que, posteriormente, fueron registradas en acetato y prensadas en discos de vinilo, En 1952, Eydie Gormé se inició formalmente como solista para la productora fonográfica discos “Coral”.Su primera gran oportunidad le llegó cuando el 30 de diciembre de 1953 participó junto al comediante Roger Price y el cantante Steve Lawrence en la estación 2 del episodio Nº 78 del programa de variedades “The Tonight Show” presentado desde los estudios de la NBC en Nueva York por el animador, escritor y compositor Stephen Valentine Patrick William Allen “Steve Allen”. Este programa incluía, en sus inicios, a 2 invitados cada noche. Estos invitados solían ser un comediante y un músico. Aquí conoció al cantante judío americano Steve Lawrence, nacido en Brooklyn, Nueva York, el 8 de julio de 1938, como Sidney Liebowitz, a quien hizo su esposo.El matrimonio se realizó en la ciudad de Las Vegas, estado de Nevada, el 29 de diciembre de 1957. Con Steve, además de constituir una estable pareja matrimonial, también estableció una exitosa sociedad artística que les convirtió en celebridades mundiales. Este éxito comenzó en 1963, cuando Eydie registró la canción “Blame it on the Bossa Nova”, escrita por Cynthia Weil y Barry Mannque que alcanzó el 7º lugar en la preferencia de los públicos en Estados Unidos y la posición Nº 32 en el Reino Unido de la Gran Bretaña. Esta pegajosa melodía también fue registrada en español con el título “Cúlpale a la bossa nova”. Del mismo modo dejó grabada la melodía “Yes my Darling Daughter” tema del compositor Jack Lawrence, incorporado al “Salón de la Fama” en 1975, que data de 1941, interpretada antes por consagradas figuras de la canción popular como Eddie Cantor, Dinah Shore, Caterina Valente, Helen Forrest, Glenn Miller, Benny Goodman y otros. Esta melodía en la voz de Eydie Gormé, alcanzó el lugar Nº 5 en la preferencia de los públicos en el RU.En febrero de 1964, virtualmente formó parte como solista del mundialmente célebre “Trío Los Panchos” integrado para la época por Jesús Chucho Navarro, Johnny Alvino y Alfredo Gil, participando a distancia en la producci'on de los álbumes que con los títulos “Amor” y “Más amor” produjo la CBS. Luego, en 1965, volvieron a encontrarse, virtualmente, para registrar 12 canciones románticas y editar el álbum titulado “Los Panchos y Eydie Gormé, Canciones de Navidad”. Jesús “Chucho” Navarro confesó, refiriéndose a Eydie Gormé “La que mejor ha figurado discográficamente es Eydie Gormé, una señora que ha hecho 3 L.P., imborrables para los escuchas de Los Panchos. Ella es una señora magnífica. Canta bonito y sobre todo, como profesional nos asombró a nosotros, que hicimos los LP., sin ensayar nunca con ella”. De esta época quedaron los temas: “Amor” de Gabriel Ruiz y Ricardo López; “Caminito” de Juan de Dios Filiberto y Gabino Cor; “Cuando vuelva a tu lado” de María Grever; “Di que no es verdad” de Alberto Domínguez; “Flores negras” de Sergio de Karlo; “Fuego bajo mi piel” de Héctor Hernández; “Gracias a Dios” de Alfredo Gil; “Historia de un amor” de Carlos Eleta Almarán; “la última noche” de Boby Collazo; “Mala noche” de Alberto Domínguez; “Media vuelta” de José Alfredo Jiménez; Nochecita” de Victor Huesca; ¨Nosotros” de Pedro Junco; Oración Caribe” de Agustín Lara; “Piel Canela” de Bobby Capó; “Sabor a mí” de Álvaro Carrillo Alarcón; “Vereda tropical” de Gonzalo Curiel”; “Y” de Mario de Jesús y los temas navideños: “Gloria Dios en las Alturas” de A. Torres; “Blanca Navidad” de Irving Berlin; “Felices pascuas” de Pedro Flores y “Navidad y Año Nuevo” de Jesús “Chucho” Navarro entre otras. En 1967 Eydie Gormé se hizo acreedora a un premio “Grammy” en reconocimiento a su actuación como la “Mejor Voz Femenina 1967” y por su impecable versión del tema “If He Walked Into My Life” Además de estos éxitos, impuso en la década de los 60s., los temas: “If He Walked Into My Life”, de Jerry Herman, “Do I Hear a Waltz “basado en un texto de Arthur Laurents con letra y música de Richard Rodgers y Stephen Sondheim. Ese mismo año, Eydie Gormé presentó a dúo con su esposo Steve Lawrence el álbum “Together On Broadway”. Ese mismo año el sello Columbia editó “Eydie Gormé's Greatest Hits”.En 1970 hizo dúo con el cantante de origen portorriqueño Danny Rivera con quien registro el LP “DANNY RIVERA & EYDIE GORME, Muy amigos” que incluyó las melodías “Para decir adiós”, “Guárdame dentro de ti”, “Uno de los dos”, “Es tu amor”, “Hay muy pocos”, “Búscame”, “Cuando llego a la casa”, “Las chicas del Distrito Federal”, “Paloma azul”, “Recuerdos”, “Te sigo amando” y “Muy amigos”.La producción discográfica de Eydie Gormé ha sido extensa. Sus títulos están a disposición de los amantes de la buena música: ellos son Delight (1956), Eydie Gorme (1957), Eydie Swings The Blues (1957), Eydie Gorme Vamps The Roaring 20's (1958), Eydie In Love (1958), Gorme Sings Showstoppers (1958), Love Is A Season (1958), Eydie Gorme On Stage (1959), Eydie In Dixieland (1959), Come Sing With Me (1961), I Feel So Spanish (1961), The Very Best of Eydie Gorme (1961), Eydie Gorme Sings The Best of Romances, Ballads (1962), Blame It On The Bossa Nova (1963), Let The Good Times Roll (1963), Gorme Country Style (1964), Amor (w/ Trio Los Panchos, 1964), Great Songs From “The Sound Of Music” & Broadway (1965), Eydie Gorme Greatest Hits (1965), More Amor (w/ Trio Los Panchos, 1965), Don’t Go To Strangers (1966), Navidad Means Christmas (w/ Trio Los Panchos, 1966), Softly, As I Leave You (1967), The Look of Love (I 968) , Eydie (1968), Otra Vez (1969), Tonight I’ll Say A Prayer (1970), Canta en Español (w/ Trio Los Panchos, 1970), Cuatro Vidas (w/ Trio Los Panchos, 1970), It Was A Good Time (1971), La Gorme (1976), Muy Amigos/Close Friends (w/ Danny Rivera, 1977), Since I Fell For You (1981), Tomame O Dejame (1982), De Corazon A Corazon (1988), Eso Es El Amor (1992) y Silver Screen (1996)Al igual que su esposo, Eydie Gormé ha sido frecuente visitante de espectáculos de los más populares programas de televisión como “The Carol Burnett Show” y “The Nanny”. También, junto Steve Lawrence ha participado en programas musicales en Broadway entre los que destaca “Golden Rainbow”, argumento central del libro “The Season” del escritor William Goldman. Su unión matrimonial le deparo la existencia de dos hijos de nombres David Nessim Lawrence, quien se realiza en el mundo del espectáculo como un exitoso compositor, y Michael, que inesperadamente falleció a la edad de 23 años a causa de una enfermedad cardíaca.Los esposos Nessinm-Gormezano, han trabajado denodadamente en pro del mantenimiento del repertorio clásico de la denomina música pop, originada en los últimos años de la década de los 60s., en el Reino Unido de Gran Bretaña y, afianzada en la década de los 60S., en Estados Unidos. Este género de música consiste en “conserva la estructura formal “verso - estribillo – verso”, ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas”. Desde los años 70, la pareja se dedicó casi exclusivamente al repertorio de música pop estadounidense, registrando algunas producciones con textos de creadores norteamericanos.Steve Lawrence y Eydie Gorme son dos artistas de clase e ingenio. Ellos persisten en actuar para solaz de quienes le admiran a través de todo el mundo. Actualmente, Eydie Gormé es una consumada bloguera que, de vez en cuando, sube mensajes a la página de su sitio en Internet.

MATT MONRO

2009-06-19T19:15:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Matt Monro nació como Terry Edward Parsons en Shoreditch, vecindario situado al norte de Londres, el 1 de diciembre de 1930. Sus padres Alice y Frederick Parsons procrearon además de Terry a Arthur, Reg, Harry y Alice cuya infancia y adolescencia transcurrió con mucha penuria, porque Frederick murió cuando Terry apenas contaba tres años de edad.Al egresar de la escuela, a los 14 años, Terry buscó afanosamente conectarse con un puesto de trabajo estable; pero, todos sus esfuerzos serían en vano dado que, no pudo permanecer en ninguno de ellos, intentando buscar una estabilidad que no llegó.A la edad de 18 años se enroló en el ejército británico como soldado, enviado a la colonia de Hong Kong. Él, desde sus primeros años había cantado en pequeños clubes, destacando las audiciones que hizo en el local del “Tufnell Park Palais”. Esta experiencia la aprovecho para presentarse como profesional del canto ante sus compañeros y en audiciones radiales. En este plano, diseño su propio programa radial que denominó “Terry Parsons Canta”.A su vuelta a Londres, se empeñó en hacerse de una sólida carrera como cantante del género romántico.En esta nueva etapa de su carrera artística Terry no alcanzó el éxito esperado. Por ello tuvo que emplearse en trabajos que alternaba con su actividad como vocalista.Su gran oportunidad le llegó cuando se encontró con el compositor y cineasta John Barry Prendergast.Tiempo después de la mano del pianista de origen caribeño Winifred Atwell quien quedó profundamente impresionado con la personalidad y el profesionalismo de Terry le recomendó a la segunda compañía discográfica más importante del mundo “The Decca Gramophone Company Limited”, la compañía que tenía entre sus talentos a celebridades como Louis Armstrong, Count Basie, Billie Holiday, The Andrews Sisters, Ted Lewis, Judy Garland, los Mills Brothers, Billy Cotton, Guy Lombardo, Chick Webb, Bing & Bob Crosby, Jimmy Dorsey, Connee Boswell y Jack Hylton entre otros.Esta compañía le contrató y le eligió su nuevo nombre: Matt Monro que resulto ser una combinación de Matt, un diarista amigo suyo y Monro Atwell, el padre de su primer nombre.Sus primeras ventas fueron moderadas y éstas se intensificaron en la medida en que tiene apariciones en estaciones de radio. Así le veremos en audiciones de Radio Luxemburgo y en la BBC, donde es invitado por Cyril Stapleton de la “BBC Showband show”. También realiza un spot televisivo con su amigo y protector Winifred Atwell en el “The Winifred Atwell Show”.A Matt Monro le llegó la suerte cuando su talento se unió a la oportunidad que le presentó el productor, músico y orquestador George Martin, cuando le produjo un acetato de demostración de Peter Sellers para utilizar como guía para copiar la voz y el estilo de Frank Sinatra en el álbum, “Songs for Swinging Sellers”. A partir de esa participación su patrocinador George Martin estaba convencido de que el éxito no se haría esperar y, afilió a Monro al sello Parlophone, donde se conformó una excelente combinación para el triunfo: Martin, Monro y el arreglista y director de orquesta Johnnie Spence.Los éxitos con este sello se sucedieron uno tras otro: 1. Love is the same anywhere, Leannie, Let's face the music and dance, Such is my love, Thing about love, Come sta, Cheek to cheek, I'll dream of you, April fool, Mirage, There are no words for love, No one will ever know, Let's Face the Music and Dance, Portrait of My Love, Love Is the Same Anywhere, No One Will Ever Know, Thing About Love, I'll Dream of You, My Kind of Girl, Quite Suddenly, Gost Of Your Past, 'A' You're Adorable, The End Of Time, For This I Was Born, I'll Close My Eyes, This Is No Laughing Matter, They Really Don't Know You, I Dream Of You, y Time Will Tellentre los de mayor difusión y venta.Entre 1960 a 1966, la producción discográfica con Parlophone produjo ocho EPS y cuatro LPs. Sin embargo, el sello norteamericano Capitolio, le contrató como su artista exclusivo, después de ocurrida la muerte de Nat King Cole. Matt Monrró resultó ser la sustitución perfecta.Con Capitol y con la experta colaboración del músico y director Sidney “Sid” Feller productor de Ray Charles, versionó temas inolvidables como I'm Glad There Is You, This Is The Life, You're Gonna Hear From Me, I'll Take Romance, Strangers In The Night, On A Clear Day (You Can See Forever), Sweet Lorraine, By Best Girl, On A Wonderful Day Like Today, Merci Cherie, Honey On The Vine, There's a Kind of Hush (All Over The World), Release Me, Don't Sleep In The Subway, What To Do, The Happening, These Years, You Don't Have To Say You Love Me, Music To Watch Girls By, Here There And Everywhere, Spanish Eyes, Nobody Cares For Me, The Impossible Dream, Stranger In Paradise, Look For Small Pleasures, The Apple Tree, I'll Only Miss Her When I Think of Her, Come Back To Me, Hello Dolly, Sunrise Sunset, Walking Happy, If She Walked Into My Life y Put on A Happy Face. Canciones incluidas en los albums “Invitation To Broadway”, “The Late Late Show”, “These Years”, “This Is The Life!”“ Let's Face the Music and Dance” y “Here's To My Lady”, entre sus producciones más destacadas.También registró para RCA algunos álbumes entre los que sobresalen “The Southern Star film soundtrack”y “Un Toque De Distincion Spanish language”. En Columbia dejo títulos como “If I Never Sing Another Song”, “The Other Side Of The Stars”, “The Very Best Of Matt Monro” y “For The Present”; pero su obra musical como fino y delicado intérpete de temas suaves, melodiosos y sugerentes lo consolidó con el sello EMI, compañía que sustituyó comercialmente a la antigua Columbia. Aquí están registradas melodías que perduran en el tiempo, compiladas en producciones de catálogo: “By Request”, incluye I Will Wait For You, Time After Time, Wednesday's Child, The Music Played, Beyond The Hill, The Apple Tree, You're Sensational, I Get Along Without You Very Well. También registró “Softly As I Leave You”, “The EMI Years”, “The Capitol Years”, “Matt Monro Sings Don Black”, “Matt Monro Sings”, “This Is Matt Monro”, “Through the Years” entre los de mayor venta y popularidad. La constante vida agitada a la que se sometió a causa de su agotadora actividad profesional hizo que Matt se aficionara por la bebida y por el consumo de tabaco. Esta explosiva combinación le posibilitó la aparición de un carcinoma en el hígado. Los especialistas le recomendaron gestionar un trasplante de hígado como posibilidad para salvar su existencia. Cuando los cirujanos del hospital Addenbrookes en Cambridge descubrieron que el mal se había ramificado por todo su cuerpo, determinaron que esta intervención sería inútil. En pleno conocimiento de que su fin estaba cerca, Matt Monro intensificó sus actuaciones. La última de éstas tuvo lugar en el Barbican Center de la ciudad de Londres.Poco después murió en el hospital Cromwell, a la edad 54 años, el 7 de febrero de 1985.

ARTURO USLAR PIETRI

2009-06-19T19:12:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Escritor, ensayista, educador, político, periodista, publicista y productor de televisión, su obra está condensada en cuentos, ensayos y novelas. Se inició en las letras hispanoamericanas con la publicación en 1928 de la novela titulada “Barrabás y otros relatos”. Después, editó en 1931, la novela histórica “Las lanzas coloradas”, imbuida en el denominado “realismo mágico”, fundado sobre las ideas del alemán Franz Roh quien inicialmente acuño este término para “describir una pintura que demostraba una realidad alterada”.A mediado de la segunda mitad del siglo último, Arturo Uslar Pietri adoptó el término para sí y juntamente con Jorge Luis Borges, Miguel Ángel Asturias, Juan Rulfo y Alejo Carpentier, está considerado como el máximo exponente de esta corriente literaria.“Las lanzas coloradas” presenta con singular realismo la hecatombe que se produjo en Venezuela en los turbulentos años que van desde 1859 hasta 1863, época cuando se desarrollo en esta nación la “Guerra Federal”.En 1936 publicó “Red” y, en 1947, “El camino de el dorado”. En 1948, “Letras y hombres de Venezuela”. Y en 1951 “Treinta hombres y sus sombras” y “Las nubes”. En 1962 presentó “Un retrato de la geografía” en 1962.Su labor literaria, política, social, pedagógica y periodística no cesa. “Estación de máscaras” fue publicada en 1964 y, en 1969, en su plena madurez como creador entrega a la critica su obra “En busca del nuevo mundo”. Luego publicaría “La vuelta al mundo en diez trancos” en 1971; “Oficio de difuntos” en 1976, “La isla de Robinson” en 1981, “Fachas, fechas y fichas” en 1985, “Godos, insurgentes y visionarios” en 1985 y, finalmente, en 1990 “La visita en el tiempo”.Fue electo diputado a la Asamblea Legislativa en 1944 y senador al Congreso de la República por el Distrito Federal en las elecciones democráticas de diciembre de 1958 a raíz de la huida del ex presidente Marcos Pérez Jiménez. Ex candidato presidencial en las elecciones de 1963, consiguió con su mensaje renovador el 16,1 por ciento de la votación válida nacional. Su slogan “Arturo es el hombre” logró aglutinar a sectores populares y empresariales como una alternativa independiente entre los partidos Acción Democrática y Copei.Entre 1945 a 1950 vivió en Nueva York, donde residió como exiliado político. Antes, Arturo Uslar Pietri se había desempeñado como ministro de Hacienda en el gabinete del general Eleazar López Contreras y Secretario General de la presidente de la República, ministro de Educación y de Relaciones Exteriores en el gobierno del general Isaías Medina Angarita. Fue, asimismo, embajador en la Unesco, organismo de las Naciones Unidas, durante el primer gobierno constitucional del presidente Carlos Andrés Pérez. (1974-1979) Miembro numerario de las Academias de Historia, de Ciencias Políticas y Sociales y de la Lengua de Venezuela, obtuvo el “Premio Nacional de Literatura” en 1954; “Príncipe de Asturias de las Letras” en 1990, “Cervantes”y “Premio Internacional Rómulo Gallegos”, otorgado en 1991 por su libro “La visita en el tiempo”. Arturo Uslar Pietri muere en Caracas, el 26 de febrero de 2001, había nacido en esta misma ciudad el 16 de mayo de 1906 como producto de la unión matrimonial de Arturo Uslar Santamaría y Helena Pietri Paúl.

OSCAR SAMBRANO URDANETA

2009-06-19T19:09:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Oscar Sambrano Urdaneta es un venezolano de excepción. Dedicado a la docencia universitaria, a la escritura a tiempo completo, a la permanente creación, al ensayo y a la crítica literaria, su vocación de hombre de estilo, de corrección y pulcritud en su trato y en su amistad, le hacen admirar y querer. Nacido en Boconó, virgiliana ciudad, localizada a un costado de la gran Cordillera de los Andes, en el estado Trujillo, Venezuela, el 6 de febrero de 1929, egresó como profesor de Literatura en el antiguo y siempre recordado Instituto Pedagógico Nacional, hoy, Universidad Pedagógica Libertador. En esta Casa de Altos Estudios se desempeñó con acierto como profesor, con capacidad, tolerancia, innovación, creatividad, amplitud, conocimiento y ponderación, entre 1959-1978, así como también, ejerció la docencia en la Universidad Central de Venezuela (UCV), desde 1965 hasta su jubilación ocurrida en 1990.En atención a sus conocimientos, y a su jerarquía pedagógica, el 25 de junio de 1982 el ministerio de Educación le designó mediante Resolución ministerial N° 199 como encargado de realizar y presentar estudios de factibilidad para la creación de la “Universidad Pedagógica”. Desde 1948 hasta 1985 formó parte de la Comisión designada por el Estado, para el estudio, clasificación y ordenación de las obras completas de Don Andrés Bello. Esta extensa y delicada obra estuvo presidida en su condición de Secretario de la Comisión Editora por el filólogo venezolano, de origen español, Don Pedro Grases.Durante este largo período, la Comisión estuvo formada, además, por estadistas, pensadores, historiadores, poetas, científicos, juristas y un sinnúmero de hombres y mujeres del saber, que produjeron una de las obras intelectuales de mayor trascendencia durante el siglo XX venezolano. Profesor de varias generaciones de docentes egresados tanto del IPC como de la UCV, dejó entre ellos, huella imborrable. Me cupo el honor de estar vinculada a su docencia durante el desarrollo de mis estudios para optar al grado de profesor de Castellano, Literatura y Latín, así como de su amistad, de quien he recibido estímulos para la prosecución de las gestiones culturales que he desarrollado desde la atalaya de mi propia iniciativa, en los aportes que desde 1974, he hecho para la exaltación de los valores que constituyen la esencia pedagógica del accidentado e interesante siglo XX, ya concluido.En atención a lo antes expresado, en 1974, pedí a mi amigo y antiguo profesor, su colaboración a fin de que prologara con su palabra, el acto homenaje que organicé para rendir tributo de admiración y respeto al poeta de los tachirenses Marco Ramírez Murzi, la expresión más sentida y depurada de poética cordillerana; a Lucila Velásquez, mujer de letras, de la diplomacia y de la acción política y social venezolana, y a Mafud Massis, el más expresivo y atormentado de los escritores chilenos durante su exilio en Venezuela, a quien conocí, admiré y protegí culturalmente a través de “Egly Colina Marín Producciones”, precursora de la Fundación Internacional José Guillermo Carrillo. Allí, Oscar Sambrano Urdaneta protestó sus sentimientos de solidaridad por la labor que ese día iniciáramos, en acto que tuvo como escenario la sede de la Asociación de Escritores de Venezuela, donde se escuchó el estímulo a los poetas homenajeados, en la voz de José Ramón Medina, preclaro presidente de la AEV, para la época, y del escritor y sonetista trujillano Pedro Pablo Paredes, avecindado en la villa de San Cristóbal.Me halaga, la amistad con la que me ha distinguido por más de 40 años, mi ilustre amigo, quien con el transcurrir del tiempo recibió en 1978, el Premio Municipal de Literatura., Miembro honorario del Instituto Caro y Cuervo de Bogotá, director de la “FUNDACIÓN CASA DE BELLO”, miembro del consejo directivo de Monte Avila Editores, de la extinta Biblioteca Ayacucho y, finalmente, director por mérito y distinción de sus consocios de la centenaria e ilustre Academia Venezolana de la Lengua, correspondiente a la Real Academia Española, como uno de sus académicos de mayor antigüedad en el orden de su elección; aquí comparte sus actividades juntamente con Alexis Márquez Rodríguez, Luis Pastori, Manuel Bermúdez, Francisco Javier Pérez, Blas Bruni-Celli y Rafael Arráiz Lucca. Oscar Sambrano Urdaneta, ha recibido innumerables reconocimientos, condecoraciones y grados académicos. La Universidad de Nápoles le otorgó el doctorado “Honoris Causa” en letras extranjeras, en tributo a sus méritos intelectuales, docentes y como uno de los más consumados exponentes del hecho cultural en Venezuela. Cultor del Bellismo, ha escrito “Aproximaciones a Bello”, “Cronología de Andrés Bello”, “El Epistolario de Bello”, “Andrés Bello Universal”, “Verdades y Mentiras de Andrés Bello”, además, ha escrito “El llanero, un problema de crítica literaria” y en colaboración con el escritor y docente universitario Domingo Miliani escribió y publicó “Literatura Hispanoamericana”.Es, juntamente con William Niño Araque, Eduardo Morreo, Sergio Monsalve y Malena Ferer, Guionista Director de la estación televisiva "Vale T.V" y, desde 2006 se desempeña como director-conductor del programa “Valores”, donde el doctor Sambrano Urdaneta resalta los valores de la cultura universal.

RAQUEL MELLER

2009-06-19T19:06:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Raquel Meller, la “Bella Raquel”, nació en la localidad de Tarazona, capital de las comarcas Tarazona y el Moncayo en la provincia de Zaragoza, el 9 de marzo de 1888. Tonadillera y actriz, su nombre verdadero fue el de Francisca Marqués López.Sus padres Telésforo Marqués, de Añón, Zaragoza e Isabel López nacida en el pueblo de Inestrillas, procurando un mejor destino para la pequeña la envían a la localidad de Tudela, donde ingresó en el convento de las Clarisas. Después se trasladaría a Francia con una tía suya, superiora del convento de Montpellier, quien influiría en la joven Francisca para hacerla profesar como religiosa. Al negarse a cumplir con los deseos de la tía bienhechora, regresa a España para avecindarse en Barcelona donde trabajó como modista en un taller situado en la calle de Tapinería. En estas labores hizo amistad con Marta Oliver, una popular artista de variedades, y por intervención suya, la joven Francisca, aprendió algunas canciones que después interpretaría con dominio escénico.Raquel Meller se presentó por primera vez en un escenario en 1907, interpretando canciones populares del género picaresco español. Pero, su actividad propiamente como tonadillera comenzó en 1908, imprimiendo a sus actuaciones una importante variable. Sus canciones serían ahora de estructura y trasfondo sentimental con elementos dramáticos que harían más interesante su presencia en los escenarios de España y Europa. De esta época data el apelativo “La Bella Raquel”. Este mismo año realiza su primera gira por las ciudades de Valencia, Sevilla, Cartagena y Madrid, siempre con mayor éxito. La Bella Raquel cedió su nombre a Raquel Meller, personaje inolvidable que sedujo a los públicos en los turbulentos veinte y treinta.En septiembre de 1911 debuta en Barcelona, interpretando temas del maestro José Padilla: “La Violetera“y “El Relicario”. Su extensa y exitosa carrera cinematográfica data de 1919 cuando actúo en la cinta “Los arlequines de seda y oro” films rodado en tres jornadas, que luego aparecería con el título de “La gitana blanca”. En 1922: filmó bajo la dirección de Henry Roussell, la película “Rosa de Flandes”, en 1923, con la dirección del mismo Roussell rodó el film “Violetas imperiales”. “La tierra prometida” fue filmada en 1924. Sus éxitos fílmicos siguieron en 1925 y 1926 con “Ronda de noche” y “Nocturno” del realizador Marcel Silver. “Carmen” en 1926, dirigida por Jacques Feyder. “La Venenosa” en 1930 y seguidamente registró para la Fox y Movietone las cintas “Tarde de Corpus”, “La mujer del torero” y “Flor del mal”. Finalmente, en 1932 con la misma dirección del realizador Henry Roussell, repuso en la ciudad de Barcelona, la versión hablada de la cinta de 1923 “Violetas imperiales”Intérprete original de los cuplés musicalizados por el maestro andaluz José Padilla “La violetera” con letra de Eduardo Montesinos y “El relicario” escrito por Armando Oliveros y José Castelví, recorrió los escenarios europeos imponiendo estilo, clase y elegancia. “La violetera”. Fue el tema principal del film “Luces de la ciudad” (City Lights) película escrita, dirigida e interpretada por Charlie Chaplin en 1931.Durante las tres primeras décadas del siglo XX, Raquel Meller, además de famosa, fue admirada por todos los públicos del viejo continente y de América. Su estrella irradió luz propia que la proyectó internacionalmente.En 1917 conoce al escritor, periodista, diplomático y publicista guatemalteco Enrique Gómez Carrillo, con quien contrae matrimonio el 7 de agosto de 1919, en la localidad de Biarritz, Francia. Este año presenta en Paris, en el Teatro Olympia, los cuplés FLOR DE TE Y AGUA QUE NO HAS DE BEBER que constituyen un notable éxito para la artísta. En febrero de 1922, se produce su ya anunciado divorcio del escritor Gómez Carrillo.Vencido el trauma de la separación, Raquel reafirma sus triunfos en Paris. De la Ciudad Luz viaja a Argentina, Uruguay y Chile. En 1926 recorrió las ciudades de Nueva York, Filadelfia, Chicago, Boston, Baltimore y Los Ángeles.Raquel Meller residió, desde 1930, en Paris, Francia, donde se recreó en una existencia de diva internacional. En la ciudad luz alternó con las luminarias Carlos Gardel y Maurice Chevalier, a quienes llegó a superar en fama e ingresos económicos. Su agraciada voz, incomparable belleza, talento y porte de gran dama, le incorporó gracia y elegancia al Cuplé, llevado de la mano de Raquel Meller a los más exigentes salones de la sociedad de los veinte y treinta. La consagrada actriz de teatro y cine francesa Sarah Bernhardt llegó a expresar públicamente su admiración por la artista hispana denominándola, simplemente, como una “genio” y el productor cinematográfico Cecil B. de Mille la denominó como "máscara de la tragedia",La guerra civil española y la segunda guerra mundial obligaron a Raquel Meller a un cambio de ambiente. En 1937, viajó a Buenos Aires, Argentina, donde permaneció hasta 1939. Concluida la guerra civil en España, retorno a este país, avecindándose en Barcelona, donde contrajo, en 1939, segundas nupcias con el empresario de origen francés Demon Sayac, a quien había conocido en el balneario de Niza. Este matrimonio terminaría cuatro años después.Durante los años siguientes, poco a poco, Raquel Meller experimentó el síndrome de la soledad. Olvidada en Barcelona, trató de resurgir en 1957, en la oportunidad de los estrenos de las películas “El último cuplé” y “La violetera”, cintas animadas por la estelarísima Sara Montiel. Este importante acontecimiento fue aprovechado por Raquel Meller para rememorar sus antiguos tiempos de gloria. En esta situación, la diva buscó recuperar su antigua fama de estrella; pero fracasó en su intento porque las nuevas generaciones no le recordaban ya.Atrás, quedaban para la historia, las canciones que sólo ella supo interpretar e imponer en un mundo frenético: “Mala entraña” y “Flor de té” de Juan Martínez Abades, “ Doña Mariquita” de Luis Fernández Ardavín y Jacinto Guerrero, “Gitana, gitana” de Fidel Prado y Modesto Romero, “La pena”, Manuel Machado y Enrique Collet, “Bajo los puentes del Sena”, de Rafael de León, Manuel López Quiroga Miguel y Salvador Valverde López-Bailly, “Tadeo”, E. de Orbe y Modesto Romero), “La modistilla” de Raquel Meller, “Siempre Flor” y “Mariana” de Rosendo Llurba y M. Lucarelli.La bibliografía de raquel Meller fue extensa, cuantificándose sus interpretaciones en más de medio millar de canciones, conservándose para la posteridad cerca de 400 registros sonoros, muchos de los cuales han sido reeditados para solaz de las nuevas generaciones que ante la carencia de artístas que satisfagan sus inquietudes espirituales, se acercan más al pasado reciente para encontrarse con valores que permanecen unidos al recuerdo de la humanidad.Otros temas de impecable interpretación de Raquel Meller son: Agua que va río abajo, Los amores de Ana, La apache, Ay Cipriano, Ay qué cosa, Ay Ramón, Besos fríos, La billetera, La boba de Coria, La buena discípula, La Calderona, La campana, Canastilla de flores, El chispero, La chocolatera, Los claveles de Sevilla, Clavelitos del Genil, El collar rojo, Cómo se hace el amor, Dame tu piquito, Desengaño, Duérmete mi clavel, La echadora de cartas, El estudiante, Firulí firulá, La flor del mal, La font del Xirineu, La gitana hechicera, La hija del carcelero, Hungría, Los impertinentes mágicos, La isabelina, La lechera del cuento, El liberal, La linda de la aldea, Lola Triana, Mala entraña, Margaritiña, La más plantá, Más que a todo, La mexicana, Mi negro, Mimosa, La modistilla, La monjita, My baby, Nena, Novios y maridos, Oh señorita, Paca la Madriles, La peliculera, El peligro de las rosas, La pena, La Perricholi, Sus pícaros ojos, Pobre Colás, Pobre Mimí, Por no decir nada, Prietita mía, Qué inocente, Rafaeliyo, Rosa de Triana, La segadora, Si yo tuviera un millón, Siempre flor, Soy de Madrid, La tarde del Corpus, Tengo miedo torero, La tonta de capirote, Tristes recuerdos, Valencia, y Yo no sé por qué entre otros.Raquel Meller no tuvo descendencia, empero, adoptó a dos niños: Agustina Gómez Carrillo y Jordi Enric Sayac. Con ninguno de éstos mantuvo lo que podría definirse coma una relación madre-hijos y las existencias de ellos terminarían trágicamente.Ingresada de urgencia al hospital de la Cruz Roja de Barcelona, falleció a consecuencia de una embolia cerebral, el 26 de julio de 1962. Sus restos reposan en el Cementerio de Montjuïc de Barcelona, España.

LUIS MARIANO

2009-06-19T19:05:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina MarínAbogado especialista en Derecho PrivadoProfesora de Castellano, Literatura y Latín

Mariano Eusebio González y García conocido artísticamente como Luis Mariano, “voz de oro, de sol y de amor “ fue un actor y cantante español de origen vasco, nacido en Irún, la segunda ciudad más importante de Euskal Herria, España, el 13 de junio de 1914.Cuando apenas contaba con dos años de edad, los progenitores de Luis Mariano se trasladaron a Burdeos; ciudad portuaria situada al suroeste de Francia, en el departamento de la Gironda, región de Aquitania. En 1922 retornaron a Irún y, al estallar la guerra civil española, la familia González García, vuelve a radicarse en Burdeos. Aquí, se matriculó en 1939, en la Escuela de Bellas Artes, para seguir la carrera de arquitectura; pero, sus inclinaciones musicales le llevarían a estudiar canto en el Conservatorio de Música y Declamación Nacional y a seguir cursos de teatro para modular su dicción.Al comienzo de la década de los 40s., Luis Mariano se dejó escuchar en locales de diversión situados entre la Place des Quinconces y la Place de la Comédie, hasta que logró ubicarse como cantante en el cabaret “Le Caveau”, ubicación que le permitió conocer a André Varón, un empresario francés fascinado por la lírica, y por la voz, del novel artista, quien durante estos primeros tiempos sería su más sólido baluarte como amigo y como protector financiero.En 1940 se pone bajo el pupilaje del maestro Miguel Fontécha, con la finalidad de perfeccionar sus estudios de vocalización. En este mismo período estudia actuación con el maestro Maurice Escande en la Comédie Française. En diciembre de 1943 se presentó como tenor cantante en el “Palais de Chaillot” de París, donde con agilidad, y clara voz aguda, representó el papel de Don Ernesto de la opera buffa “Don Pasquale”, de Gaetano Donizetti, junto a junto a la soprano Vina Bovy (Johanna Pauline Bovi, Ghent, Bélgica, 1900 – Ghent, Bélgica, 1983 y Gilbert Maurin... La versatilidad interpretativa de Luis Mariano, le convierte en “el príncipe de la opereta”.Después de estas primeras presentaciones Luis Mariano se adentró en un repertorio de música ligera, triunfando en “La Alhambra”. Aquí interpretó un género musical de arraigo en España, Centro y Sudamérica: el Bolero, género romántico popular que en su agraciada voz le despejó el camino al éxito.En 1945, se asoció con los autores Francis López (Montbéliard, Doubs, Francia, 15 de junio de 1916 - Paris, Francia, 5 de enero de 1995) y (Raymond Vincy. Marseille, Bouches-du-Rhône, Francia, 1908 - Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, 1968), creando su primera opereta “La Belle de Cadix”, presentada el 24 de diciembre de ese año, en el Théâtre du Casino de Montparnasse. El éxito fue apoteósico, manteniéndose este espectáculo por dos años consecutivos.és se sucedieron “Andalousie”, presentada en el casino Montparnasse el 25 de octubre de 1947. Esta obra triunfó en Francia, Estados Unidos y Canadá; “Le chanteur de Mexico”,presentada en el Châtelet, el 15 de diciembre de 1951; “Chevaliers du ciel” estrenada en octubre de 1955 en el Teatro de la Gaîte-Lyrique de Paris, con los actores Claudine Céréda y Paul Mattei; “La cancion del amor mío”, éxito en 1958; “Le secret de Marco-Polo”, presentada en el Châtelet el 12 de diciembre de 1959; “Visa pour l'amour”, estrenada en diciembre de 1961 en el Teatro de la Gaîte-Lyrique de Paris; “Le prince de Madrid” , presentada en el Châtelet, el 4 de marzo de 1967 y “La caravelle d'or”, ofrecida el público desde el Châtelet el 19 de diciembre de 1969.Sus actuaciones como cantante y sus éxitos en esta disciplina le situaron como un cotizado actor en el mundo del cine. Comenzó formalmente con el film de André Hugon, “Le Chant de le exile”, rodada en 1941; “Le Escalier sans fin” con la dirección de Georges Lacombe, en 1943; “Histoire de Chanter” de Gilles Grangier, 1946; el “Luis Mariano chante”, 1946; “Cargaison clandestine” de Alfred Rode, 1947; “Fandango”, 1948 de Emile-E. Reinert, Je n'aime que toi, de Pierre Montazel, 1949; “Pas de week-end pour notre amour” que data de 1949 de Pierre Montazel; “El sueño de Andalucía” de Robert Vernay y Luis Lucia, 1950; “Vedettes en liberté” de Jacques Guillon, 1950; “Au Pays Basque avec Luis Mariano” del realizador Pierre Apesteguy,”Rendez-vous à Grenade”, de Richard Pottier, 1951; “Paris chante toujours” de Pierre Montazel, 1951; “La route de bonheur” de Maurice Labro y Giorgio Simonelli, 1952; “Violetas imperiales” de Richard Pottier, 1942 -su mayor éxito de taquilla con la actriz española Carmen Sevilla; “La bella de Cádiz” con Lolita Sevilla de Raymond Bernard y Eusebio Fernández Ardavín, 1953; “Las aventuras del barbero de Sevilla” de Ladislao Vajda, 1953; “Le Tzarewitch” de Arthur Maria Rabenalt, 1953; “Napoléon”, de Sacha Guitry, 1954; “Quatre jours à Paris” de André Berthomieu, 1954; “Si Paris nous était conté” de Sacha Guitry, 1955; “El cantor de México” de Richard Pottier, 1956; “Printemps à Paris” de Jean Claude 1956; “Roy, A la Jamaïque”, André Berthomieu, 1958; “Sérénade au Texas” de Richard Pottier, 1958; “Candide, ou l'optimisme au XX siecle” de Norbert Carbonnaux, 1960 y “Les pieds dans la plâtre” de Jacques Fabbri y Pierre Lary, 1964.Sus primeros registros sonoros que comprenden el período 1943-1953, son auténticas joyas de colección. En Acapulco, Contigo en la distancia, Doce cascabeles, Dos cruces, Ecuador, El botijero, La tabernera del puerto, México, Milagro de París, ¡Que va!, Ruiseñor, Santa María, Un poco más, Violetas imperiales, Zambra, Ay, ay, ay, ay, María bonita, Carita caracolera, Acércate más, Andalucía mía, Bulerías de fígaro, Canción de amor de fígaro, Andalousie, Bahía, Gitane, Je veux t’aimer, La belle de Cádiz, La féte á Sevilla, Il esta un coin de france, La fiesta bohemienne, La tequila, Le closer du villaje, Le plus joli pays du monde, Le rendez-vous au claire de lune, Maitechu, María Cristina me quiere gobernar, Maria Luisa, Ole torero, Oublie moi, Paris d’en haut, Perfidia, Qui sait, qui sait, qui sait, Une nuit a grenade y Biarritz.Luis Mariano, además de cantante, y actor de éxito, fue un escritor de talento que dejó importantes obras escritas como “La Canción de mi vida”, “Mi vida y mis amores”, “Llamas”, “El zarevich” y “Los caballeros del cielo”. A consecuencia de su agobiada existencia profesional, Luis Mariano abandonó la escena,en mayo de 1970, por el padecimiento sistemático de una hepatitis viral. El 14 de julio de 1970, moría en el Hospital de la Salpêtrière, en París, Francia, a los cincuenta y cinco años de edad, a causa de de una hemorragia cerebral. Sus restos descansan en el cementerio de la ciudad de Arcangues, en el País Vasco francés. Su mausoleo siempre está cubierto de frescas flores traídas en romería por cientos de fanáticos de su excepcional arte. Su talento y definida personalidad artística, unida a su incomparable voz de cancionero melódico, le permitió entronizarse no sólo como el Príncipe de la Opereta, sino como un cantante versátil que supo imponer su clase y estilo. Una calle de la ciudad de Irún, que en la época del nacimiento de Luis Mariano se denominaba calle de la Aduana, ahora lleva su nombre. También fue inaugurada una plaza y, en ella, se erige un busto del artista.Luis Mariano dejó por legado la fortuna de haber registrado un promedio de 480 canciones, vendió ocho millones de discos, cantó en 9 operetas y actuó en 29 film.EL escritor anglo vasco Edward Rosset en su biografía sobre la vida del cantante Luis Mariano, publicada en el año 2004 por la editorial “Mundo Nuevo Conocido” condensa la vida y la obra del artista con el siguiente pensamiento: “Luis Mariano, convoca en su persona tantos perfiles, que ayudan a que su tumba tenga flores frescas durante todos los días del año Ese aura convirtió al artista, de excelentes dotes para el canto, en un mito viviente”

RAMON SANABRIA

2009-06-19T19:01:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Ramón Gilberto Sanabria Rada, es un venezolano dedicado integralmente al ejercicio del arte declamatorio. Es natural de San José de Río Chico, municipio Páez del estado Miranda, exuberante región que conserva las más genuinas tradiciones afro caribeñas estacionadas en el litoral venezolano.Realizó estudios básicos en el Grupo Escolar “Lander” y en liceo “Las Mercedes” en San José de Rio Chico, graduándose de bachiller en el céntrico, popular y recordado liceo “Luís Espelozín”, institución docente donde presté mis servicios como profesora de castellano y literatura , desempeñándome como Jefe de Seccional, en los neurálgicos años 70s. Ramón Sanabria estudió en la Universidad Central de Venezuela (UCV) y en la Universidad de Miami, en el estado de Florida. Además, se aplicó a la música, al folclore y al teatro en la escuela “Enrique Benshimol”, iniciándose en el difícil y competitivo mundo del espectáculo, apadrinado por el tenor Mario Suárez, presentándose como declamador de poesía negroide, en la búsqueda de su propio perfil artístico, en una actividad tan definida por los artífices de este arte como lo fue el puertorriqueño Luis Palés Matos, el cubano Luis Carbonel y el venezolano Balbino Blanco Sánchez, arquitectos de este laborioso y excitante oficio.Sus primeras presentaciones hechas a través del prestigioso programa “Festival Criollo” que producía y orientaba el profesor Rafael Montaño por Radio Rumbos, le otorgaron jerarquía artística, categoría que incrementó con sus exitosas presentaciones en la audición “Juventud y Folclore” transmitida a través de Venevisión, que le permitió llegar hasta el gran público.Mediante la emisión de sonidos ancestral impregnado de una frondosa musicalidad, Ramón Sanabria, es al presente, el único venezolano que sigue con disciplina la tendencia extraída de las Antillas derivada de los movimientos de vanguardia y del gusto por lo negro, llevados al viejo continente por el fundador y padre de la negritud Aimé Césaire que en los años posteriores a la I guerra mundial permitió la irrupción en la arte y la literatura de Europa a artistas con estilos extraídos de esa característica.Estuvo por más de ocho años en “Brindis a Venezuela”, programa insignia del folclore venezolano que se transmitía por “Radiodifusora Venezuela, en horario estelar producido por Juvenal Sarmiento con el acompañamiento del poeta valle pascuense Victor Vera Morales y animado por los siempre bien oídos Alfredo Acuña Zapata y Pedro Montes. Durante esta temporada, Ramón Sanabria también actúo en el programa de la noche “Aquí Oscar” que se televisaba por Radio Caracas Televisión con la presentación y animación del desaparecido Oscar Martínez.Por muchos años ha estado al lado del cantautor Reinaldo Armas realizando giras por toda Venezuela y viajando a Colombia. Sanabria es un promotor cultural por antonomasia. La ciudad de Caracas, le ha visto en acción a través de programas elaborados por la dirección de gestión ciudadana de la alcaldía de Caracas. Ramón Sanabria es un actor natural. Actuó en la producción italiana “América de Noche” compartiendo escenario con Olga Teresa Machado y con el maestro Juan Vicente Torrealba en una producción italiana. Al mismo tiempo, ha recreado a sus conciudadanos en actos culturales donde él, como declamador ha presentado por la geografía nacional recitales auspiciados por el Consejo Nacional de la Cultura (CONAC).Constante en sus afanes por divulgar la esencia de la patria, en 1999, se asoció con Adilia Castillo para emitir a través de Radiodifusora Venezuela, el programa radial “Venezuela el llano y Tú”. Como artista ha viajado a Chile, Uruguay, Colombia, Argentina, Panamá, Costa Rica, Nicaragua, Curazao y en Estados Unidos. En este país audicionó en el “Miami Beach Auditórium y, también se presentó exitosamente en la “Casa de las Américas” de la ciudad de Nueva York. La labor discográfica de Ramón Sanabria es amplia. Su más reciente producción intitulada “Venezuela en Versos”, le reafirma como el heredero de los grandes de la declamación en América. Por su significativo aporte a los principios y valores de la nacionalidad, Ramón Sanabria se ha hecho acreedor a múltiplos y variados premios y reconocimientos. Entre estos están “Reconocimiento, Dirección de Cultura y Recreación “IPASME”, otorgado en marzo de 2006; Premio “Luís Brito Arocha”, San Mateo estado Aragua, 18 de noviembre de 2006; Galardón Nacional “Sol de Tuy”, Categoría Declamador del Año (Primeros Lugares de Sintonía ) con la Poesía “La Perra de Parra, Cúa, estado Miranda 26 de noviembre de 2006: Premio Nacional “Venus de Oro” categoría Declamador del Año, Caracas, 29 de abril de 2007; Premio Nacional “Varyneando de Oro” Declamador Internacional, Barinas, estado Barinas. 21 de junio de 2007; Orden Andrés Bello en su 1 era. Clase, otorgada por la Cámara Municipal del municipio Andrés Bello del estado Miranda, San José de Barlovento, 10 de noviembre del 2007.

MARIA GONZALO GODOY AGUIRRE

2009-06-19T18:58:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Mario Gonzalo Godoy Aguirre, es un valor intelectual ecuatoriano del Siglo XX, oriundo de Riobamba “cuna de la nacionalidad ecuatoriana”, capital de la provincia de Chimborazo, donde nació el 11 de diciembre de 1954, descollando desde su temprana edad como un acucioso y perseverante investigador de los anales musicales de Ecuador, su país de origen, y como fecundo e inspirado compositor de la música popular ecuatoriana.Mario Gonzalo Godoy Aguirre desciende de una importante familia avecindada en la “sultana de los andes” que por más de seis generaciones ha producido compositores y ejecutantes que le ha otorgado a Ecuador, y a la Provincia de Chimborazo, sitial de honor en el concierto de los grandes creador de la música popular y religiosa del Siglo XX.Director fundador de la Revista Chimborazo, Provincia Musical, ha escrito: La Navidad y los Reyes en Riobamba, Historia y origen del Carnaval, Florilegio de la Música Ecuatoriana, La Música en la Presidencia y Real Audiencia de Quito y Breve Historia de la Música en el Ecuador entre otros; asimismo, editó tres textos de Educación Musical para el Ciclo Básico de educación preuniversitaria y participó en la elaboración del Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana", en el marco de un proyecto internacional patrocinado por la Sociedad General de Autores de España. Mario Gonzalo Godoy Aguirre le ha incorporado música a poemas brotados de la inspiración de Pablo Neruda, César Vallejo, Miguel Hernández, Adalberto Ortiz y monseñor Leónidas Proaño. Entre sus composiciones musicales destacan: Misa Criolla, obra creada y editada en ocasión de la visita pastoral de S.S Juan Pablo II realizada a Ecuador; en fecha 29 de enero de 1985 y Cantata Navideña. Ha compuesto, además, temas relacionados con las raíces afro americana en la nación ecuatoriana; y, en este orden, publicó “Misa afroecuatoriana”. Igualmente, Mario Gonzalo Godoy Aguirre es un fecundo compositor de pasillos, sanjuanitos, danzantes, yaravíes, valses, tonadas, chigualitos, carnavales, aires típicos y baladas románticas, insertados en los orígenes de las manifestaciones humanas y sociales de la nacionalidad ecuatoriana, la más rica en expresiones populares de la extensa cordillera andina. Sus obras más conocidas en el campo de la creación de temas religiosos son: “Padre Nuestro" poesía del bardo José Cubiella y ”Solidaridad”, con texto de monseñor Leónidas Eduardo Proaño Villalba, obispo de Riobamba conocido en Latinoamérica como “pastor y profeta de la nueva evangelización”. Los temas enunciados se entonaron en la Santa Iglesia de Santo Domingo de Quito, cuando concluyó el Levantamiento Indígena de 1990.Mario Gonzalo Godoy Aguirre ha trabajado en el Proyecto Multinacional de Artes de la OEA, PROMUART, y en la Subsecretaría de Cultura de Ecuador, en temas relacionados con el arte y la cultura y como reconocimiento a su fervorosa entrega a la exaltación de los valores de la cultura en su más expresiva manifestación, el historiador y musicólogo Mario Gonzalo Godoy Aguirre se ha hecho acreedor a múltiples y justicieras distinciones y galardones nacionales internacionales. Al presente reside en Montgomery Village, MD., Estados Unidos de América, donde actúa como Director de Cultura de la Federación de Entidades Ecuatorianas en el Exterior y, alternativamente trabaja en la productora de televisión, Maguire Reeder Ltd., ubicada en Alexandria, estado de Virginia.

LORENZO HERRERA

2009-06-19T18:55:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Lorenzo Herrera nació en la aristocrática parroquia de Santa Rosalía, ubicada en el sector central de la ciudad de Caracas, el 2 de agosto de 1896. En 1923, la familia Herrera fija su residencia en la ciudad de Nueva York. Sus inquietudes artísticas las pone de manifiesto en la urbe neoyorquina; pero, en los primeros tiempos esta actividad no le ofrece satisfacciones de carácter económica, razón por la cual debe dedicarse a la realización de otros trabajos, sin olvidar el motivo esencial de su presencia en el país del norte. Su gran oportunidad se le presente cuando la compañía disquera RCA Víctor le ofrece un importante contrato para registrar en el acetato, en su voz, las composiciones que él ha compuesto en el transcurso de su estada en Nueva York.Lorenzo Herrera transformado en un exitoso compositor e intérprete de la música folclórica venezolana, además de registrar sus composiciones y voz con la RCA, también lo hace con el afamado sello Columbia. De esa época data su más famosa composición que en ritmo de pasodoble se conocerá con el nombre de “La Sultana del Ávila”, en homenaje a Caracas, su ciudad natal.En 1935 está de nuevo en Venezuela, donde cultiva su carrera intelectual y artística, constituyéndose en precursor de la interpretación del Bolero, ritmo que comunica espiritual y sensiblemente hechos de la cotidianidad, como el amor y el desamor, lealtad, traiciones y tristeza, todo ello expuesto sucintamente en letras empalagosas que fomentan sentimientos nostálgicos. Lorenzo Herrera condujo por la América sajona e hispana éste y otros ritmos de origen venezolanos.Lorenzo Herrera fue un inagotable compositor que tiene una autoría de más de 500 obras entre boleros, pasodobles, valses, guasas, joropos, quirpas, merengues criollos, pasajes y otros géneros. Entre sus composiciones destacan: Sultana del Ávila, Luisa, Josefina, Rosalinda, Juan José, El Bachaco, El Coletón, Mi Rancho, La Caldereta, Compae Pancho, La mula Rucia, Canta Ruiseñor, El primer amor, Chupa tu Mamey, Ya no sufras corazón, Vente pa´ ca mi negra, Caminito del llano adentro, Te creía buena, Alma venezolana, Venezuela, Pedro Migue y Musa aragüeña.Lorenzo Herrera, murió en la ciudad de Caracas, a los 64 años de edad, en 1960. Durante su existencia, dedicada íntegramente a Venezuela como creador de un estilo musical único e incomparable, nació lo más sublime del sentimiento de lo venezolano, porque identificado como estaba con su pueblo, él supo con palabras y matices naturales llegar a la profundidad del sentir nacional. Toda su obra está impregnada de galanura y tiene el indiscutible crédito de haber sido el autor que, con más riqueza le cantó a la ciudad de los techos rojos, y al pueblo de Venezuela, en su totalidad.Su voz, estilo y gracia únicos e inigualables, han quedado en el tiempo. Su recuerdo estará presente, en todas las generaciones de hombres y mujeres que, a través de sus ejecutorias forjan la gran patria de Bolívar.

TEOFILO R. LEON

2009-06-19T18:52:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Estudió música en los Teques, capital del estado Miranda, bajo la dirección del consagrado maestro Carlos Tablante y, posteriormente ingresó para cursar estudios en el antiguo Conservatorio de Música y Declamación de Caracas, en el presente, Escuela de Música “José Ángel Lamas”, donde recibió instrucción de música y solfeo por el maestro Vicente Emilio Sojo.Su formación musical y humanística fue amplísima, dominando a perfección todos los instrumentos de cuerda, entre ellos, mandolina, mandola, contrabajo, violín, cuatro y guitarra. De este último instrumento fue un consagrado ejecutante y un prodigioso maestro, que preparó a varias generaciones de venezolanos en el difícil arte de enseñar los complejos secretos que encierra la ejecución de la guitarra clásica.Teófilo R. León compuso un sinnúmero de obras musicales que hoy, son patrimonio de los venezolanos, entre los que se destaca el joropo “Urquía” compuesto para ser ejecutado por tres guitarras, composición única con dedicatoria al consagrado Raúl Borges. También creó en tiempos de vals Andreína, Luisa Amelia, Vanesa, Ausencia, la marcha a la Estudiantina Universitaria y el Himno Forestal. Su experiencia profesional la cumplió como intérprete de la “Banda Marcial Caracas” y como director de la “Banda Bolívar” de los Teques. Asimismo, juntamente con Luís Felipe Ramón y Rivera, Luís Simón Hernández, Carlos Bonnet y Nicolás Villamizar procreó en 1951, el “Quinteto PRO ARTE”, que tuvo entre sus objetivos, difundir pedagógicamente, la deleitable y vasta música venezolana.Este quinteto, se transformaría después de tres años en la “Orquesta Típica Nacional” donde por trece años se desempeñó como arreglista y primera mandolina.En 1959, le dio forma a la idea que germinó en Zuleika Gorrín, alumna suya, en el instrumento de la mandolina, y fue así como constituyó la “Estudiantina Universitaria”, exitosa institución cultural propiciada por la Universidad Central de Venezuela, ocupando hasta 1968 las importantes posiciones de arreglista y director de este grupo coral.Teófilo R. León desempeñó una encomiable labor como artífice de la Estudiantina Universitaria, superando todos los retos que las circunstancias impuso a esta colectividad musical. Fue, alternativamente, compilador, arreglista, docente e inspirador de las nuevas generaciones, que incorporados a los estudios universitarios para seguir carreras profesionales, se dejaron atrapar por la prédica que desde la Estudiantina Universitaria, les impartía el maestro Teófilo R. León, inspirado en su fidelidad hacia la música tradicional venezolana, sentimiento que modeló en el espíritu, mente y corazón de sus educandos.Teófilo R León fue un artesano de la cultura musical y un docente de grata recordación para sus discípulos, entre quienes están aquellos que se formaron en la Escuela de Mandolina que, aún funciona en Caracas, y sus pupilos que integraron desde 1959 la Estudiantina Universitaria de la Universidad Central de Venezuela. Él, dejó para la posteridad una vida ejemplar consagrada al estudio y al trabajo, actividades que desempeñó con maestría y profesionalismo, como todo lo que cimentó en su larga y meritoria existencia, consagrada en su totalidad al servicio de Venezuela.Sus hijos César y Freddy forman una descendencia creadora que materializó el ideal que honró la vida y la obra de Teófilo R León, como es la de difundir con fines pedagógicos, la versátil, rica y abundante música venezolana que a través de Disco y Producciones León, son los medios para exaltar los valores de la nacionalidad.La Estudiantina Universitaria de la Universidad Central de Venezuela, integrada por nuevos valores, ha rendido un justiciero homenaje al maestro Teófilo R.León al conmemorar 47 años de su creación. Bajo la experta y profesional conducción del profesor Orlando Gámez Arismendi, los integrantes de esta agrupación musical interpretan con arreglos del “maestro”, 15 creaciones de los más inspirados compositores de la Venezuela humanística y espiritual. Estas creaciones las intepreta con sentimiento y arte la Estudiantina Universitaria, en un CD que auspició y difunde la Universidad Central de Venezuela a través de la Dirección de Cultura de esta Alta Casa de Estudios.

FREDDY LEON MOLINA

2009-06-19T18:49:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Freddy León Molina es hijo de Teófilo R. León consagrado compositor ya fallecido, quien legara a la posteridad un mosaico de partituras, donde apreciamos con orgullo venezolanista, el trepidar de lo más profundo del alma nacional. Junto a su padre, Freddy León Molina comenzó sus primeras clases de piano. Después, bajo la experta dirección del profesor Raimundo Pereira, estudió este instrumento hasta sus culminar sus estudios en la Escuela Superior de Música de Caracas, Venezuela.Freddy León Molina, con su hermano César León Molina, por más de cuatro décadas se entregó con disciplina de orfebre, a la eficaz y plausible obra de rescatar, divulgar y dignificar las expresiones más puras del sentimiento venezolano.Catalogado como el más versátil productor de música venezolana, el pianista, compositor y arreglista, Freddy León Molina fundó en 1970, el sello discográfico LEON, destinado exclusivamente al registro de temas nacionales; y en este orden, incursionó en todos los géneros musicales que conforman la variada creación nacional.En Freddy León Molina, la música venezolana encuentra la razón y motivo de su existir. Su amplia experiencia en esta disciplina lo llevó a concretar la idea fundamental de toda su obra: con la National Philarmonic Orhestra of London bajo la reputada dirección del maestro de maestro Frank Barber, produjo, editó y puso en circulación la serie “Suite en Venezuela”, obra señera que integra espiritualmente a Venezuela en un solo canto, a través de seis discos compactos.Estas producciones, amén de otras, numerosísimas, han tenido como único patrocinante a Freddy León Molina, quien sin mecenazgo de naturaleza alguna, proyecta hacia la cima del éxito, obras geniales de autores autóctonos, engalanadas con la sobria y magistral ejecución tanto de la National Philarmonic Orhestra of London como de la Real Orquesta Filarmónica de Madrid.En recompensa al esfuerzo realizado, el autor, artista y venezolano excepcional: Freddy León Molina, ha recibido en su meritoria existencia, innumerables premios, reconocimientos, condecoraciones y, el respeto, y la admiración de sus compatriotas que le conceptúan como un venezolano de catálogo.

OLGA TERESA MACHADO

2009-06-19T18:43:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Dentro del pentagrama musical venezolano, surge en la década de los cincuenta, época de lucimiento de lo música latinoamericana, junto a figuras que el tiempo consagraría como íconos de la canción popular, la refulgente estrella de Olga Teresa Machado.Desde la edad de 5 años, cuando participó en el programa radial “El país de los niños”, a través de Radiodifusora Venezuela, está actuando en los escenarios más importantes de Venezuela y América.Oriunda de Santa Teresa, laboriosa población del estado Miranda, situada en el paraíso vegetal de los frondosos Valles del Tuy, el 19 de diciembre de 1940, al presente ha cumplido más de cinco décadas cultivando el arte, en sus diversas manifestaciones para solaz de quienes admiramos el talento de esta versátil artista, poseedora de una cálida y sugestiva voz que personaliza en cada una de sus interpretaciones.Años de esfuerzo, madurez interpretativa y una ferrea disciplina son los factores que han contribuido a conservar la originalidad de la voz de Olga Teresa Machado, colocada en el presente a la altura de los más consagrados intérpretes de la canción popular latinoamericana.Producciones León, ha incorporado a su extenso, original y único catálogo de música venezolana, una inédita compilación de las grabaciones hechas por Olga Teresa Machado a través de toda su historia musical. Registros sonoros respaldados por excelentes acompañamientos musicales que le otorgan a cada una de ellas, una inconfundible interpretación.Olga Teresa Machado ha alternado con sobresalientes ídolos de la canción popular del continente tales como Nat King Cole, Marco Antonio Muñiz, Libertad La Marque, José José, Luisito Aguilé, Simón Díaz, Mario Suárez, Alfredo Sadel, Lila Morillo, Magdalena Sánchez, Rosa Virginia Chacín, Rafael Montaño y Carlos Almenar Otero entre otros.Producida por el pianista y compositor Freddy León ha llevado al acetato canciones inolvidables tales como “Una casa portuguesa” de los compositores Arturo Fonseca, R. Ferreira & V. M. Sequeiro; “Si vas a Calatayud”, obra del repertorio popular internacional proveniente de la “Leyenda de la Dolores” con letra del escritor español Salvador Valverde y música de Ramón Zarzoso; “Crepúsculo Coriano” del poeta Rafael Sánchez López; “Caballo Viejo”, con letra y música del consagrado Simón Díaz; ”Tu boca”, danza de Armando Molero y “Cuando me faltas tú”, inspiración de Manuel Ramos, entre otras.Perseverante en el arte, Olga Teresa Machado se ha destacado como bailarina de todos los géneros y, en este orden organizó y dirigió la compañía “Danzas Latinoamericanas”. También actuó en el cine venezolano a finales de la década de los cincuenta y comienzo de los sesenta. De esa época se le recuerda en el film “Yo y las mujeres” con guión de Carlos Bosques y Alberto Cuevas, con la dirección de Giussepe Scotese, al lado de Amador Bendayan, Susana Duijm, María Luisa Lamata y Graciela Henríquez

RAFAEL MONTAÑO

2009-06-19T18:41:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

El 14 de agosto de 1926 nace en Macarapana, parroquia perteneciente al municipio Bermúdez del estado Sucre, Rafael Montaño Marcano, descendiente del matrimonio formado por los esposos Rafael Montaño Vásquez y Petra Marcano de Montaño.Rafael Montaño Marcano es un personaje que, con el correr de los tiempos se transformó en el más sobresaliente de los intérpretes de música folclórica venezolana durante la segunda mitad del siglo XX que, en el presente, desarrolla la más significativa de las facetas de su múltiple actividad profesional.Maestro de escuela en sus inicios, fue preceptor y director de educación del antiguo distrito Bermúdez. Perifoneador de estaciones de radiodifusión sonora, hizo escuchar su palabra a través de Radio Carúpano, Radiodifusora Nacional de Venezuela y Radio Continente entre otras; profesor de educación secundaria y superior, actúa como docente en el Instituto de Mejoramiento Profesional del Magisterio (Universidad Pedagógica Libertador). A la par, se ejercitó entre 1978 y 1993 en las funciones de Asistente de Relaciones Públicas, Jefe de Personal, Supervisor Jefe del Departamento del Vice-Rectorado de la Universidad Nacional Experimental Politécnica en Puerto Ordaz, estado Bolívar, institución de educación superior de la cual fue docente por más de 18 años y jubilado honrosamente en mayo de 1993.Por más de cinco décadas Rafael Montaño Macano ha transitado por todos los caminos de Venezuela, dejando escuchar en su sonora voz los aires musicales de la patria. Su personalidad artística, jamás ha estado divorciada de la posición que desde su temprana juventud adoptó frente a la vida. El, es un venezolano integral impulsado y orientado hacia objetivos y metas previamente definidas, con percepciones y creencias cognoscitivas. Aquí, Rafael Montaño Marcano ha impuesto su natural actitud conductual provista de acciones razonadas, que en muchas oportunidades le ha colocado al margen de convencionalismos; pero su tenacidad le ha permitido confrontar con éxito estas eventualidades, superando la cotidianidad.Rafael Montaño Marcano es un triunfador. Seguro de si mismo, siempre ha hecho gala de una auto-estima envidiable que le ha colocado por encima de quienes con gesto y portes arrogantes, pretendieron en su tránsito vivencial imponerle criterios sancionadores. Genuino en todas sus manifestaciones, cada acción suya le reafirma como un ser dado al servicio.Casado con Gertrudis Velásquez (Doña Tula), procreó a: Roberto Rafael, Renny José, Mayra Trinidad y Luis Alberto. La muerte de uno de sus hijos: Renny José, le privó de una sólida columna en su existencia, y aquí, hemos de coincidir con la escritora Christine Longaker, cuando afirma que las cuatro tareas básicas para experimentar con plenitud la vida y la muerte son: 1) darnos cuenta de que el sufrimiento existe y que se puede transformar en una experiencia de plenitud; 2) mantener una comunicación con nosotros y con los demás, donde nos expresemos con todo nuestro ser, y fundamentalmente, con nuestro corazón, lo más compasivo y libre de apego que podamos; 3) prepararnos espiritualmente para la muerte, lo que implica el ser capaces de vivir en el momento presente, sin dejar situaciones inconclusas que sólo han de constituir un lastre que incrementará nuestro dolor y sufrimiento y el de quienes nos rodean y 4) encontrar significado a nuestra existencia, sintiéndonos seres plenos a pesar de nuestras imperfecciones, aceptando nuestros errores y expiando los que podamos haber cometido.Estas cuatro verdades de Christine Longaker, las experimentó Renny José, por ello, él no ha muerto, y está en el esplendor de la gloria, preparando el camino que hemos de andar, para el gran día del encuentro con quienes antes de nosotros se marcharon para hacer tiempo de que discurriera la misión que debemos cumplir como adelantados de la gracia divina en esta parte del universo.Rafael Montaño Marcano es un paradigma de vida. Un patrimonio de la dignidad. Consecuente con los principios que profesa, como maestro de escuela fue tesonero al transmitir a sus pupilos ejemplos de vida austera, existencia familiar acorde con los valores que recibiera de sus padres y desarrollo epistemológico, para adentrar a sus educandos en la complejidad del existir humano.Es, asimismo, un experto y consagrado comunicador social. Fue en esta actividad donde comenzó a descollar como juglar, engalanando con su voz y con su personalímismo estilo, las más sentidas melodías del folclore venezolano. Jotas, décimas, malagueñas, polos y galerones encontraron expresión en la voz de Rafael Montaño Marcano. Su registro de voz se acopló perfectamente al compás lento del melancólico galerón, así como también a la triste y melancólica melodía de la jota, en temas relacionados con los quehaceres del mar y del amor.Su discografía es extensísima. Muchos temas expresados en su voz, son únicos: “Mar y llano”, “Caraqueñita”, “Solo con las Estrellas” “Galerón Margariteño” “Ramoncito en Cimarrona” “Aguacerito llanero” “La lágrima” entre los más populares, conjugan un patrimonio humano y cultural que deberá ser evaluado por las generaciones del presente y del porvenir.Su vida artística data del 8 de abril de 1951, oportunidad cuando intervino como intérprete de temas folclóricos por la recién inaugurada Radio Carúpano antigua emisora propiedad de Luis José Arreaza Almenar; y, el 15 de junio de 1955, se deja escuchar nacionalmente por los micrófonos de la caraqueñísima Radio Continente.Después, llegarían los éxitos. Son inolvidables sus presentaciones televisivas en el Show de las Doce, programa meridiano que conducía con singular acierto el recordado y popular Víctor Saume, y el Show de Renny Ottolina, por el Canal 2 de Radio Caracas Televisión. También se presentó en programas de alta factura y calidad por Televisa. Fue locutor de consagrados productos comerciales con amplio espectro entre la población venezolana, en la década de los años 50s y 60s: Manteca los Tres Cochinitos, Ace, Fortuna, Kaki Palo Grande, entre otros, se constituyeron en comerciales de generosa difusión.La labor de difusión cultural emprendida desde sus inicios por Rafael Montaño Marcano ha abarcado muchos horizontes. Folclorista integrado al conjunto criollo “Los Torrealberos” desde 1955, impuso de la mano de Juan Vicente Torrealba “El golpe” como aire musical alterno a otras manifestaciones folclóricas. Del mismo modo, en 1962, fue solista en el papel de “Florentino” en la “Cantata Criolla”, obra inspirada por el talento creador del maestro calaboceño Antonio Estévez, que integra el poema sinfónico del mismo nombre, cuya autoría corresponde al bardo barinés Alberto Arvelo Torrealba. Esta cantata fue ejecutada por la Orquesta Sinfónica de Venezuela en el escenario del Teatro Municipal de Caracas.Las actuaciones artísticas de Rafael Montaño Marcano han trascendido los límites de su país. Como Solista del Orfeón Universitario de la UCV estuvo entre 1962 y 1964 de gira por los más importantes estados de la Unión Americana. Sus actuaciones se diversificaron en todos los estratos de la sociedad estadounidense. Estuvo en 18 universidades, Naciones Unidas, Organización de Estados Americanos, Rockefeller Center, Radio City Music Hall, The Memorial Hospital y Catedral de San Patricio en la ciudad de Nueva York.México le vio y aplaudió en 1973 junto a Juan Vicente Torrealba. Su voz retumba en el claustro de la UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México, en Ciudad de México. Además se presenta en Xochimilco, Tasco y Veracruz.Su actividad profesional no escapa a su preocupación social. Funda y actúa desde 1950 como directivo del Sindicato de Radio, Televisión, Cine, Teatro y afines del Distrito Federal y Estado Miranda. Asimismo, acompaña a Alfredo Sadel en la constitución de la Asociación Venezolana de Artistas de la Escena, ( AVADE), en 1957.En toda su extensa vida profesional Rafael Montaño Marcano ha hecho de la radio un medio para dar a conocer los valores de la nacionalidad. “Festival Criollo” y “Brindis a Venezuela”, se constituyeron en ventanas para que se asomaran los nuevos valores de la cantata nacional. Estos programas fueron inspirados en la fecunda labor solidaria de Rafael Montaño Marcano como fundador y presidente del gremio de folkloristas de Venezuela, quien juntamente con Juvenal Sarmiento y Victor Vera Morales, dieron existencia a este proyecto; primero, a través de Radio Rumbos, y luego, por los canales de Radiodifusora Venezuela.Rafael Montaño Marcano ha sido concejal y director de Cultura del distrito Caroní en el estado Bolívar y, actualmente, produce, dirige y transmite por Radio Carúpano el programa “Rafael Montaño y sus invitados”.Próximo a festejar junto a su esposa, hijos, familiares, amigos de su intimidad y el pueblo donde se encuentran sus innumerables admiradores de ayer y siempre, 82 de años de venturosa existencia, Rafael Montaño Marcano es, en el presente, un paradigma en plena trascendencia. Un forjar de juventud.Consagrado al arte es un icono de valores que ha sido reconocido nacional e internaciolmente, mediante placas, diplomas, homenajes y condecoraciones, entre las que destacan: Orden al Mérito al Trabajo, en Primera Clase. Orden Francisco Bermúdez, Primera, Segunda y Tercera Clase, Guaicaipuro de Oro, otorgado en cinco (5) oportunidades. Carreta de Plata, Cali, Colombia. Florentino de Oro. Mara de Oro. Maracayaes de Oro, otorgado en dos (2) oportunidades. "La voz Dominicana" Plato de Plata. Canaima de Oro. Orden Honor al Mérito “Don Ricardo Montilla”, otorgada por el Ejecutivo del estado Guárico, Venezuela. Orden “Samán de Aragua”, Clase Única, Estado Aragua. Diplomas y placas de reconocimiento otorgadas por Universidades e instituciones sociales. Ha viajado a República Dominicana, Curazao, Aruba, Colombia, Estados Unidos de Norte América, Puerto Rico, Argentina, Brasil y México.En su madurez absoluta, Rafael Montaño Marcano, ha recibido por parte de sus conciudadanos y sus instituciones representativas, homenajes que constituyen reconocimiento a su labor pedagógica, y a valores que representa como ciudadano ejemplar e icono de la familia artística venezolana en el siglo XX.

MARIO SUAREZ

2009-06-19T18:36:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

El 19 de enero de 1926 nace en Maracaibo, floreciente y pujante capital del estado Zulia, Mario Enrique Quintero Suárez, el más auténtico de los intérpretes de música popular actuante en Venezuela desde los años 40 del último siglo hasta el presente, transformándose en un personaje que por más de 6 décadas se adentró en el sentimiento popular latinoamericano, primero como un vocalista virtuosísimo que expresó los más sublimes sentimientos del amor, como un elegante exponente del bolero, en los comienzos del auge de la era dorada de este singular género; después como el cantante por antonomasia de la tonada en Venezuela, con la orientación del compositor Juan Vicente Torrealba, y tercero, como arquitecto de su destino artístico musical.Nacido para cantar, según la conseja de su tía Ángela, desde muy pequeño comenzó a hacer sentir su arte, entre sus íntimos. Era fácil para memorizar melodías y letras de canciones que entonaba en el tránsito que diariamente recorría desde el predio donde habitaba con sus progenitores y hermanos, hasta el centro de Maracaibo.En la búsqueda de su cometido frente a la existencia, aún adolescente arriba a Caracas, la alborozada capital venezolana. Su presencia en la divertida metrópoli le motiva para desarrollar con mayor vigor, la actividad que ha venido cultivando desde sus primeros años y que, ahora, en el presente, encuentra cauce en el profuso movimiento artístico que se despliega en la ciudad de los techos rojos, que con su sortilegio embriaga y atrapa a muchos que como él van en demanda de éxito tanto en ésta como en otras artes.Compartiendo sus actividades como artesano de sastrería, Mario Suárez llega a presentarse en programas radiales de aficionados y en actos festivos donde su presencia se hace habitual hasta que en 1943, el cantante lírico Teodoro (Teo) Capriles lo presenta al profesor Ángel Sauce quien le incluye como solista en el Orfeón “Juan Manuel Olivares”, donde debuta en el prestigioso Teatro Nacional al lado de los consagrados Berta Moncayo y Pepe Pito. Ese mismo año es incorporado como bolerista a la orquesta Billo´s Caracas Boy´s.En 1946, el pionero de la radiodifusión venezolana, don Ricardo Espina, lo recomienda a Pedro Vargas, el Tenor de las Américas, quien al escuchar a Mario Suárez interpretando a “Nocturnal”, la conmovedora composición de José Mújica y José Sabre Marroquin que, en su voz, se dejó escuchar en todo el ámbito latinoamericano, consagrándole como un sobresaliente integrante del exclusivo club de los boleritas de América, expresó: “Es motivo de orgullo y satisfacción para mi, presentar esta noche a un joven que algún día llevará el nombre de Venezuela como yo llevo el nombre de México. Su voz no tiene nada que enviarle a cualquiera de nosotros. Su nombre es Mario Suárez, y si ustedes lo aplauden, como lo hacen conmigo, voy a quedar muy agradecido, muy agradecido, muy agradecido”.Ese mismo año da inicio a sus estudios formales de música, con el patrocinio de Radio Caracas Radio. Entre sus profesores están Vicente Emilio Sojo, Ángel Sauce y Alfredo Holader. Esta formación profesional que adquiere en la antigua Academia de Música Santa Capilla, auténtica médula desde donde saldrán las figuras emblemáticas de la composición, ejecución y vocalistas de Venezuela con determinante influencia en una buena porción del siglo último en Venezuela como Antonio Estévez, Evencio Castellanos, Víctor Guillermo Ramos, Gonzalo Castellanos, Inocente Carreño, Antonio Lauro, Carlos Enrique Figueredo, Moisés Moleiro, Luís Felipe Ramón y Rivera, José Clemente Laya y Blanca de Méscoli, le permite colocarse al lado del cantante y compositor italiano, Tito Schipa, de grata recordación en los países latinoamericanos donde convivió e interpretó para orgullo de esas naciones música de compositores nacionales.En 1950, juntamente con los gremialistas Sótero Rodríguez, Carlos Lander y Antonio Ríos funda y preside por un semestre la Federación Unificada de Trabajadores de Venezuela. En 1950, acompaña al tenor José Mojica y, en Colombia, recibe el tratamiento de “Cantante Extranjero del Año”.En 1953, Mario Suárez transitoriamente abandona la música popular, incorporándose al conjunto “Los Torrealberos”, organización musical que, desde finales de la década de los 40s, estaba dedicada a rescatar los valores musicales autóctonos, proyectando la música folklórica venezolana en composiciones musicales inolvidables con temas poéticos inspirados por autores que se consagrarían en el tiempo como los inspiradores de generaciones de creadores, que colocaron a la música venezolana en los más altos niveles de la exigente preferencia de los públicos latinoamericanos.Entre otros compositores sobresalen: Germán Fleitas Beroes y Ernesto Luís Rodríguez quienes inspirados en las faenas llaneras llevaron al pentagrama la más sencilla de sus expresiones, conformando un arco iris de belleza donde la voz de Mario Suárez logró imprimirle autenticidad interpretativa trasformándola en éxitos aún vigentes.La generosidad de Mario Suárez es proverbial. Bajo su abrigo emergió un sin numero de artistas, animadores, creadores y compositores que descollaron con el tiempo como auténticos valores de la música en sus mas variados géneros. Esta espontánea generosidad suya se ha manifestado en todas las expresiones de su actividad como artista; ciudadano ejemplar y padre de familia excepcional; comportamiento que le ha generado por parte de sus innumerables admiradores respecto y consideración que se manifiesta en cada oportunidad que el artista tiene de presentarse al público para exteriorizar su arte.La Fundación Internacional José Guillermo Carrillo, biblioteca del siglo XX, ha compilado un hacina de canciones diseminado por la orbe terrestre que, con el correr de los tiempos, ha registrado en su espléndida voz don Mario Suárez, que estamos ciertos podemos compartir con los admiradores de este incomparable artista, quienes tendrán la oportunidad gracias a los adelantos tecnológicos de escuchar y continuar admirando a un valor de este siglo, que traspasó las fronteras de su patria Venezuela, para colocarse entre los favoritos del sentimiento de todos aquellos que admiramos y apreciamos sus innatas facultades como juglar de la canción latinoamericana.Mario Suárez ha sido el intérprete venezolano de mayor proyección mundial. El ha cantado para el príncipe Ali Akbar Khan, Josefina Baker, Tom Jones, Mario Moreno “Cantinflas”, Andrés Eloy Blanco, Dolores del Rió y Tito Schipa. Por sus accionar como embajador de Venezuela ante el mundo ha recibido 12 discos de coro como reconocimiento a sus millonarias ventas y es poseedor de más de 500 placas de reconocimiento a su labor artística-pedagógica. En su portentosa carrera profesional ha grabado boleros, valses, pasillos, bambucos, tonadas, pasajes, baladas, danzas y contradanzas que, en suma, alcanzan a más de mil registros sonoros compilados en noventa selecciones discográficas que incluye E.E. L.P y CD.En el transcurso de su extensa actividad profesional como cantante del género popular Mario Suárez ha estado acompañado por las orquestas y directores de mayor cartel en el ámbito musical latinoamericano como Luís Alfonso Larrain y su Orquesta, Billo´s Caracas Boy´s, Aldemaro Romero y Orquesta, Jesús Sanoja y Orquesta, Arnoldo Nali y Orquesta, Aníbal Abreu, Jose Sabre Marroquin, Adolfo Guzmán, Álvaro del Mar, Conjunto “Los Torrealberos” de Juan Vicente Torrealba, Cándido Herrera, Henry Rubio y Amado Lovera, entre los más destacados.Mario Suárez se elevó no sólo como intérprete de la cantata nacional, sino también como actor de cine en diversas caracterizaciones, locutor de radiodifusión, animador y floreciente empresario y gremialista. Fue presidente de la Asociación Venezolana de Artistas de la Escena AVADE por dos períodos, donde desarrolló una meritoria labor en pro del rescate y definición de los valores artísticos de Venezuela en los inicios de un período de globalización mal entendida, que despojaba a su país de sus valores tradicionales, añadiéndole elementos extraños que distorsionaban la formación integral de los ciudadanos en formación. Además, es integrante de la Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela, (Sacven) y del Sindicato de Trabajadores de Cine, Radio, Televisión y afines del Distrito Federal y estado Miranda. Fue el artista insignia de la imagen de la recién inaugurada Televisora Nacional en noviembre de 1953.Mario Suárez nacido para cantar, siguió la ruta que le trazó la tía Ángela: “Canta, canta siempre” y eso es lo que ha hecho desde pequeño, cuando en la ciudad de Udón Pérez comenzó a hacer sentir su arte y su invariable calidad humana. Mario Suárez, por sus ejecutorias es patrimonio artístico y musical de Venezuela y figura de relieve d el Siglo XX.

SIMON DIAZ

2009-06-19T18:28:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

La crítica especializada ha considerado a Simón Díaz como el cantautor más celebrado de Venezuela y uno de los más importantes de indoamérica.Nacido en Barbacoas, estado Aragua, Venezuela, el 8 de agosto de 1928, desde sus primeros años se reveló como un artista natural.Sus actuaciones iniciales las cumplió en su pueblo natal, ampliándolas, en sus años de adolescente, en la ciudad de San Juan de los Morros, donde inició la bien ganada popularidad que ha conservado durante los muchos años de su provechosa actividad como artista y ciudadano de bien.Durante todo este tiempo, Simón Díaz participó como animador en las principales fiestas celebradas en San Juan de los Morros, escuchándose en su bien timbrada voz, vocalizaciones de ritmos pegajosos, entre ellas, el bolero, cuyas letras y melodías nostálgicas inspiradas por romanceros andariegos constituyeron estímulo para avivar en las emociones y sentimientos propios de los enamorados.Al final de la década de los cincuenta, Simón Díaz emprende el camino que lo conduciría al éxito en la ciudad de Caracas. Aquí inicia una fase muy importante en su carismática personalidad artística: la de comediante, desplegando formas histriónicas que le colocarán como un personaje de primera magnitud en el firmamento artístico venezolano; pero, el dominio de la escena que posee este artista sin par, no ha de encerrarse en la caja de resonancia donde se produce algazara por las gracias que despierta la picaresca de este instintivo comediante; y, así lo avistamos produciendo y animando un programa de combinación entre lo social y lo humano: “REINA POR UN DIA”, programa televisivo que transmitió Radio Caracas Televisión en los inicios de la década de los sesenta. Este, fue un programa esencialmente bondadoso, que dignificó frente a las cámaras de televisión, a la decorosa mujer que habita en la barriadas populares de nuestras ciudades, gratificando por un día, sus sacrificios de madre y de mujer, estimulándolas para que con su ejemplo de integridad, sobrellevaran el sacrificio de sus existencias.“REINA POR UN DIA” hizo historia en la TV venezolana y fue, junto a obras de cine y teatro un gran caudal de haberes positivos que Simón Díaz ha obsequiado a su patria y a la raza indoamericana, además, nuestro artista ha actuado en tres obras de teatro como actor, en cinco largometrajes, donde fue figura estelar. También, produjo doce programas para la TV con comprobada sintonía, esbozados en pro de la difusión y conocimiento de la música nacional.Asimismo, el polifacético Simón Díaz, entendió desde sus primeras actuaciones como artista comprometido con el sentir y pensar de su pueblo, la importancia que significaba retomar el camino de la múltiple, variada y compleja música venezolana, sumida en abandono total, después de las importantes jornadas cumplidas por compositores, intérpretes y músicos en la década de los cincuenta.Simón Díaz hizo gala de su carácter de hombre sencillo, sin complejo, para expresar los elementos rítmicos, musicales y armónicos que hacen de la música venezolana la más bella de nuestro continente.“Rumbos, Coplas y Canciones”, fue el título de este programa radial que por más de veinticinco años mantuvo juntamente con otros folcloristas en el aire, constituyéndose en factor decisivo para el renacer de nuevos intérpretes, compositores y sellos disqueros.Simón Díaz ha sido el autor por excelencia de un ritmo obsequioso y sentimental, proferido en la alborada de cada día por el hombre del llano venezolano, al comienzo de su diaria faena: la tonada. A este ritmo melancólico, Simón Díaz agregó poemas de una sencillez impresionante, y expresadas en lenguaje propio de nuestros hombres de tierra adentro, e impregnadas de una insondable belleza natural, mancomunadas al sentimiento de todos aquellos que las hemos disfrutado, como por ejemplo, el cineasta de origen español Pedro Almodóvar quien incorporó “la tonada de luna llena”, a una de sus celebradas producciones fílmicas.Simón Díaz por sus múltiples y meritorios trabajos como creador y artista ha sido distinguido con el “Gran Cordón” de la Orden de El Libertador. Ha estado en Francia, Inglaterra, España, Polonia, Hungría, Irak, Estados Unidos, México, Panamá, Puerto Rico, Ecuador, Chile, Brasil, Cuba y Colombia, entre otros países, donde con dominante dignidad ha representado a Venezuela, su patria.A Simón Díaz se le conoce en el ámbito artístico internacional como el autor de la composición musical “Caballo Viejo”, obra musical popularizada entre otros por Roberto Torres, Hugo Blanco, María Cristina Pradera, Ray Conniff, Julio Iglesias, Celia Cruz, Gilberto Santa Rosa, Gipsy Kings, Tania Libertad, María Dolores Pradera, Martirio, Rubén Blades y Oscar de León.La cadena televisiva A&E Mundo produjo en “Biography” una bien seleccionada reseña de la vida y obra de Simón Díaz, icono musical de Hispanoamérica.

JUAN VICENTE TORREALBA

2009-06-19T14:04:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Juan Vicente Torrealba es el compositor venezolano de mayor proyección internacional durante la segunda mitad del último siglo. Nació en Caracas, el 20 de diciembre de 1917. Sus padres, Santana Torrealba Silva y María Esperanza Pérez, lo trasladaron cuando apenas cumplía ocho meses de edad, hasta el hato Banco Largo, ubicado en la población de Camaguán, jurisdicción del antiguo distrito Miranda del estado Guárico, lugar donde transcurrió su infancia y juventud.Sus primeros años son los propios del ambiente llanero. Su aprendizaje le enseñó a conocer al hombre arquetipo de su medio, encontrando salida a sus inquietudes en el ejercicio de las ocupaciones agitadas del hato. Desde sus primeros años se instruyó en la doma de potros, el acarreo del ganado, tirar el cuchillo, atravesar a nado los caños cercanos, presentando cada día un nuevo desafío y combate a la naturaleza, tales fueron los ejercicios que practicó el joven Juan Vicente. Su agilidad y destreza en los trabajos de campo unidas a su fuerza corporal, le dieron influjo sobre peones y compañeros.En días festivos recorre las poblaciones cercanas: Cazorla, Guayabal, San Fernando, Corozopando y Calabozo, donde el adolescente asiste a bailes de joropo para admirar a cantadores y bailadores que con arpa, cuatro y maracas estallan en pajarillos, yaguazos, pasajes, seis, quirpas, zumba que zumba, periqueras, gabanes, chipolas, carnavales, guacharacas y otros aires y, como hombre moldeado en las costumbres campestres del llano, asiste a terneras, peleas de gallos y a los toros coleados.Esta actividad total le impedirá asistir a la escuela de manera formal; pero, esto no será de importancia para el adolescente, porque ha coordinado su cuerpo y mente para la tenaz lucha y para el éxito. Él, será por toda su existencia, un frontal hombre de triunfo. Este encuentro con la naturaleza le inspira en sus afanes de músico y compositor. Aprende a tocar la guitarra, presentándose a la edad de 18 años, en 1935, en la Casa de Comercio de La Unión, pequeña población del estado Barinas que hace límites con los estados Portuguesa, Cojedes y Guárico, en Venezuela, donde interpreta la composición del guitarrista cubano Benito Antonio Fernández Ortiz (Ñico Saquito), “Cuidadito compay gallo, cuidadito”; pero, esta afición por la guitarra, prontamente se extinguiría y, para ello, influyó el haber conocido y presenciado los impecables ensayos del concertista de guitarra Rodrigo Riera.Después, Juan Vicente Torrealba experimentaría con el cuatro para adentrarse en su madura juventud, en la ejecución del arpa, fomentando con su hermano Arturo y con su hijo Santana, en 1947, el conjunto de música llanera denominado “Los Torrealberos”.Al frente de este conjunto, Juan Vicente Torrealba viaja a Caracas, donde comienza por hacer sentir los ritmos llaneros, interpretados de manera estilizada y, así surge, el gran poema de la llanura: “Concierto en la llanura”, que le consagrará como un eximio compositor.Sus primeras grabaciones se dejan escuchar en las estaciones de radiodifusión sonora de mayor sintonía en Venezuela. “María Laya”, de la autoría de Ignacio “Indio” Figueredo y M. Hurtado, en la voz de Magdalena Sánchez, es su éxito popular de presentación. Incorpora a su conjunto las voces masculinas y femeninas de mayor transcendencia en el cancionero popular venezolano: Josefina Cornieles, Ángel Custodio Loyola, Magdalena Sánchez, Pilar Torrealba, Mario Suárez, Rafael Montaño, Héctor Cabrera y Rudy Hernández.Al éxito musical de Juan Vicente Torrealba, contribuyen los poetas guariqueños Germán Fleitas Beroes y Ernesto Luis Rodríguez, quienes conciben letras poéticas en armonía con la creación torrealbera, otorgándole significación y coherencia al conjunto, en su totalidad. De esta combinación germinarán las bellas creaciones de la música venezolana durante los años 50, 60, 70 y 80. Rosario, Luna y lejanía, Barquisimeto, Mujer llanera, Madrugada llanera, Secretos de amor, La paraulata, Valencia, Volverás, Caminito Verde, Mujer guayanesa, Muchachita sabanera, Pasaje Número 8, Primaveral, Esteros de Camaguán, La llanura, Muchacha de ojazos negros, Secretos de amor, Junto al Jagüey y Valencia son exigentes melodías producidas por esta trilogía de creadores irrepetibles fuera del límite de su exitosa asociación.Artista consagrado, Juan Vicente Torrealba, actúo en los programas de televisión de mayor audiencia en Venezuela: “El Show de las doce”, “El Show de Renny Otolina”, y “Renny Presenta”En todo su trabajo artístico como ilustre embajador de la música latinoamericana, Juan Vicente Torrealba ha hecho presentaciones musicales en toda la geografía venezolana y ha viajado a España, Francia, Suiza, Italia, Portugal, Estados Unidos, México, Colombia, República Dominicana, Argentina, Paraguay, Panamá y Puerto Rico, actuando, además, en repartos fílmicos del cine mexicano y venezolano en las cintas “Los muertos no hablan”, 1958; “La guarida de los buitres”, 1958, “Alma llanera”, 1955 y “La fiera”, 1978, en compañía de Antonio Aguilar, Flor Silvestre, Agustín Isunza, Daniel Herrera, Ángel Infante, Joaquín García Vargas, Manuel Capetillo, Gustavo Rodríguez, Orlando Urdaneta, Doris Well, Daniel Alvarado, América Barrios y José Bardina entre otros.En 1971, registró basado en sus estudios realizados en Alemania sobre principios de la música electrónica, el LP titulado “Rapsodia Llanera”. En 1985, experto en esta combinación, inicia lo que será la más interesante de sus experiencias como solista y concertista, cuando actúa con orquestas sinfónicas y de cámara.Siempre dedicado a la creación musical Juan Vicente Torrealba, en 1976, sustituye al conjunto “Los Torrealberos”, con una innovación suya. Plasma una orquesta bailable donde combina en un solo ritmo compases de salsa, pasaje llanero y samba brasileña. A este ritmo le asignó el nombre de Ritmo Súper 80”. Con este grupo, Juan Vicente Torrealba registra un L.P. que rotuló con el nombre de “Juan Vicente Torrealba y su Ritmo Súper 80”. En 1977, tiene la iniciativa de registrar en el álbum “Italia In Ritmo Tropicale”, un grupo de selectas creaciones, donde experimenta con Henry Rubio, Luis Cruz, José Petit, Pedro Gómez, Juan Vicente Torrealba, hijo, Luis “Tata” Guerra y Francisco Segovia, la renovación de ritmos, incorporados a estos auténticos íconos de la música tradicional italiana de todos los tiempos.Guaglione de Giuseppe Fanciulli & Nicola Salerno, Piccolissima Serenata de Gianni Ferrio & Antonio Amurri, Serenata de Enrico Tosselli, Reginella Campagnola de Eldo Di Lazzaro, O Sole Mio de Eduardo Di Capua, Quando M’Innamoro de Daniele Pace, Mario Panzeri & Roberto Livraghi, Luna Rossa de Vian de Crescenzo, Torna a Sorrento de Ernesto de Curtis, Chella llà de Sandro Taccani & Umberto Bertini y Chitarra Romana de Eldo Di Lazzaro & Bruno Cherubini, son los títulos de este álbum de colección. Desde 1981 estuvo unido a Sonográfica, disquera que le mantiene inactivo hasta 1986, cuando el artista opta por su total retiro.Juan Vicente Torrealba es un venezolano universal, una de las cien personalidades latinoamericanas más destacadas en el Siglo XX. Profesor Honorario de la Academia Militar de Venezuela con más de 45 condecoraciones nacionales e internacionales. En noviembre de 1992, le fue otorgada la “Orden del Libertador”, máxima distinción de Venezuela, destinada a premiar los servicios distinguidos prestados a la Patria; antes, el ministerio de Educación le confirió la “Orden Andrés Bello” en Primera Clase. Al mismo tiempo, es Patrimonio Cultural de la Música Universal y en Xalapa, capital del estado de Veracruz en México, una calle, un parque y una plaza llevan el nombre de este ilustre venezolano.El 10 de mayo de 2007, la fundación “Luis Alfonzo Larraín” que preside el profesor Carlos Torres Parentti, auspiciada por la Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela (SACVEN), en el escenario de la sala “Ríos Reyna” del teatro “Teresa Carreño” le homenajeó con ocasión de festejar su nonagésimo aniversario de existencia y el septuagésimo segundo aniversario de vida artística, en un homenaje nacional que congregó a sus amigos y admiradores. La Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, con la experta conducción del maestro Antonio Delgado, ejecutó las más cálidas y emotivas creaciones sinfónicas de Juan Vicente Torrealba; y, Rummy Olivo, Ana Evelia y Carolina Torrealba, Lucía León, Ely Zapata, Arpas Infantiles, Escuela de Danza Nacionalistas, Así es mi Tierra, Fundación Cultural Escuela de Folklore Hermanos Olivo, Escuela Abierta de Joropo "Daniel Cabrera" y el Conjunto "Los Torrealberos", destacaron la singular obra musical del homenajeado. Análoga distinción le fue hecha el 2 de octubre de 2007, por el Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM), en el mismo escenario del teatro “Teresa Carreño”.Juan Vicente Torrealba es un autor multifacético que ha superado las trescientas composiciones, entre las que destacan Concierto en la llanura, Sinfonía en el Palmar, Caraqueñita, Sabaneando, Noches de Porlamar, Sublime inspiración, Por el camino real, Los garceros, Dulce pasión, Camino de la esperanza, Sueño azul, San Fernando, Indios en la llanura, Desilusión, Pastoril, Llora corazón, La guayaba, Palmarital, Tempestad en el palmar, Mentiras, Mi gran amor, La jardinera, El tranquero, Rosa Angelina, Sueño azul, Aquella noche, La paraulata, El araguaney, La potranca zaina, El maraquero, Muchachita sabanera y Sinfonía en el palmar; alcanzando, asimismo, una centena de producciones fonográficas.Juan Vicente Torrealba a la edad de noventa y un años, continúa como un reconocido embajador de la cultura nacional en los más exigentes escenarios artísticos del mundo.

TINO ROSSI

2009-06-19T13:58:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Constantino Rossi, conocido artísticamente como Tino, nació en Ajaccio, Córcega, Francia, el 29 de abril de 1907. Desde muy joven se convirtió en tenor del cabaret francés y en uno de los grandes ídolos románticos de su época. Dotado de una voz operística, fue por su presencia y tipología un verdadero “Latin Lover”.A lo largo de su extensa carrera artística, Tino Rossi registro sonoros en el acetato centenares de melodías, exhibiéndose en más de 25 cintas cinematográficas, entre las que destacan “Nuits moscovites, Les” rodada en 1934, “Marinella” en 1936. Todas sus películas son musicales y capitalizadas en su éxito como cantante y en 1953 actuó en la producción titulada “Si Versailles m'était”, producción fílmica dirigida por el creador de origen ruso Alexandre Georges-Pierre Guitry , conocido internacionalmente como Sacha Guitry.Sus baladas románticas conquistó a miles de corazones enamorados. Sus interpretaciones de la colección de las canciones de Jules Massenet y Reynaldo Hahn. Ejecutaba la guitarra y cantaba en una variedad de pequeños lugares en su ciudad natal de Ajaccio antes de avecindarse en la mediterránea ciudad de Marsella, desde donde se desplazó para actuar en los principales clubes de la Costa Azul.A principios del decenio de 1930 se radicó en París, obteniendo en pocos años de duro batallar un gran cartel. A ello contribuyó su contratación por la Columbia Records que, entre sus estrellas contaba con Lucienne Boyer, Damia, Mireille y Jean Sablon.Tino Rossi con el significativo aporte del compositor Vicente Scotto impuso su característico estilo.Antes del estallido de la II Guerra Mundial. Tino Rossi era una de las principales atracciones de taquilla en el mundo de habla francés. En 1938 viajó a Estados Unidos y Canadá. En Estados Unidos actuó en comedias musicales.En 1946, su canción “Petit Papa Noël” vendió más de treinta millones de ejemplares en todo el mundo. Un clásico de Navidad para la familia, la canción todavía se vende por miles cada temporada.Durante la ocupación de Francia por la Alemania nazi, la carrera artística de Tino Rossi alcanzó su punto culminante, sobre todo con “Mon amour est près de toi”, editada en 1943 y L'Île d'amour que data de 1944. Consumado el movimiento de liberación francesa, las autoridades le reprocharon su asociación con los invasores alemanes. Por esta causa fue arrestado en octubre de 1944, estando en prisión por algún tiempo. Tras un juicio que se llevó a cabo en 1945, recibió una leve condena.Terminado este impase, Tino Rossi se concretó fundamentalmente a su actividad como vocalista. En 1947 se casó con Lilia Vetti.En 1982, por su determinante contribución a la cultura de Francia, el presidente François Mitterrand le otorgó la condecoración como de la Legión de Honor. Ese mismo año, Rossi dio su última ejecución pública en el Casino de París, un espectáculo que la demanda popular se convirtió en una temporada tres meses.Tino Rossi murió de cáncer de páncreas en 1983 en Neguilla-sur-Sainé, Hauts-de-Seine, Francia. Su cuerpo regresó a su país natal para el entierro en la parcela familiar que la familia posee en el cementerio de Ajaccio en el cementerio local.En su ciudad natal se designó a una calle y el puerto de vela con su nombre y en Nogent-sur-Marne, en el río Marne en París, existe la plaza “Tino Rossi Square”.

JEAN SABLON

2009-06-19T13:55:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Hijo del compositor Adelmar Sablon y con la influencia de sus hermanos Marcel, André y Germaine compositores los primeros, y destacada cantante de cabaret la última, Jean Sablon, conocido desde el comienzo de su portentosa carrera artística como “El Rey de los cantantes franceses”, estudió piano en el Liceo Charlemagne y, antes de graduarse, se inscribió en el reconocido Conservatorio de París con la finalidad de ampliar sus conocimientos musicales a objeto de dedicarse a la exitosa actividad donde destacaría fundamentalmente, como vocalista de la “canción del bulevar”.A la edad de 17 años inició sus actuaciones en centros nocturnos de la bulliciosa ciudad de Paris. Después, estaría acompañado por la legendaria pianista, compositora y acriz Mireille Hartuch, cuya composición impregnada de nostálgica y poesía “COUCHÉS DANS LE FOIN” se transformó en una novedad musical para la época.Posteriormente se asoció, con Jeanne Bourgeois, actriz, cantante de “Variété Française”, conocida en el ambiente parisino con el popular apelativo de “La Mistinguett”, debutando en el Café de Paris, en 1923.En el invierno de 1933-1934 actúo en Niza, con la célebre y legendaria Josephine Baker y el guitarrista de origen belga Jean Baptiste "Django" Reinhardt. Además, hizo registros sonoros en 1934 con algunas de las celebridades de la época como André Ekyan, el violinista Stéphane Grappelli y Michel Warlop, imponiendo en el gusto del público melodías eternas como “Ce Petit Chemin” “Ferme Jusqu'à Lundi” y “Puisque Vous Partez en Voyage”.Jean Sablon, durante su estancia en los Estados Unidos aprendió de los crooners de este país el uso del micrófono como elemento indispensable para ampliar el sonido, y así poder llegar hasta la profundidad del escenario. Él, en 1933, demostró que no bastaba la potencia de la expresión oral para comunicarse con la multitud, era necesario, en la escena, el uso de este importante instrumento y, de esta manera fue su precursor en los escenarios de la actuación francesa.Sugerente, melancólico e insinuante Jean Sablón inauguró el camino que recorrerían con el correr de los años otros vocalistas franceses como Charles Trénet, Yves Montad, Jean Ferrat, Gilbert Becaud y Charles Aznavour.A mediado de los borrascosos años veinte, viajó a Brasil donde se impuso por su estilo sobrio, íntimo, susurrantes y nostálgico aderezadocon matices embellecedores que penetran en los sentidos de quienes tuvieron la oportunidad de disfrutar su presencia y de sus innumerables registros sonoros.En 1937 obtuvo “El Grand Prix du Disque” por su extraordinaria interpretación de la melodía "Vous qui passez sin me voir", inspirada en la combinación creativa de Charles Trénet y del escritor Johnny Hess.Con pleno dominio de la escena francesa y europea, viajo a Estados Unidos, donde audicionó para la cadena CBS y realizó los registros sonoros que existen en el idioma inglés. En Broadway, se destacó al lado de los célebres compositores Cole Porter y George Gershwin.Antes del estallido de la gran conflagración mundial retornó a Francia; sin embargo, por lo cruento del conflicto, tuvo que abandonar a Paris, avecindándose nuevamente en América, donde permaneció hasta la erradicación de este holocausto.En América vivió en Brasil y Argentina donde popularizo melodías que aún permanecen en la memoria de muchos amantes de la buena música “Vous, qui passez sans me voir”, “Ma mie”, “Rendez-vous, sous la pluie”, “Je tire ma reverance”, “Ces petites choses”, “Le doux caboulot” y J´attendrai”, entre otras. Durante su recorrido por Buenos Aires, Mar del Plata, Rosario, Córdoba y Mendoza estuvo acompañado por – las orquestas de Ken Hamilton, Dante Varela, Dajos Bela y Vieri Fidanzini, actuando en estudios de radio, teatros y clubes. De esta visita data su éxito “Insensiblement”.Jean Sablon es, al presente, uno de los más aclamados cantantes franceses, y está considerado como el segundo en popularidad, después de Maurice Chevalier. Además está considerado como un destacado autor y compositor.Poca fue su actuación en el cine, quizá el artista tenía animadversión hacia este masivo medio de comunicación y esparcimiento. Pero, desde los inicios de la década del 30, comprendió la importancia masiva de la radio, herramienta que supo aprovechar a lo máximo para impulsar su carrera artística. Entusiasta por el jazz, utilizó una buena parte de sus años de adolescencia para sintonizar estaciones radiodifusoras del exterior exterior, aficionándose de este novedoso invento de la humanidad.En su primer viaje a Estados Unidos se presentó en programas de radio y, en 1934 actuó en un programa de sintonía mundial a través de la B.B.C. Londres. En 1936tuvo destacado desempeño en Radio Burdeos, donde obtuvo su primer reconocimiento radial por la emisión del programa “Variedades Cadium”. También trabajó para las emisiones de “Radio Luxemburgo” y “Radio Normandía”. Esta experiencia la repetiría en la cadena norteamericana de radio “NBC”, donde transmitió el programa intitulado “The Magic Key”, programa que a su vez se transmitiría a través del hilo telefónico a todas las capitales europeas. Programa que la NBC radiodifundió de costa a costa. En 1938, actúo para el Hit Parade de Lucky Strike”.Jean Sablon, no sólo administró sus propios programas de radio en Estados Unidas y Brasil, sino que también fue estelarísimo invitado a otros programas de similar formato. Estuvo con Eddie Cantor en su Show, en el Burns, Allen Show, el “Philco Salón de la Fama” y la “La Taberna de Duffy” entre otros.Además, se le escuchó en muchas capitales del mundo a través de Radio Tánger, Radio Cadena Nacional de Colombia, Victoria de Radiodifusión, Australia, FB Harare, Zimbabwe, Radio Belgrano, Argentina, Radio Carve, Uruguay y Radio Hong Kong. Su discografía está contenida en más de un centenar de discos de Vinyl y muchos discos compactos. Entre sus canciones más conocidas están Un Amour Comme le Notre con Germaine Sablon, Can I Forget You?, Cette Chanson est pour Vous, La Chanson des Rues, J'Suis Pas Millionaire, Je Sais que Vous Etes Jolie!, Je Suis Sex-Appeal, Je Tire Ma Reverence, Le Mem Coup, Par Correspondance, Paris, Tu N'as Pas Change, Plus Rien N'Existe, Un Poisson dans L'Eau, Rendez-Vous Sous la Pluie, The Continental, Si Tu M'Aimes, Stardust, Sur le Pont D'Avignon, Two Sleepy People, Ce Petit Chemin, Darling Je Vous Aime Beaucoup, Rendez-Vous Sous La Pluie, Un Seul Couvert Please James, We Can Live On Love, Rhum And Coca Cola, Ah ! Le Petit Vin Blanc, Ce Petit Chemin, Puisque Cous Partez en Voyage, Vous Avez Déménagé Mon Cœur, La Dernière Bergè, Rendez-Vous Sous la Pluie, Miss Otis Regrets, Un Seul Couvert, Please James, Ces Petites Choses, Seul, La Chanson des Rues, Il Ne Faut Pas Briser un Rêve, Plus Rien N'Existe, Melancolie, Pour Vous J'Avais Fait Cette Chanson, Le Doux Caboulot, J'Ai Ta Main, Two Sleepy People, Paris, Tu N'As Pas Changé, Le Fiacre, La Valse au Village, Allez Lui Dire Que Je l'Aime, Rêverie, Mon Village Ay Clair de Lune, Je Tire Ma Révérence, Ma Mie, Symphonie, C'Est le Printemps, La Chanson des Rues, Laura, Rhum et Coca-Cola, Quel Beau Jour Pour Moi, Utrillo, Libellule y La Maisonnette, entre las de mayor difusión y perdurabilidad. Su actuación de despedida la realizó en la ciudad brasileña de Río de Janeiro en 1983.Jean Sablon murió el 24 de febrero de 1994, en Cannes. Sus restos mortales reposan en el cimetière du Montparnasse, en París.

PAUL MAURIAT

2009-06-19T13:51:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Paul Mauriat, es uno de los grandes directores de orquesta del Siglo XX.Nacido en la ciudad portuaria de Marsella, capital del departamento de Bocas del Ródano y de la región de Provenza, el 4 de marzo de 1925, se formó bajo el influjo de la ciudad puerto más importante del mediterráneo . En esta ciudad del mediodía francés inició su actividad como creador y organizador de su gran orquesta, liderando esta banda durante los años de la gran contienda en Europa.En la década de los 50s Paúl Mauriat fue director de los más sobresalientes cantantes de la época: Charles Aznavour, Maurice Chevalier y Mireille Mathieu.Desde 1957 Paúl Mauriat, entra al fascinante mundo de las grabaciones sonoras. Este año registra su primer E.P., donde compila para el sello RGM cuatro pistas de éxito inmediato. Su producción musical fue incesante. La banda con un estilo pop fue introduciéndose en el gusto de todos los públicos, constituyéndose en la de mayor éxito en la década de los 60s, con la denominación “Paul Mauriat et son Orchestre”, además, para traslucir el sentido universal de sus creaciones, adoptó una serie de pseudónimos que también se hicieron populares: “Richard Audrey”, “Nico Papadopoulos”, “Eduardo Ruo” y“Willy Twist” entre los más utilizados.Paul Mauriat, en 1968 sorprendió al mundo musical con su siempre vigente “Love Blue” tema del compositor y arreglista francés André Charles Jean Popp, que permaneció durante años en la cartelera de los éxitos discográficos de los Estados Unidos y de otras naciones.Por muchos años permaneció asociado al sello discográfico Phillips que produjo su extensa, variada y emblemática discografía. Algunos de los registros sonoros de Paúl Mauriat son reelaboraciones de compositores y escritores de música; pero, Mauriat incorpora a esas composiciones elementos de cuerda y sintetizadores que, en unidad con la percusión, hacen de lasgrabaciones de este excepcional artista, auténticas creaciones.Su última presentación como concertista fue en 1994 en la ciudad de Osaka, en la isla de Honshu, Japón.Compositor de exquisita sensiblidad y arreglista de primera magnitud, Paúl Mauriat murió a la edad de 81 años, el 3 de noviembre de 2006 en Perpignan, al sur de Francia.La humanidad siempre le recordará, como un esforzado artista que consagró toda su existencia al cultivo y perfectibilidad del espíritu, llevando a todos los públicos obras musicales imperecederas. “Le Grand Orchestre de Paul Mauriat” ya no existe, pero el nombre de Paul Mauriat ha quedado registrado en los anales de la historia musical de la humanidad, y sus innumerables registros sonoros constituyen acervo documental para el cultivo del espíritu, e inspiración, de las generaciones del porvenir

JULIO JARAMILLO

2009-06-19T13:48:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Julio Jaramillo, el consagrado intérprete de “Nuestro juramento” nació el 1 de octubre de 1935 en Guayaquil, capital de la provincia de Guayas. Hijo de Pantaleón Jaramillo y de Apolonia Laurido, oriundos de la localidad de Machachi, provincia de Pichincha, se habían avecindado en Guayas, la más rica de las provincias ecuatorianos, ubicada en la llanura central de esta exuberante nación situada frente al majestuoso Océano Pacífico.Además, de Julio Alfredo, los cónyuges procrearon a Julio y Pepe y, a una hermana que falleciera poco después de su nacimiento. Recibió sus primeras enseñanzas en la Escuela Francisco García Avilés, institución que lleva el nombre del antiguo alcalde de Guayaquil y, en el Colegio Mercantil, establecimientos docentes que escucharían junto a su hermano Pepe, su excepcional voz, vocalizando registros musicales de los populares Daniel Santos, Carlos Gardel y Armando Moreno. Ignacio Toapanta, un versátil maestro de música, le enseñaría el arte de la guitarra y, el destino, le proyectaría hacia la conquista de corazones y sentimientos por lo ancho y largo del continente indo-americano.Profesionalmente Julio Jaramillo se inició en Radio Cóndor, donde conoció y estrechó una provechosa amistad con Rosalino Quintero, el más auténtico de los ejecutantes del requinto en América; pero, sería durante sus actuaciones en Radio América, cuando verdaderamente entraría en la historia musical del continente, al intimar con Carlos Rubira Infante, expresión del pasillo ecuatoriano, autor de las bellas canciones de este género, con experiencia en la canción popular ecuatoriana, quien le enseñaría la técnica vocal que, después le haría triunfar como intérprete de los más disímiles géneros de América, entre los que destacan ritmos tan variados como boleros, tangos, milongas, vals, pasillos, pasajes, rancheras y melodías provenientes del género clásico.A los veinte años registró el yaraví “Mi madre querida” y “Mi corazón”, históricamente consideradas como sus primeras grabaciones. En estos registros estuvo acompañado por Fresia Saavedra Gómez conocida como la “Jilguero de oro”; y, de la mano de su maestro, Carlos Rubira Infante registró el pasillo intitulado “Esposa”, con la impecable actuación de Rosalino Quintero. Los registros precedentes, pasaron inadvertidos hasta que apareció “Fatalidad”, un tema que grabó en marzo de 1956 para el sello Victoria de Medellín, Colombia, que constituyo la carta de presentación internacional de este novedoso cantante. De este tema, combinación de vals peruano y pasillo ecuatoriano se vendería durante la primera semana más de seis mil copias.Entre 1956 y 1959 Julio Jaramillo grabó otros temas de éxito: “Te odio y te quiero”, “Interrogación”, “Rondando tu esquina” “Hojas muertas”, “Elsa” “Arrepentida” y "Carnaval de la vida", entre otras, todas de gran éxito discográfico. Consagrado en su país natal, Jaramillo viajó a Colombia, donde experimentaría la notoriedad ya cultivada en Ecuador. “Nuestro Juramento”, la canción del consagrado compositor boricua Benito de Jesús, le abrió las puertas del éxito y del triunfo continental.En la década de los sesenta visita y se radica en Venezuela, donde convive con la idiosincrasia nativa. Su mayor producción musical la realiza en este país, armonizando con su agradable y profesional voz las más sentidas creaciones del cancionero popular, clásico y folclórico de Venezuela. Destacó, entre estas canciones, la inspiración del compositor Valentín Carucí, de quien hizo auténticas creaciones.Después de residir en Venezuela se trasladó a México y, finalmente, a Ecuador. El zorzal ecuatoriano murió en su Guayaquil natal el 9 de febrero de 1978. Más 200 mil personas se conglomeraron para despedir al más acreditado intérprete de la canción popular latinoamericana: Julio Jaramillo.

PERCY FAITH

2009-06-19T13:40:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Percy Faith, director de orquesta, arreglista, compositor y pianista, nació en Toronto, Provincia de Ontario, Canadá, el 7 abril de 1908, se naturalizó estadounidense, en 1945. Comenzó su actividad artística como ejecutante del violín y el piano a la edad de 7 años, a los 10, ejecutaba a perfección estos instrumentos realizando sus estudios profesionales en la Academia de Canadá y, a la edad de 14 años, iniciando sus esudios de perfeccionamiento con el maestro Frank Welsman quien para la época era un consagrado concertista de piano en Canadá.Percy Faith después de concluir sus estudios en el MCT, debutó en el “Massey Hall” en la ciudad de Toronto, en 1923 interpretando obras de Franz Liszt, debut que se constituyó en un sonado éxito artístico. Desafortunadamente, un terrible accidente le dejó gravemente afectadas sus manos, lo que frustró sus aspiraciones de convertirse en concertista.Acto seguido se adentró en los estudios de dirección orquestal y composición. Además, comenzó a realizar arreglos musicales que, prontamente, le cotizarían como un estelar arreglista. En la radio CKNC de Canadá trabajó con la orquesta de Geoffrey Waddington. Su propia actividad como director orquestal y arreglista comenzó en CKCL, estación radial donde dirigió ‘The Simpsons', en 1927, además de otros programas estelares.En 1933, trabajó para la CRBC (CBC) en Toronto y en los años comprendidos entre 1935 a 1938 trabajó en “Gaiety y Romance", "Mardi Gras","Cosmopolitans", "Streamline", " Bandas de todo el Mar”. La transmisión de los programas radiales en territorio de Estados Unidos, hizo que Percy Faith se trasladara a Chicago como director musical, donde trabajo para la cadena radial NBC. Entre 1946 a 1949 actúo como director musical de Coca-Cola. También trabajó en la cadena radial CBS.Su constante y variada actividad musical le llevaría de Nueva York a los Angeles donde fue arreglista y director de la Columbia Records en los años 1950-159 y 1960-1976.En 1974 Percy Faith creó un premio para el estímulo de estudiantes de música en las Universidades de Toronto, Jerusalén y del Sur de California. Percy Faith en el transcurso de la década de los 40, compuso innumerables obras para piano, coro y orquesta. Esta actividad la compartió con el séptimo arte donde dejó una estela de éxitos en los films “Tammy Tell” y “Me Trae” “Más bien me Be Rich”, de los Estudios Universal; “El Amor de las diosas de Continental, en 1964; “El Tercer Día” de Paramount, en 1965 y “Love Me” de MGM, en 1955. Percy Faith en el transcurso de su carrera artística y como arreglista y director de la Columbia Records, secundó a grandes celebridades de la canción popular como Guy Mitchell, cantante pop de origen croata, al ítaloamericano Tony Bennett. Durante su extensa carrera musical Percy Faith editó 45 álbumes tipo L.P., y para el recuerdo sus insuperables interpretaciones de “Moulin Rouge”, “Tema de Un Lugar de Verano", “Romeo y Julieta” “Theme For Young Lovers”, “Rhythm Of The Rain”, Five Hundred Miles”, “Moonlight in Vermont”, “Quiéreme mucho” de Gonzalo Roig, “Siboney” de Ernesto Lecuona, “Marta” de Moisés Simons, entre otros.Percy Faith murió en la localidad de Encino, California, Estados Unidos, el 9 de febrero de 1976 y sus restos reposan en The Hillside Memorial Park Cemetery in Culver City, California. Cerca de 29.000 páginas con composiciones y arreglos de Percy Faith están depositadas en la universidad “Brigham Young”, en Provo, Utah.

CARMEN SEVILLA

2009-06-19T13:36:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Actriz y cantante española, nació en Sevilla, el 16 de octubre de 1930. Hija de Antonio García Padilla, reconocido letrista musical vinculado por muchos años al inagotable poeta Rafael de León y letrista preferido del autor Juan Mostazo Morales. Además, fue nieta de José García Rufino, el cronista satírico español de mayor preeminencia durante una buena parte del siglo XX español, conocido con el apelativo de “Don Cecilio de Triana”. La familia García Galisteo se avecindó en 1940 en Madrid, donde María del Carmen realizó estudios elementales, asistiendo a la academia de baile y canto que regentaba la profesora Laura de Santelmo, discípula del maestro José Otero Aranda, experta en la ejecución de la “castañuela”. Es en este ambiente totalmente flamenco, donde la pequeña Carmen optó por sustituir su nombre familiar por el artístico de “Carmen Sevilla” con el que recorrerá el mundo.En 1943, a la edad de trece años debuta como "bailaora" en el espectáculo teatral "Rapsodia española” que dirigía Estrellita Castro. En este programa actuó juntamente con Paquita Rico y Ana Esmeralda. Cuando arribó a la edad de quince años, fue contratada por la empresa del Cantaor, cancionero, bailaor y actor Enrique Castellón Vargas conocido como “El Príncipe Gitano”. Después formaría parte de los cuerpos de bailes folklóricos de Enrique Castro y Paco Reyes.En 1947 a la edad de diez y ocho años, interviene fugazmente en el film “Serenata española” del Director, guionista, productor y actor cinematográfico Juan de Orduña. En 1948, con la dirección de don Fernando de Fuentes estelariza junto al consagrado Jorge Negrete, el largometraje “Jalisco canta en Sevilla”, donde, además destacan las actuaciones de Gabriel Algara, Antonio Almorós, Manuel Arbó, Francisco Bernal, Trío Calaveras, Ángel de Andrés, Morenito de Talavera, Manolo Escudero, Custodia España, Casimiro Hurtado, Rufino Inglés, Leonor María, Arturo Marín, Mercedes Muñoz Sampedro, Ena Sedeño. Armando Soto La Marina, Jesús Tordesillas y Gitanillo de Triana.Esta realización constituiría un notable éxito de taquilla desde su primera exhibición efectuada el 31 de enero de 1948.Otros éxitos se incorporarán a su radiante carrera cinematográfica. En 1949 rueda “La guitarra de Gardel” del guionista y director León Klimovsky donde comparte estelaridad con Agustín Irusta, Antonio Casal, Jorge Cardoso, Trini Montero, Héctor Pontón y Juana Mansó entre otros. “Filigrana” de Luis Marquina con Concha Piquer, Fernando Granada, Carlota Bilbao, Enrique Núñez, Alberto Romea, Fernando Aguirre, Miguel Gómez, José María Mompín, María Victorero, Luis Hurtado y Mariano Asquerin. En 1950 surge “Cuentos de la Alhambra”, del director Florián Rey con guión de Fernando Alarcón, basada en una historia del novelista norteamericano Washington Irving.En 1951 protagoniza, junto a Luis Mariano, “El sueño de Andalucía” del cineasta Luis Lucia. Asimismo, encarna en el film “La hermana San Sulpicio” a Gloria Alvar González en la versión de este cine drama de 1952, con la dirección de Luis Lucia. Ese mismo año protagoniza “Un caballero andaluz” de Lucia, con la intervención en rol estelar de Jorge Mistral. “Violetas imperiales” será otro gran éxito de taquilla. Para cerrar estos afortunados años, actúa en las películas “La bella de Cádiz” de los directores Raymond Bernard y Eusebio Fernández Ardavín, rodada con el título original de “La belle de Cadix” que se constituirá en el gran éxito de 1953.En México participó junto a una constelación de actores y actrices de prestigio internacional en la producción “Reportaje” del director Emilio “Indio” Fernández. En esta constelación de están: Arturo de Córdova, Roberto Cañedo, Miguel Ángel Ferriz, Pedro Infante, Manuel Fábregas, Rafael Galindo, Víctor Parra, Víctor Manuel Mendoza, Beatriz Ramos, Pedro Infante, María Félix, Jorge Negrete, Luis Aldás, Gerardo Muñoz, Rafael Banquells, Tito Novaro, María Elena Marqués, Columba Domínguez, Julio Villarreal, José Elías Moreno, Domingo Soler, Armando Silvestre, Miguel Arenas, Carlos López Moctezuma, Marcelo Chávez, Germán Valdés, Lola Flores, Meché Barba, Fernando Soler, Pedro Vargas, Rebeca Iturbide, Luis Procuna, Andrés Soler, Esther Fernández, Carmen Montejo, Miroslava y Croix Alvarado.En 1954 rueda “La pícara molinera”, “Congreso en Sevilla” y “La fierecilla domada” con Alberto Closas, Claudine Dupuis, Raymond Cordy, Manolo Gómez Bur, Jacques Dynam, Luis Sánchez Polack, Joaquín Portillo, Raoul Billerey, Manuel Guitián, Gianni Musi, Lisardo de Ayala, Luisa Moneró, Manuel Alcón y Pedro Valdivieso, es su más significativa cinta de1955. Su estreno data del 23 de junio de 1956.Satisfecho a plenitud el mercado, y las expectativas en su país, Carmen Sevilla corre tras el reconocimiento de su arte por los públicos internacionales. “El amor de Don Juan” del guionista y director John Berry con diálogos de Juan Antonio Bardem y las estelarísimas actuaciones de Fernandel, Fernando Rey, Erno Crisa, Christine Carère, José Sepúlveda, Manolo Gómez Bur, Teófilo Palou, Pedro Valdivieso, Hebe Donay, Mercedes Rueda, Matilde Artero, Luis Torrecilla, Juan Olaguivel y José María Rodríguez, es su cinta de presentación fuera de España.Otras cintas serían rodadas al final de esta década. Juan Antonio Bardem la dirige en el drama “La venganza”. Aquí, comparte con Jorge Mistral y Raf Vallone la estelaridad del film. “Pan, amor y ... Andalucía” cinta de 1959, la consagrará junto a Mario Carotenuto, Peppino De Filippo, Rodolfo del Campo, Miguel Del Castillo, Vittorio De Sica, Columba Domínguez, Julio Goróstegui, Pastora Imperio, José Nieto, Lea Padovani, Dolores Palumbo, Vicente Parra, Vitoria Parra, Carmen Sánchez, Jacinto San Emeterio y Josefina Serratosa como una actriz de raigambre y acercamiento popular.En 1961 se incorpora al reparto de la realización histórica “King of King” del director norteamericano Nicholas Ray con guión de Philip Yordan. En esta película caracteriza en el drama de la pasión a “María Magdalena”. Sus compañeros en la filmación son los más sobresalientes actores y actrices del momento: Jeffrey Hunter, Siobhan McKenna, Hurd Hatfield, Ron Randell, Viveca Lindfors, Rita Gam, Brigid Bazlen, Harry Guardino, Rip Torn, Frank Thring, Guy Rolfe, Royal Dano, Robert Ryan y Edric Connor. Ese mismo año actúa en “El Secreto de Mónica”, de José María Forqué con guión de Jaime de Armiñán. En esta cinta Carmen Sevilla adquiere una postura más severa como actriz, lo que le faculta para intervenir con mayor deshago en caracterizaciones dramáticas.Pero, esta nueva visión de su arte, la aísla de su base popular, por lo que tiene que reformular su disciplina de trabajo, incorporando su cartel, a producciones con temas más allegados a la esencia popular. Con la cinta “El balcón de la Luna”, bajo la dirección de Luis Saslavsky, con guión de Jorge Feliu y José María Font, y la actuación de Lola Flores, Paquita Rico, Paloma Valdés, Manuel Monroy y María Asquerino entre otros de igual valía y trayectoria, inicia este ciclo intermedio de su carrera como actriz.Después llegaría, en 1964, “Crucero de verano”, de Luis Lucia y, “Camino del Roclo”, de Luis Gil y guión de Rafael de Diego, la une a otro coloso de la actuación: Paco Rabal. Luego, filmaría en México, “La guerrillera de Villa”, en 1969, del cineasta Miguel Morayta con guión de Fernando Galiana.“El relicario” con la dirección de Rafael Gil y, finalmente, “Un adulterio decente” con Fernando Fernán Gómez, guión de Rafael J. Salvia, basado en un texto de Enrique Jardiel Poncela y dirección de Rafael Gil.Trascurrido este interregno, Carmen retorna a la actuación dramática, que se afianzará con los film “Antony and Cleopatra” de Charlton Heston, donde personificó a Octavia. Esta producción congregó a Charlton Heston, Hildegarde Neil, Eric Porter, John Castle, Fernando Rey, Juan Luis Galiardo, Freddie Jones, Peter Arne, Luis Barboo, Fernando Bilbao, Warren Clarke, Roger Delgado, Julián Glover y Sancho Gracia. “Nadie oyó gritar”, que data de 1973, con la dirección de Eloy de la Iglesia. “La cera virgen” de José María Forqué. “No es bueno que el hombre esté solo” de Pedro Olea. “La loba y la paloma” de Gonzalo Suárez, que reúne a los internacionales Donald Pleasence, Michael Dunn, Muriel Catalá, Aldo Sambrel y José Jaspe.Carmen Sevilla en el film “Rostro” se innovó como productora. Esta cinta estuvo dirigida por Juan Ignacio Galván basado en una historia de Juan Ignacio Galván y guión de Cecilia Bartolomé.Su vida sentimental estuvo unida al director, productor y creador musical Augusto Algueró, hijo, con quien contrajo matrimonio el 23 febrero 1961, procreando a Augusto José Algueró, músico compositor, arreglista y director de orquesta, nacido el 3 de junio de 1964. Divorciada, en 1976, contrajo matrimonio en 1985, con el ganadero y empresario cinematográfico Vicente Patuel Sánchez, quien falleció en Herrera del Duque, Badajoz, el 24 de abril de 2000.Por sus sobresalientes méritos como ciudadana ejemplar, al servicio de la humanidad, y artista de raigambre popular, Carmen Sevilla “La novia de España” ha recibido innumerables premios y reconocimientos nacionales e internacionales. Abarcar en toda su extensión la vida artística de esta actriz es una tarea difícil para una corta biografía.

ANTONIO MOLINA

2009-06-19T13:33:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

A la edad de 62 años, falleció en Madrid, Antonio Molina de Hoces, inagotable cantaor de la época de oro de la “Copla española”, elevado por el pueblo español a la cumbre de la gloria, al situarle como uno de los más grandes rapsodas de su tiempo, con una producción musical que sobrepasa los mil títulos.

Nacido el 9 de marzo de 1928, en el barrio obrero de Huelín, ubicado al lado oeste de Málaga, conocido popularmente con el nombre de “barrio perchelero de las Fatigas”, comenzó a muy temprana edad a ejercer oficios agotadores hasta que, en 1945, se avecindó en Madrid, donde cumplió un sinnúmero de faenas no acordes con sus inquietudes de artista.

Finalmente, se desempeña como camarero en centros nocturnos, con la expectación de encontrar oportunidades para demostrar en la práctica sus conocimientos, habilidades y sensibilidad de juglar. Frecuenta ambientes de esparcimiento nocturno frecuentados por personajes de la bohemia. Entre estos ambientes, elige uno en especial: “La Pañoleta”, emplazado en la calle de Los jardines entre Gran Vía y la Puerta del Sol, cuyo propietario Francisco Vega de los Reyes, “Gitanillo de Triana”, ha habilitado como lugar de esparcimiento para quienes gustan de la “fiesta brava”.

A este establecimiento asistían destacadas personalidades del mundillo artístico, cultural y del ambiente taurino. Muchas de estas notabilidades como Pastora Rojas Monje (Pastora Imperio), la más fiel exponente del folclore flamenco de todos los tiempos, Manuel Laureano Rodríguez Sánchez “Manolete” y el matador de toros Carlos Arruza, se hicieron asiduos de este establecimiento.

Por este tiempo conoció y frecuentó al logroñés José Blanco Ruiz “Pepé Blanco”, cantante de prestigio y renombre para la época. En 1947, se alistó como efectivo, en las fuerzas armadas, destinado a la Agrupación de Intendencia 1 de Pacífico. Discreto y metódico como era, Antonio Molina se dio a cumplir con todas sus obligaciones castrenses; pero, la vida militar es extrema y, el carácter vehemente del recluta, le hizo pagar los tradicionales castigos que imponen los supriores a quienes en la vida de cuartel no aceptan someterse a humillaciones e irrespetos a la dignidad y a a sus derechos. Esta especial circunstancia hace que Antonio conocido como “Antonio Málaga”, en el ámbito de cuartel, pague castigos depresivos. Sin embargo, la actitud jovial del conscripto le acuerda querencias y consideraciones por parte de los jefes. Además, Molina se comportaba comprensivo, accediendo a las solicitudes que le formulaban los superiores para que entonara coplas de los consagrados Manolo Caracol, Juanito Valderrama, Angelillo, Pepé Marchena y otros.

Satisfecho en julio de 1950, su servicio militar obligatorio, Antonio Molina continuó con la rutina de su existencia; pero, a finales de este año, incentivado por el promotor artístico José Arroyo y por el compositor José María Legaza Puchol, su profesor de canto, protector y amigo, adopta la determinación de participar en el concurso “Cupones York" certamen promovido por el comerciante José Gómez, a través de Radio España, con la animación del popular presentador Miguel Ángel Soler. El objetivo de este concurso consistía en buscar y seleccionar a jóvenes con talento en la interpretación de aires folclóricos de España. Con esta participación suya, se dilucidó el primer premio del concurso y Antonio Molina saldió airoso hacia la búsqueda de su destino como artista del canto y del arte de la actuación.

Este reconocimiento a su arte, al principio conflictivo, le reportó, además del primer premio que ganó en buena lid, una remuneración de 150 pesetas y un contrato para registrar su voz, en discos de acetato con la disquera “His Master's Voice”, (HMV), por tres años consecutivos, con el rápido registro de sus primeros temas.

Se estrenó en el mundo de la grabación de discos fonográficos con los auspicios del sello fonográfico “La Voz de su Amo” subsidiaria de la firma comercial Odeón, imprimiendo, las canciones “El macetero” del autor granadino José María Legaza Puchol (Madrid, España, 1898-1983) y Fernando Castillejo Osuna (1924), y “Cuando siento una guitarra”, cuya autoría corresponde al compositor Legaza Puchol, discos cuya numeración de impresión se corresponde con el número 184.769. En este mismo período aparece en la casa disquera de Barcelona, otro registro identificado con el número 184.766 que contiene la grabación de los temas “Las palomas de tus manos” en rítmo de alegrías; “Pajarillo volandero”, fandanguillo; "De rodillas te has “hincao” y “Te llamaban la Caoba. Es posible que los seis temas publicados en 1951 se correspondan con las primeras grabaciones hechas por el artísta.

A comienzos de 1951, y después de haber esperado afanosamente la salida de las grabaciones hechas en Barcelona, éstas aparecen finalmente, en el mercado discográfico.

Luego de la aparición de los acetatos con el registro de su voz, abandonó furtivamente Barcelona, marchándose a Madrid donde contrajo matrimonio el 31 de marzo con su novia Angelita Tejedor Capitán, hija de Gumersindo Tejedor Montero y de Paula Capitán Gamarra. Este matrimonio estabiliza emocionalmente al artista y muchas veces piensa en abandonar sus aspiraciones artísticas para dedicarse formalmente a la práctica de un trabajo estable.

Sin embargo, las grabaciones que publicita “La Voz de su Amo”, se escuchan persistentemente a través de las estaciones radiales españolas, entonadas por gente sencilla del pueblo, que se sienten identificadas con la música y su contenido.Antonio Molina a pesar de la difusión que se da a sus trabajos, es un personaje físicamente, desconocido para sus seguidores. No encuentra ayuda externa, y sólo el apoyo de Ángela y sus cercanos familiares, harán posible la revelación definitiva del artista. Finalmente, Antonio Molina se presentaría en físico en el escenario del Teatro Cervantes con los auspicios de la “Compañía de Revistas de Maruja Tomás”, el 23 de febrero de 1952.

En abril de este mismo año, Antonio Molina vuelve a Barcelona, donde registra para su disquera los temas “El agua del Avellano”, “A la sombra de un bambú”; “Bendita sea la hora”, “Seca el llanto y no me llores”, “La Serranía” y “Veinticuatro cascabeles” temas de su amigo el maestro José María Legaza Puchol. El 11 de julio de 1952, el empresario cinematográfico José Hernández Gan le contrata para participar en el film “El macetero”, tema del maestro Legaza. Esta fue su primera incursión en el cine y, de acuerdo con la crítica, la interpretación de las canciones “El macetero” y “María de los Dolores” colocaría a Antonio Molina en cómoda posición para su futura vida artística.En enero de 1952, el empresario Juan de Lara, le contrata para que se incorpore al elenco del espectáculo “Fantasía de Estrellas”. Esta representación, cuenta, además, con la participación de consagradas estrellas como Carmen de Veracruz, bolerista mexicana conocida como “la voz que acaricia”, las cantantes Mari Carlota; Mari Nieto y Chari Córdoba, el ventrílocuo Fregolín, el guitarrista Manolo “El Sevillano” y la pareja de baile de los hermanos Muñoz Reina.

La compañía patrocinada por Juan de Lara debutó en el “Gran Teatro de Córdoba”; después, audicionó en la plaza de Toros, en la calle Monjas de Motril, Granada. Después, el 14 de septiembre, la compañía se presentó en Cádiz.

Cuando el espéctaculo arribó a Málaga, Antonio Molina ya actuaba como figura estelar de éste. El “Teatro Cervantes” le recibió y halagó. Durante las dos primeras actuaciones cuando Molina se disponía a cerrar el espectáculo, el público le respondía cautelosamente; pero, a partir de la tercera audición, toda Málaga se había dado cita en el Cervantes. Sus coterráneos del barrio “Huelin” se unieron a los de “La Trinidad” y a éstos, los de “Capuchinos” y “El Palo”, afirmándose como un artista de clase y de éxito.Culminada la temporada, “Fantasias de Estrellas” debutó en Madrid. Aquí, Antonio Molina se lució como figura principal del espectáculo. Su voz, entonaba con maestría agradable guajiras, colombianas, milongas, vidalitas, habaneras y cantes de ida y vuelta.

Un litigio con el empresario Juan de Lara alejó a Antonio Molina del especáculo que patrocinaba Juan de Lara. Este litigio se prolongaría por muchos años, pero en el ínterin Antonio Molina participa en la gala “Asi es mi cante” que se presenta en el “Teatro Fuencarral" de Madrid.

El viernes 11 de enero de 1953, la “Vanguardia Española” de Madrid reseñó en sus páginas el éxito de esta presentación: “el joven artista malagueño, posee una voz fresca, y fácil para el paso de los diversos registros. Tiene también un aliento poderosísimo y sabe imprimir al cante flamenco un sello completamente personal lo que constituye otro de sus indiscutibles méritos”, para agregar: “Su éxito de ayer fue grande, clamoroso, realmente extraordinario. El público se entregó desde los primeros momentos al arte de Antonio Molina que con sus “serranas”, “Sus campanas de San Lorenzo”, su bello pregón “El macetero”, la milonga “Cuando siento una guitarra”, la zambra “Dime qué motivos tienes” y sus alegrías, arrancó ovaciones tan encendidas, tan insistentes, tan espontáneas que rarísimas veces alcanzaron iguales términos en un teatro”. Iguales o superiores conceptos habían sido vertidos por el prestigioso diario madrileño en sus ediciones del 10, 12, 15 y 25 de enero de 1953.

El espectáculo presentado por Antonio Molina estuvo integrado por la cantante y bailadora Tona Radely, la vedette musical Maruja Ordovas, la cantante Mary Nieto, el ventrílocuo Frigolin, la pareja de baile Ruiz-Moreno, la actriz cómica Carmen Daina, los actores Gran Baeza y Tono, las componentes del ballet y el guitarrista Manolo “El Sevillano”.Con el espectáculo “Así es mi cante” Antonio Molina da inicio a la temporada que se corresponde a 1953.

Después de su apoteósico triunfo de Madrid, viaja a Barcelona, donde se presenta en el “Teatro Poliorama” de Barcelona. Después viaja a Cádiz, Valencia, Málaga y nuevamente en Madrid donde se actúa el 4 de abril, en el conocido “Teatro Calderón”.

En diciembre de ese mismo año, protagonizó su primera película, “El pescador de coplas”, del director Antonio del Amo. Aquí, en su lanzamiento como actor, Antonio Molina luce espléndido. Sus compañeros de rodaaje Manuel Arbó, Francisco Bernal, Marujita Díaz, Paul Ellis, José Franco, Manuel Guitián, Tony Leblanc, Arturo MarínManuel Monroy y Luis Moscatelli, dan forma a una comedia musical relacionada con la vida diaria de los pescadores. Es un argumento fresco, con una voz angelical. Los temas “Yo quiero ser mataor” de Manuel Gordillo y Ramón Perelló y “Adiós a España” de Ramón Perelló y Daniel Montorio, colocan a Antonio Molina en el pináculo de la popularidad.

En 1954 conforma su equipo artístico para actuar en el “Hechizo”, espectáculo que bajo su dirección se presenta en “ Teatro Calderón”. Su esperado éxito no sólo llegó, sino que, además, se consolida con el correr del tiempo. El artista debió permanecer muchas horas en estudios de grabación registrando para su público las melodías que le exigían. Asimismo, participa en espectáculos públicos en clubes y plazas de toros, inaugurando un nuevo medio de comunicarse con sus admiradores.

Los éxitos se sucedían interminablemente. Los títulos de sus canciones se escuchan al pregón, y desde todas las latitudes se canturreaban: “Soy minero”, el tema más popular de su carrera de cantante; “El macetero”, “El agua del Avellano”, “La bien pagá”, “Copla y fortuna”, “Adiós, lucerito mío”, “En el fondo de la mina”, “Cantar, cantar”, “Tu fiesta campera”, “Caminito de mis penas”, “Adiós a España”, “Yo quiero ser mataor“, “El Cristo de los Faroles”, “ A la sombra de un bambú”, “María de los Remedios”, “Malagueña”, “Ay Carmela”, “La hija de Juan Simón”, “Ángela del alma mía”, “Dos cruces”, “Una paloma blanca”, “Mar blanca”, “Soy un pobre presidiario”, “Cocinero, Cocinero”, “Las murallitas de Cádiz”, “La jaca más postinera”, “Soy del norte”, “Caballito Bandolero”, “Veinticuatro cascabeles”, “Ni Alemania ni Francia”, “Puente de plata”, “Camino verde”, “Toros y coplas”, “Tus ojos verdes”, “Como en España ni hablar”, “Mujer extranjera”, “Gibraltar”, “Nana”, “La tortolica”, “Mi pueblecito”, “Portuguesiña”, “Con ese beso”, “Marbella, perla del mar”, “Si a ti te llaman Consuelo”, “Barcelona”, “Ave de paso”, “Ay Málaga mía”, “Pena Blanca”, “Mari Rosa o mar y rosas”, “Te llamaban la Caoba”, “Tientos del ay, ay”, “Una mujer extranjera”, “Preso del desamparo”, “Camino”, “Son tus dientes alhelíes”, “Racimos a millares”, “Mi petenera”, “Plegaria”, “Estudiantina catalana”, “Novia Malagueña”, “Manuela la soleares”, “Rosa Malena”, “El capitán”, “Cuando siento una guitarra”, “De contrabando”, “Coplas de mi Andalucía”, “Coplas de la Mezquita”, “Canela y clavo”, “Campanas de San Lorenzo”, “Buscando pelea”, “Barquito de mi amor”, “La serranía”, “La niña del amo”, “Madre, María de los Dolores”, “Lucero de la mañana”, “Mi costa del Sol”, “Mi rosa morena”, “Pregón de boquerones”, “Perfidia”, “Oye mi campana”, “Penita de amores”, “Palacio moro”, “Celos”, “Ojos negros”, “Piropo español”, “Mi corazón dice sí”, “Pregúntale a la luna”, “Granada, te quiero”, “Puñal”, “Puse un rosal”, “Puente de plata”, “Te comparé con la luna”, “Me quemé las manos”, “Remordimiento”, “Orgullosa y peregrina”, “Siete caballos de espuma”, “Rosa de la Alhambra”, “Seguidillas cascabeleras”, “Piedra fría”, “Oh mi niño”, “Puente de coplas”, “No maltrates a tu madre”, “Vendiendo alegría”, “Nadie se meta conmigo” y “No eres buena”.

Después de su primera aparición en un film profesional, Antonio Molina se descubriría como un inmejorable actor. Sus siguientes películas confirman nuestro aserto: “Esa voz es una mina” de Luis Lucia, data del 1 de abril de 1956; “Malagueña”, del realizador Ricardo Núñez, con una historia de Nene Cascallar y un reparto estelar que integraban los actores Lolita Sevilla, José Prada, Marion Mitchell, Francisco Camoiras, Antonio Puchol, Jesús Castro Blanco, José Manuel Pinillos, Ventura Ollé, Camino Delgado, Alejo del Peral, Jesús Puche, Enrique Andrés, Carlos Ronda y Antonio Andrada; “La hija de Juan Simón”, (1957); “El Cristo de los Faroles” (1958); “Café de Chinitas” (1960) del cineasta Gonzalo Delgrás y “Puente de coplas” (1965) de Santos Alcocer; “Canciones de nuestra vida” del director Eduardo Manzanos Brochero (1975) y “Andalucía chica” que pertenece a la última producción donde intervino Antonio Molina en 1987, con la dirección de José Ulloa.

Sus admiradores han afirmado que “Fue creador de un estilo propio de cantar Copla, basándolo sobre todo en la melodía de su voz cristalina y el portentoso aguante de pecho, que rozaba el minuto en algunas ocasiones. Nos dejó grandes versiones de canciones para los anales de la historia de la Copla: La Estudiantina, Una Paloma Blanca, María de los Remedios, Soy Minero, El Agua del Avellano, La Hija de Juan Simón, El Cristo de los Faroles, Malagueña, Yo quiero ser Matador; y un sin fin de títulos que han sido evocados por muchos de sus admiradores, ya que ha sido uno de los intérpretes más imitados por los buenos aficionados. Ahora que tanto se habla de música fusión y de mezclas en el flamenco y la canción, nos toca escribir sobre una de las primeras figuras que impuso su estilo musical, un poquito de flamenco y más de copla con sabor a Andalucía. Se mantuvo en la cima hasta finales de los sesenta, siempre en olor de multitudes, pero su voz y su extraordinario pecho sucumbieron castigados por tantos excesos y por la entrega que hacía en todas sus actuaciones ante el gran público”.

En 1990, ya retirado de su actividad artística por motivos de salud, recibe juntamente con Juanito Valderrama el “Disco de Platino”, como reconocimiento a su enriquecida trayectoria artística, y por haber alcanzado altas cifras de ventas de sus registros sonoros..Antonio Molina fue un

sobresaliente artista que actúo en la escena, y en su vida privada, con ponderación y respeto hacia quienes le admiraron y continúan admirando. Su presencia en el ambiente artístico de su época, constituye en el presente y, seguramente, en el porvenir aportes significativos para el acervo cultural de la humanidad.

El 18 de marzo de 1992, falleció en Madrid.

VINICIUS DE MORAES

2009-06-19T13:30:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Marcus Vinicius da Cruz de Mello Moraes, poeta, compositor, teatrólogo, periodista y diplomático brasileiro, nació en el barrio de la Gávea en la antigua capital de Brasil, Río de Janeiro, el 19 de octubre de 1913. En 1916 se radicó, junto a sus padres Clodoaldo Pereira da Silva Moraes y Lidia Cruz de Moraes, en el barrio y playa de Botafogo, considerado como reducto de la aristocracia brasilera, donde vivió en la residencia de sus abuelos.Sus estudios elementales los realizó en la escuela Afrânio Peixoto. Por este tiempo, se inició en la poesía, escribiendo y declamando sus primeras creaciones poéticas. En 1922, sus padres se avecindaron en la isla del Gobernador, donde culminarían sus estudios de primaria, donde, además, compartiría con su tío Henrique de Melo Moraes y el compositor Alberto de Castro Simões da Silva “Bororo” (Río de Janeiro, RJ., 15 de octubre de 1898 – Río de Janeiro, RJ7 de junio de 1986), su afición por la música criolla. En 1924 ingresó en el Colegio San Ignacio, en Botafogo, donde escribió sus primeras composiciones en colaboración con los hermanos Paulo y Haroldo Tapajós. De esta época data el tema Loura ou Morena “Se por acaso o amor me agarrar/Quero uma loira pra namorar/Corpo bem feito, magro e perfeito/E o azul do céu no olhar/Quero também que saiba dançar/Que seja clara como o luar/Se isso se der/Posso dizer que amo uma mulher/Mas se uma loura eu não encontrar/Uma morena é o tom/Uma pequena, linda morena/Meu Deus, que bom/Uma morena era o ideal /Mas a loirinha não era mau/Cabelo louro vale um tesouro /É um tipo fenomenal/Cabelos negros têm seu lugar/Pele morena convida a amar/Que vou fazer?/Ah, eu não sei como é que vai ser/Olho as mulheres, que desespero/Que desespero de amor/É a loirinha, é a moreninha/Meu Deus, que horror!/Se da morena vou me lembrar/Logo na loura fico a pensar/Louras, morenas/Eu quero apenas a todas glorificar/Sou bem constante no amor leal/Louras, morenas, sois o ideal/Haja o que houver/Eu amo em todas somente a mulher”. También produjeron: “Canção para alguém”, “Diga moreninha”, ”Doce ilusãoaes”, “Namorado da lua”, “O beijo que você não quis dar” entre las de mayor difusión y éxito. Esta interacción con el cantor y compositor Haroldo Tapajós Gomes, (Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 19 de noviembre de 1915 - Rio de Janeiro, Brasil, RJ., 18 de abril de 1994) fue definitiva en su etapa formativa, como uno de los mejores y más productivos autores de la canción brasileira en el siglo XX.En 1929 se matriculó en la Facultad de Derecho de la Universidad de Río de Janeiro, donde se relacionó con el escritor, crítico, ensayista, romancista y traductor brasileiro Otávio Faria, quien le alentó para enrumbar su actividad por el camino de la literatura. Esta amistad, produjo el primer libro de Vinicius de Moraes publicado por la Editorial Schmidt en 1933 “O Caminho para a Distancia” le franqueó las puertas del éxito, que se extendería con sus nuevos textos titulados “Forma e Exegese” que sería premiado con el Premio Felipe d'Oliveira, “Ariana, a Mulher”, “Cinco Elegías, “Poemas, Sonetos y Baladas”, “Livro de Sonetos”, “Procura-se uma Rosa” , “Para Viver um Grande Amor. O lirismo” y “Pátria Minha”, “Orfeu da Conceição”, “O Mergulhador”, “História natural de Pablo Neruda”, “O falso mendigo, poemas de Vinicius de Moraes”, “Vinicius de Moraes - Poemas de muito amor”, A arca de Noé “, “Roteiro lírico e sentimental da Cidade do Rio de Janeiro e outros lugares por onde passou e se encantou o poeta”, “As Coisas do Alto - Poemas de Formação”, “Nossa Senhora de Paris” y, finalmente, su obra póstuma publicado en 1991 “Livro de Letras”.En esta etapa formativa, Vinicius de Moraes intensificó su colaboración con los hermanos Haroldo y Paulo Tapajós. Entre 1932 y 1933, creó las letras de diez canciones consideradas en el presente, como creaciones clásicas de la composición brasileira.En 1938 se hizo acreedor a una beca otorgada por el British Council, organización internacional para la promoción de las oportunidades educativas y las relaciones culturales del Reino Unido, para estudiar en inglés y literatura en la Universidad de Oxford. Su estada en Londres, le permite trabajar como asistente del programa brasileño de la BBC. En 1939, contrae matrimonio por poderes con Beatriz Azevedo de Mello, debiendo retornar a Brasil a consecuencia del estallido en Europa de la II Guerra Mundial... En 1941 trabaja como crítico de cine en el diario “A Manhã”. También colabora con el “Literary Supplement” y con la revista “Clima”, dirigida por el escritor y crítico literario Antonio Candido de Mello e Souza, (Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 24 de julio de 1918). En este mismo tiempo inicia controversias sobre “el cine mudo” y el “cine sonoro”, que comienza con el periodista, diplomático y poeta Rui Esteves Ribeiro de Almeida Couto, (Santos, Brasil, 12 de marzo de 1898 - Paris, Francia, 30 de mayo de 1963), y, después, esta polémica se extendería hacia una buena parte de la intelectualidad brasileña.Invitado por el prefecto de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek de Oliveira, (Diamantina, Minas Gerais, Brasil, 12 de septiembre 1902 - Resende, RJ., 22 de agosto 1976) visita esta ciudad donde traba amistad con los escritores Otto Lara Rezende, Fernando Sabino, Hélio Pelegrini y Paulo Mendes y juntamente con Rubem Braga y Moacyr Werneck de Castro, forma una ronda literaria en el “Café Vermelhinho”, en Rio de Janeiro, donde incorpora al arquitecto Oscar Niemeyer y a los artistas Carlos Leão, Afonso Reidy, Jorge Moreira, José Reis, Alfredo Ceschiatti, Santa Rosa, Pancetti, Augusto Rodrigues, Djanira y Bruno Giorgi, entre los más sobresalientes. Por este tiempo, frecuenta la residencia del escritor Aníbal Machado (Sabará, Minas Gerais, Brasil, 9 de diciembre de 1884 - Río de Janeiro, RJ, Brasil, 20 de enero de 1964) y conoce en su viaje al nordeste de Brasil, a los escritores Waldo Frank y Gabriela Mistral. En Recife conoce y se hace amigo del poeta y diplomático João Cabral de Melo Neto, (Recife, Brasil, 9 de enero de 1920 - Río de Janeiro, RJ., Brasil, 9 de octubre de 1999). En 1944 es director del suplemento literario de "O Jornal", donde incorporara las firmas de Oscar Niemeyer, Carlos León, Pedro Nava, Francisco Pires de Sá, Marcelo García y Lúcio Rangel, entre los intelectuales más destacados de su generación. Igualmente publica las creaciones de los artistas Athos Bulcão, Maria Helena Vieira da Silva, Alfredo Ceschiatti, Carlos Scliar, y Arpad Czenes Gonçalves. En 1945, el ministerio de Relaciones Exteriores, le asigna la responsabilidad de representar a Brasil en el Vice-Consulado de Los Ángeles, California. En este cargo permanece por casi cinco años, tiempo que aprovecha para editar y publicar su libro “Poemas, Sonetos y Baladas” con ilustraciones del arquitecto y acuarelista Carlos Leão, (Rio de Janeiro, 1906 - 1983) y la técnica del cine con los consagrados Orson Welles, director, actor, escritor y productor cinematográfico; Gregg Toland, (Charleston, Illinois, USA., 29 de septiembre de 1904 - Charleston, Illinois, USA., 26 de septiembre de 1948) de acuerdo con la crítica especializada uno de los mejores fotógrafos del cine en todos los tiempos, difusor de un único y avanzado estilo de iluminación y publica con el crítico Alex Viany, la revista Film.En 1953 publica en asociación con Antônio Maria Araújo de Morais (Recife, Brasil, 17 de marzo de 1921 – Recife, Brasil, 15 de octubre de 1964) “Quando Tu Passas por Mim” que pudiera clasificarse como la primera composición en rítmo de samba escrita por Vinicius de Moraes. Ese año viaja a Paris para ocupar el cargo de Segundo Secretario de la embajada de Brasil, en Francia.Al año siguiente, su obra de teatro, “Orfeu da Conceição” sustentada en el drama de la mitología griega de Orfeo y Eurídice fue galardonada con el primer premio en el Concurso del IV Centenario de São Paulo. Posteriormente, fue lanzada la banda sonora de esta obra teatral con música por Antonio Carlos Jobim y letra de Vinicius de Moraes. Esta obra fue la combinación del talento de Oscar Niemeyer, Tom Jobim y de su promotor Vinicius de Moraes y fue estrenada el 25 de septiembre de 1954, en el Teatro Municipal de Río de Janeiro.En este mismo período Moraes y Jobim dan inicio a una amistad perdurable y una total colaboración que, incorporará a João Gilberto, (Juazeiro, Bahia, Brasil, el 10 de junio de 1931).uno de los más representativos creadores y ejecutantes del novedoso rítmo impuesto por los jóvenes de Copacabana e Ipanema, conocido con el nombre de bossa-nova Este trío de creadores y ejecutantes de la moderna música brasileira, renovó los cimientos de ésta con temas que recorrieron todas las latitudes: “Se Todos Fossem Iguais a Você”, “Um Nome de Mulher”En 1955 Vinicius de Moraes escribió los textos de algunas obras para música de cámara del fértil compositor y violinista Cláudio Santoro, (Manaos, Amazonas, Brasil, 23 de noviembre de 1919 - Brasília, Brasil, 27 de marzo de 1989). Este mismo año al lado del productor Sasha Gordine, trabaja en el guión de la película “Orfeo Negro”. En 1956, escribió letras para música de Tom Jobim. En 1957, se desempeña como diplomático en la UNESCO y, publica su obra “Livro de Sonetos” y “Novos Poemas II”.Elizeth Cardoso, registró en 1958 la canción “Canção do amor demais” con la autoría de Tom Jobim, y Vinicius de Moraes. Este tema junto a Chega de Saudade, Serenata do Adeus, As Praias Desertas, Caminho de Pedra, Luciana, Janelas Abertas, Eu Não Existo, Outra Vez, Medo de Amar, Estrada Branca, Vida Bela, Modinha, constituyeron el nacimiento de la renovación musical brasileira: El Bossa-Nova. Sin embargo, sería cuatro meses después cuando el compositor, cantante y guitarrista Joao Gilberto grabó para el sello Odeon la producción “Chega de Saudade”, cuando el gran público reaccionó otorgándole a esta melodía y a las antes descritas una especial preferencia. Su interpretación fue de exquisitez sensual, que produjo con sus medios tiempos de ritmo sincopado, una sensación delicada y envolvente, en quienes auscultamos el maravilloso y celestial sonido del Bossa-Nova.En 1959, el director de cine francés, Marcel Camus, (Chappes, Francia, 21 de abril de 1912 - Paris, Francia, 13 de enero de 1982) lleva a la gran pantalla “Black Orpheus”, film de fama internacional, ganadora del gran premio de la Academia de Cannes como la mejor película de idioma extranjero, en 1959; El Oscar, correspondiente a ese mismo año, y el Premio de la Academia Británica. Este año escribe textos para el compositor y cantante Carlos Eduardo Lyra Barbosa (Río de Janeiro, Brasil, 11 de mayo de 1939), registrando dos grandes éxitos “Você e eu”, “Coisa mais linda”, “Primeira namorada” y “Nada como te amar”, y con el flautista, saxofonista, compositor, cantante, y director de orquesta Alfredo da Rocha Viana Filho, “Pixinguinha”, (Río de Janeiro, RJ., Brasil, 23 de abril de 1897 - Río de Janeiro, RJ., Brasil, 17 de febrero de 1973). En 1961, la Nuova Academia Editrice de Milano, Italia, publica “Orfeo Negro” con una impecable traducción al italiano de P. A. Jannini.En esta época intensifica la colaboración autoral con las figuras de la nueva canción brasileira como Baden Powell, Carlos Lyra, Antônio Carlos Jobim, (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil, 25 de enero de 1927 - Nueva York, N.Y., USA., 8 de diciembre de 1994) y João Gilberto. De esta formidable asociación surgirán los temas “Garota de Ipanema”, “Samba da benção.” “Pobre menina rica". Asimismo, trabajó con el legendario Ary Barroso (Ubá, Minas Gerais, Brasil, 7 de noviembre de 1903 - Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 9 de febrero de 1964), en el tema “Rancho das Namoradas”. En el marco de su copiosa actividad puso en circulación su libro “Para viver um grande amor.” Y participó en el show Skindô con la actriz, cantante y escritora Odete Lara, (São Paulo, 17 de abril de 1929), esta actuación sería impresa en un disco L.P., de notable éxito.Sus presentaciones y actividad autoral las comparte con su actuación como diplomático al servicio de la cancillería. En 1964 al producirse el golpe de estado que derrocó al presidente João Belchior Marques Goulart, (Sao Borja, Río Grande do Sul, Brasil, 1 de marzo de 1918 - Mercedes, Argentina, 6 de diciembre de 1976) retorna a Brasil, alternando su actividad de creador con el periodismo. Escribe crónicas semanales en la revista “Fatos e Fotos” y, en el “Diário Carioca”, publica artículos relacionadas con la música popular brasileira. Asimismo, escribe para los compositores y cantantes Dorival Caymmi, (Salvador, BA., Brasil 30 de abril de 1914 - Rio de Janeiro, Brasil, 16 de agosto de 2008) y Francis Victor Walter Hime, (Rio de Janeiro, Brasil, 31 de agosto de 1939.)Para 1965, el Servicio de Documentación del Ministerio de Educación y Cultura publica su poemario “Cordélia e o peregrino” y, obtiene con la colaboración de Edu Lobo, (Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 29 de agosto de 1943) y Baden Powell de Aquino, (Varre-e-Sai, RJ, Brasil, 6 de agosto de 1937 - Río de Janeiro, RJ., Brasil, 26 de septiembre de 2000,), así como de las interpretes Ellis Regina, (Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brasil, 17 de marzo de 1945 - Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 19 de enero de 1982) y Elizeth Cardoso (Rio de Janeiro, RJ., Brasil 16 de julio de 1920 - Rio de Janeiro, RJ., Brasil, 7 de mayo de 1990), el primer y segundo premio del I Festival de Música Popular de São Paulo, con los temas “Arrastão” y "Valsa do amor que não vem”1966 verá la publicación de su libro “Para uma menina com uma flor” y, con su asociado, Baden Powel de Aquino, publica “Samba da benção”. En 1967, estrena la película “"Garota de Ipanema”, retirándose parcialmente de las actividades musicales. Ese mismo año recibe el encargo del gobierno del estado de Minas Gerais para preparar los estudios de factibilidad a objeto de realizar el festival de arte a celebrarse en la ciudad de Ouro Preto.En 1968, después de cumplir 26 años de servicio diplomático, el ministerio de Relaciones Exteriores en aplicación del Acto Institucional No 5 de fecha 13 de diciembre, le mandó a retiro forzoso. Este acto producido por la arbitrariedad instaurada en Brasil en 1964, le causó gran pena moral. Esta excepcional medida le llevó a trasladarse a Portugal. En esta oportunidad, estudiantes seguidores de la política de represión impuesta por el Primer Ministro Antonio de Oliveira Salazar, protestaron la presencia del poeta a las puertas de un teatro donde éste se presentaba. El poeta salió a su encuentro y simplemente recitó: “De manhã escureço/De dia tardo/De tarde anoiteço/De noite ardo.”.En 1969, integró junto al guitarrista y cantautor Antonio Pecci “Toquinho”( São Paulo, SP., Brasil, 6 de julio de 1946) una interesante y productiva sociedad autoral y artística que dejó como fruto una extensa y enriquecida discografía que abarcó una veintena de discos de vinyl con títulos de comprobado éxito: Esta asociación se prolongaría por una década y produjo éxitos como Se Lá (a Vida Tem Sempre Razão), Cotidiano No. 2, Tarde em Itapuã, Essa Menina, Meu Pai Oxal, Carta ao Tom, As Cores de Abril, Se Ela Quisesse, Samba para Endrigo, Choro Chorado pra Paulinho Nogueira, A Carta que Não Foi Mandada, Maria-Vai-Com-as-Outras, Até Rolar Pelo Chão, Uma Rosa em Minha Mão, Samba do Jato, Um Homem Chamado Alfredo, Conjugação da Ausente, Maresia, Per Vivere un Grande Amore, L'amore Degli Uomini, L'Apprendista Di Poeta Una Casetta e una Donna, Fiore Della Notte, Disperazione Della Piet, Blues Di Emmet, Ma Io Non Nato Da Ieri, La Terra Promessa, Disperazione Della Piet, Testamento, Essa Menina, Morena Flor, Escravo Da Alegria. Que Maravilha, Minha Namorada, Ao Que Vai Chegar, Por Que Será?, Turbilhão, Como é Duro Trabalhar Samba da Volta, A Carta que Não Foi Mandada,. Triste Sertão, Canto e Contraponto, Samba pra Vinícius, Sem Med, Samba do Jato.As Cores de Abril, Tudo na Mais Santa Paz, Samba Em Relúdio, Turbilhão, O Canto De Ossanha, Na Terra, No Céu No Mar, Soneto Da Separação I, Se Todos Fossem Iguais A, Pequeno Perfil De Um Cidadão Comum, Escravo Da Alegria, Caso Sério, Ao Que Vai Chegar, Como É Duro Trabalhar, Escravo Da Alegria y Aquarela.En 1977 apareció su Antología Poética, en serie de lujo contentiva de 2 L.P., con la participación de sus asociados Tom Jobim, Edu Lobo, Toquinho, Luis Roberto, Jorginho, Roberto Menescal y Francis Hime. La existencia vivencial de Vinicius de Moraes fue vivir la “poesía es su estado natural”, sin intermediarios. Su existir transcurrió abrasadoramente como lo señalan sus reiterados divorcios y matrimonios. Él, fue un hombre guida por la perfección, que aplicó en todos los actos de su prodigiosa existencia. Escritor purista, encumbró a las letras portuguesas en un sitial de honor, ora como inspirado poeta, ora como ensayista, ora como articulista de diversos temas entre los que se destacan con preeminencia los relacionados con la música y el folclore brasileiro.Su obra fue total, experimentó e impulsó la renovación de la canción nacional, otorgándole jerarquía y prestancia internacional. Sus composiciones surgidas de su desbordante talento y de su exquisita sensibilidad, constituyen un legado imperecedero a la cultura universal, atesorada por quienes encontramos en sus motivos, los propias.Su absurda muerte ocurrida a los sesenta y siete años de edad, silencio el canto de un ruiseñor y apagó la luminosa llama de un genio; pero, su obra total seguirá vigente mientras en el Universo esté presente el marjal del amor y de la esperanza. El 8 de septiembre de 2006, el ejecutivo nacional de la República Federativa de Brasil, en actode justicia que honra al Estado inauguró en el Palacio de Itamaray, sede oficial del ministerio de Relaciones Exteriores la “Sala Vinicius de Moraes”, como reconocimiento y acto de justicia al eficiente funcionario que fuera privado de sus responsabilidades a causa de la aplicación dictatorial del Acto Institucional No 5 .Vinicius de Moraes estuvo casado en su orden con en su orden, con las damas Beatriz Azevedo de Mello, Lila Maria Esquerdo, Maria Lúcia Proença, Nelita Abreu Rocha, Cristina Gurjão, Gesse Gessy y Gilda de Queirós Matoso.

GENARO SALINAS

2009-06-19T13:27:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

El cancionero romántico por antonomasia de la cuarta y quinta década del fenecido Siglo XX, de acuerdo con su trayectoria artística fue Genaro Salinas. Nacido en 1920 en la colonia “El Cascajal” en la cálida ciudad de Tampico, en el caribeño estado de Tamaulipas, a los pocos años de su nacimiento sus padres Narciso Salinas y Concepción Cardona, se residencian en la histórica ciudad de Torreón, en el norteño estado de Coahuila, retornando en la alborada de los años 30s., a Tampico.

Durante sus primeros años de adolescencia, el joven Genaro evaluó sus aptitudes para el canto. En este sentido, se inscribió en la academia “Giadam”, de su ciudad natal para perfeccionar este arte. En 1939, debutó en un concurso de aficionados organizado por la radiodifusora XES, cuyo propietario era el conocido empresario radial Clemente Serna Martínez, fundador junto a Emilio Azcárraga Vidaurreta, (Tampico, Tamaulipas, Mx., 2 de marzo de 1895 – Ciudad de México, D.F., Mx., 23 de septiembre de 1972) de la empresa Radio Programas de México, y padre, del empresario Clemente Serna Alvear, (Guadalajara, Jalisco, Mx., 29 de diciembre de 1936).

Esta sola presentación en público bastó para que el joven obtuviera el primer lugar, iniciando una interminable cadena de éxitos que concluirá fatalmente en la madrugada del 28 de abril de 1957 en una calle de Caracas, Venezuela.En marzo de 1940, se desposa con María de la Luz Herrera Razo, una joven nativa como él, de Tampico. Con esta dama procreó a Genaro y Concepción. El primero fallecido en Argentina y, Concepción, radicada en esa nación sudamericana.

A finales de la década de los 30s., Genaro Salinas arriba a Ciudad de México, D.F., atraído por su afán de triunfo y superación profesional, presentándose en el popular e histórico Teatro “Lírico”, situado en el número 46, de la calle de Cuba, Centro Histórico de la Ciudad de México, inaugurado en 1906, por el intelectual don Justo Sierra, en la oportunidad cuando desempañaba la Secretaría de Justicia e Instrucción Pública y Bellas Artes. Este teatro fue célebre por albergar en su seno a consagrados artistas y comediantes como María Caballé, Soledad Álvarez, Teresa Calvó, Miguel Gutiérrez, Guadalupe Rivas Cacho, Carlota Milanés, Virginia Fábregas, María Esperanza Bonfil, María Conesa, Germán Valdéz, Antonio Espino, Jorge Negrete, Joaquín Pardavé, Mimí Derba y Roberto Soto Mejía el “Panzón” Soto, entre una luminaria de estrellas.Esta presentación, según las crónicas de la época fue exitosa.

En 1940, debutó en la radioemisora XEW, “La voz de América Latina desde México”, propiedad del empresario de Tamaulipas Emilio Azcárraga Vidaurreta, situado en los altos del cine Olimpia, obteniendo como ya lo había hecho en “El Lírico”, un éxito impresionante. En el transcurso de estas primeras presentaciones, el perifoneador y compositor Pedro de Lille Aizpuru (Gunaceví, Durango, Mx., 19 de Junio de 1899 – Ciudad de México, D.F., Mx., 1 de octubre de 1964), le designó justicieramente como “La voz de oro de la radio”, cognomento con el que se le conocerá por toda su existencia artística. Genaro Salinas en su avidez por perfeccionar sus conocimientos vocales y musicales se inscribió para seguir cursos de vocalización y ejecución musical en la academia que regentaba el poeta y compositor Mario Molina Montes, (Alvarado, Veracruz, Mx., 16 de octubre de 1921 – Ciudad de México, D.F., Mx, 16 de octubre de 1997) quien con el correr de los años, sería el letrista de las canciones más afamadas del período cumbre de la canción romántica latinoamericana tales como “Viajera” y Quinto Patio”; en autoría con Luis Arcaraz; “De que te quiero, te quiero” y “El Muñeco de cuerda”, con Rubén Fuentes, “De mí para ti y de ti para mí”, con Eduardo Magallanes, “Mira cuántas cosas”, “¿De dónde vienes?” y “María del mar”, con Gonzalo Curiel; “Enséñame a Querer”, con Alberto Ángel y “El cuervo”, “Está sellado”, “Mundo”, “Soledad”, “Verdad”, “Se me fue” y “Borrasca” en autoría con Enrique Fábrega.Genaro Salinas fue poseedor de una incitante y sugerente voz, que le situó como obligado punto de referencia entre los más destacados artífices de melodía expresadas con sentimiento y sensibilidad, en la época de esplendor del romanticismo amoroso en estas latitudes. Se distinguió entre una pléyade de populares intérpretes surgidos en el área del Caribe, extendidos hacia el norte y sur de nuestra América.

Su estilo armonioso, unido a su prodigioso canto, lo representó entre los más cotizados tenores populares de su generación, y fue el más aventajado de los discípulos del gran juglar del siglo de oro de la canción popular, Tito Schipa, de quien técnicamente asimiló y desarrolló una depurada y elegante media voz, unida a los variados matices que impregnaba a sus interpretaciones con finura modulación, en adecuada colocación y filaturas de los sonidos, siempre buscando el arte que propagó por América el tenor italiano.Sus primeras experiencias en el acetato las experimentó con la compañía RCA Victor cuando registró con las afamadas orquestas de Rafael de Paz, (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, Mx., 28 de noviembre de 1903 – Ciudad de México, D.F., Mx, abril de 1983) Miguel Ángel Pazos y Absalón Pérez; temas de pizarra como “La número cien” de Manuel Sabré Marroquín y Ernesto Cortázar; “Cuerdas de mi guitarra” de Agustin Lara; “Mi anhelo” de Mario Álvarez ; “Te quiero más y más”, “Por ti y para mi” y “Aquella tarde” del maestro director Miguel A. Pazos; “Callecita” de Ricardo López Méndez; “Volverás” de Wello Rivas, (Mérida, Yucatán, Mx., 18 de febrero de 1913 – Ciudad de México, D.F., Mx., 12 de febrero de 1990); “Tengo un amor” de Gabriel Ruiz; “Quiéreme otra vez” de la inspirada compositora cubana Margarita Lecuona; “Corazón de mar” de Paco Treviño; “Sangre calé” de Alfredo Brito y “Oreja de oro” de Alfredo Núñez de Borbón, (Ciudad de México, D.F., Mx., 8 de agosto de 1908 – Ciudad de México, D.F., Mx., 10 de diciembre de 1979) entre las de mayor éxito para ese año. Antes, a finales de 1940 había registrado para el sello Odeón el tema titulado “Que se yo” del compositor Gonzalo Curiel Barba (Guadalajara, Jalisco, Mx, 10 de enero de 1904 – Ciudad de México, D.F., Mx., 4 de julio de 1958).

Entre 1942 y 1943 llevó al disco sonoro temas de los compositores Armando Domínguez Borrás, (San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx., 4 de enero de 1921 – Ciudad de México, D.F., Mx., 17 de mayo de 1985); Margarita Lecuona, (La Habana, Cuba, 18 de abril de 1910 – Estados Unidos, 1981); Olga De Blank, Gabriel Ruiz, Felipe Bermejo, Abel Domínguez Borrás, (San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx., 29 de mayo de 1902 – Ciudad de México, D.F., Mx., 5 de julio de 1987); Fernando Z. Maldonado, (Fernando Zenaido Maldonado Rivera, San Luis Potosí, Mx., 20 de agosto de 1917); Agustin Lara, (Ciudad de México, D.F., Mx., 30 de octubre de 1897 – Ciudad de México, D.F., Mx., 6 de noviembre de 1970); Eduardo Martínez, Federico Baena, (Ciudad de México, D.F., Mx., 2 de marzo de 1917 – Ciudad de México, D.F., Mx., 18 de junio de 1996); Chucho Rodriguez, Roque Carbajo, Enrique Breton, Salvador Rangel y Alfredo Parra con el respaldo orquestal de las bandas de Absalón Pérez, Juan Garrido y Armando Domínguez. Además de sus presentaciones en la radio y de su asistencia a los estudios de grabación, se le admiró en teatros y centros nocturnos. Su voz se dejó escuchar en los conocidos cabaret “Waikiki”, situado en el número uno del Paseo de la Reforma, Ciudad de México, cuyo propietario era el músico, cantante y compositor Agustín Lara.

También se presentó en “El Ciro´s” ubicado en el Hotel Reforma, donde cantó por vez primera el bolero de Gabriel Ruiz “Adiós para siempre”. También destacó su presentación en el teatro “Folis”.A mediados de 1944, Genaro Salinas adoptó la decisión de separarse definitivamente de su esposa, María de la Luz Herrera, quedándose con la patria potestad, así como la guardia y custodia de los hijos habidos en este matrimonio. Se afirma que, ante el empuje que venía experimentando la carrera artística de Genaro Salinas, algunos de los “consagrados de la época”, afectados en sus intereses económicos, y en su vanidad personal, buscaron aislarlo y éste, sintiéndose asediado, buscó refugio primeramente en Cuba, y después, se radicó juntamente con sus hijos en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.En Cuba, fue presentado en el cabaret “Copacabana”, donde conoció y se enamoró de la cancionera Malena de Toledo, 1916 – Montevideo, Uruguay, 23 de enero de 1960) inmortalizada por los autores argentinos Lucio Demare, (Buenos Aires, Argentina, 9 de agosto de 1906 – Buenos Aires, Argentina, 6 de marzo de 1974) y Homero Manzi, (Homero Nicolás Manzione. Santiago del Estero, Argentina, 1 de noviembre de 1907 – Aires, Argentina, 3 de mayo de 1951) con el tango “Malena”.Iniciada una relación sentimental entre uno y otro, contrajeron matrimonio en 1946, viajando posteriormente a Buenos Aires, Argentina, donde fijaron residencia. En esta capital registró para el sello “Odeón” las melodías que inmortalizarían su nombre: “Celos”; “Así”, “Traicionera”, “Tu desesperación”, “Una noche”, “Si tu vuelves a mí”, “Conozco a los dos”, “Ansiedad”, “Vida de mi vida”, “Noviecita”, etc., de los compositores Ernesto Lecuona, (Guanabacoa, Cuba, 6 de agosto de 1895 – Tenerife, Islas Canarias, 23 de noviembre de 1963); María Grever, (León, Guanajuato, Mx., 16 de agosto de 1894 – Nueva York, USA., 15 de diciembre de 1951); Gonzalo Curiel, (Guadalajara, Jalisco, Mx, 10 de enero de 1904 – Ciudad de México, Mx, 4 de julio de 1958); Arturo Caamano, Orlando de la Rosa, (La Habana, Cuba, 15 de abril de 1919 – La Habana, Cuba, 15 de noviembre de 1957); Ángel Alday, Pablo Valdéz Hernández, Atilio Bruni, Bárbara Vescio y Roberto Lambertucci entre los de mayor difusión y popularidad. Ese mismo año viaja en gira artística a Chile, Perú, Colombia y Venezuela.

A finales de 1952, Genaro Salinas, atendiendo al llamado que le hace el empresario Mariano Rivera Conde, Director Artístico de RCA Victor y esposo de la cantante y compositora Consuelo Velázquez, (Ciudad Guzmán, Jalisco, 21 de agosto de 1916 – Ciudad de México, D.F., Mx., 22 de enero de 2005), vuelve a la capital mexicana para registrar hacia la posteridad temas que son auténticas creaciones del cancionero popular latinoamericano. De esta época datan los títulos “Mis noches sin ti” y “Mi dicha lejana” de los paraguayos María Teresa Márquez, Demetrio Ortiz, (Piribebuy, Paraguay, 22 de diciembre de 1916 – Buenos Aires, Argentina , 18 de agosto de 1975) y Emigdio Ayala Báez; (Escobar, Paraguarí, Paraguay, 5 de agosto de 1917 – Escobar, Paraguarí, Paraguay, 24 de febrero de 1993) grabados el 24 de septiembre de 1952; “Paso a paso” del compositor Francisco Flores, registrado el 25 de de septiembre de 1952; “Camino agreste” del compositor Luis Aguirre Pinto, (Copiapó, Chile, 10 de agosto de 1907 – Santiago, Chile, 7 de junio de 1997) grabado el 19 de febrero de 1953; “Vanidad” de Armando González Malbran, (Valparaiso, Chile 1912) grabado con el acompañamiento de la Orquesta de Chucho Salinas, el 25 de septiembre de 1953. En esta misma temporada, RCA Victor registró el tema de los autores argentinos Juan Carlos y Ninah Barbara. “Como el agua del río” La presencia de Genaro Salinas se prologará en México por unos largos 3 años.

En julio de 1956, viaja hacia su destino final: Caracas, Venezuela. Mucho se ha escrito y dicho en relación a la trágica, brutal e inesperada muerte del consagrado cantor mexicano, ocurrida en la noche del domingo 28 de abril de 1957, en el tramo final de la Avenida Presidente Medina, sector Los Chaguaramos a 400 metros de la residencia de la cantante y actriz Graciela Naranjo, donde estaba alojado el artista.

Las primeras noticias de esta inesperada muerte la dio a conocer, el martes 30 de abril de 1957, el rotativo zuliano “PANORAMA” que tituló este suceso así: “MORIBUNDO ENCUENTRAN BAJO UN PUENTE AL CANTANTE MEXICANO GENARO SALINAS” para subtitular: “ POCOS MINUTOS DESPUES DE SER OPERADO FALLECIO EN EL HOSPITAL DONDE LE APRECIARON RASGUÑOS Y UNA HERIDA EN LA CABEZA”. Asimismo, el diario “EL NACIONAL” de Caracas en la misma fecha tituló: “PERECIO EL CANTOR GENARO SALINAS, SUPONEN QUE EN ACCIDENTE DE TRANSITO.” Y, el diario “PANORAMA” de Maracaibo en fecha 4 de mayo tituló: “CONTINUA EL MISTERIO SOBRE LA MUERTE DEL CANTANTE MEXICANO .” Según los testimonios suministrados por las personas allegadas al artista sobre esta trágica muerte, nada resulta cierto. Todo es confuso. Misterioso. El mismo “PANORAMA” en su edición del 1 de mayo de 1957, coloca en su página de sucesos un titular ingenioso e impreciso “GRACIELA NARANJO SABE MAS SOBRE LA MUERTE DE SALINAS,” para agregar: “POR LAS RELACIONES QUE ELLA MANTENIA CON EL CANTANTE MEXICANO, SE SEPARO DE ELLA EL PIANISTA LORENZO RUBALCABA”. El argumento de asesinato pasional donde, aparentemente, quedaban involucradas conocidos personajes de la comedia y de la represión política de la época, la desmiente el titular precedente.

Desde sus inicios, la trama que se orquestó con la desventurada muerte del cantante mexicano estuvo signada por el artificio que, finalmente, llevó a este hecho a diluirse en un piélago de misterio.Sobre el particular, y a pesar de haber transcurrido 51 años y algo, nada concreto existe para aclarar esta muerte. El silencio de las noches sigue amparando a la impunidad. Esta impunidad comenzó en el mismo instante cuando las páginas de los periódicos ignoraron este desventurado suceso. Sólo fue el martes, cuando el diario “PANORAMA” de la ciudad de Maracaibo, reseña este infortunado suceso.

La información comienza por ser especulativa. Se hace abstracción tanto del informe médico legal, como del parte policial y, los reporteros parten de la premisa de un hecho fortuito. En otras palabras, un accidente, a pesar de que las informaciones vertidas por la Brigada Contra Homicidios de la Seguridad Nacional señalaba que las investigaciones preliminares presumían la existencia de un crimen. La policía ensayó la hipótesis de que el artista había encontrado la muerte en otro lugar, y que los autores del crimen, lo habían lanzado al pavimento. Esta es la misma policía donde fungía como uno de sus omnímodos jefes el señor Miguel Silvio Sanz, a quien se le atribuía vesania represiva y crueldad de experto torturador.Para la época gobernaba en Venezuela el general Marcos Pérez Jiménez, quien a raíz de los resultados electorales de 1952, fue nombrado por la cúpula militar que había derrocado al gobierno constitucional de don Rómulo Gallegos, presidente provisional de los Estados Unidos de Venezuela, iniciándose un régimen dictatorial caracterizado por la represión y la falta de libertades fundamentales.La existencia de una implacable censura de prensa, hacia difícil que se informara oportuna y verazmente sobre hechos tanto políticos como criminales, por esa razón, la muerte de se colocó en el plano de la especulación. Las informaciones, así lo reflejan: “El cantante pudo haber estado de farra y ebrio trato de atravesar la vía por la parte más angosta del túnel”. Pero, la Seguridad Nacional insistió que este hecho, por sus circunstancias, parecía que se asemejaba a un crimen.” ¿Un crimen? ¿Quién lo inspiro? ¿Quiénes lo ejecutaron? ¿Dónde está el móvil o los móviles? Estas preguntas jamás fueron respondidas.Derrocada la dictadura en la madrugada del 23 de enero de 1958, algunas cronistas de sucesos comenzaron a indagar sobre las incidencias que condujeron a la temprana desaparición física de Genaro Salinas y, los más osados, llegaron a inferir que el suceso narrado había sido consecuencia de una venganza pasional, e involucraron a personalidades del ambiente farandulero y de la represión política como elementos vinculados a este deceso.Sin embargo, estas aseveraciones han quedado suspendidas en el tiempo, por cuanto no existen elementos probatorios que determinen con certeza el móvil pasional en el hecho. Otros cronistas, expositores del sensacionalismo, elaboraron hipótesis coincidentes con la afirmación anterior, pero, agregando elementos dramáticos al suceso para elaborar y comercializar folletines perversos que, por su intencionalidad, pretendieron menoscabar la recia y bien definida personalidad del artista mexicano.

También, aparecen con cierta ingenuidad algunos testimonios esparcidos por “amigos y allegados” a Genaro Salinas, quienes sin haber estado presentes ni contar con medios de acceso a las investigaciones policiales y judiciales han expresado reiterativamente que, el factor político pasional fue determinante en esta muerte. No pasa inadvertido para un acucioso investigador, el hecho de que 9 meses después de haberse producido esta fatalidad, se derrumbó el régimen del dictador Marcos Pérez Jiménez. Esta circunstancia permitió a los declarantes expresar sus ideas respecto a la muerte de Genaro Salinas; pero ninguno de ellos recurrió a la fuente primaria de la información, tales como protocolo forense, novedades, actas policiales, sumario judicial etc. Tampoco se observó que el estado mexicano a través de las autoridades consulares o diplomáticas elevaran por ante el gobierno de Venezuela protesta alguna o pedimento para investigar y aclarar la muerte de un connacional suyo; y, el señor Miguel Silvio Sanz a quien se le atribuyó la autoría intelectual de este desgraciado suceso, no fue imputado por esta muerte, a pesar de que los gobiernos subsiguientes le consideraban como acérrimo enemigo suyos. Además, la actriz argentina Zoe Ducós (Zoe Celia Ducós Gallegos, Buenos Aires, Argentina, 6 de marzo de 1928 – Caracas, Venezuela, 11 de noviembre de 2002), esposa del señor Miguel Silvio Sanz, avecinada por muchos años y, hasta su muerte, en Venezuela, en ningún tramo de su existencia reconoció que hubiera mantenido amoríos furtivos con el tenor.

En conclusión: Genaro Salinas, fue, es y aún continúa siendo una figura estelar en el sentimiento de los pueblos de América, que recurrentemente, buscan a través de los límpidos mensajes que dejara registrados en sus mensajes sonoros para la posteridad, un medio para entender que la esencia del amor que él representó, siempre estará presente en nosotros, los seres humanos. Genaro Salinas, pereció a la edad de 37 años, y sus restos mortales descansan por toda la eternidad, en el Panteón de los Artistas, en el cementerio “La Chacarita” de Buenos Aires, Argentina.

http://www.genarosalinas.org.mx/index.php

Amigos y admiradores de Genaro Salinas

Omar Martínez Benavides

Ciudad Victoria, Tamaulipas. México

Félix Hurtado

Maracaibo, Venezuela

Pedro García Romero Nogales

Sonora, México

Luis Jaime Chapa Elizondo

Reynosa, Tamaulipas. México

Enrique Villareal

Chulavista, California. USA

Enrique Rovero

Los Angeles, California. USA

Ernesto Martínez Frausto

Aguascalientes, Ags. México

Roberto García

Miami, Fl. USA

Sofía Liliana Vargas Ortega

Aguascalientes, Ags. México

ANGEL CUSTODIO LOYOLA

2009-06-19T10:11:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Ángel Custodio Loyola fue un venezolano recio que se nutrió de la naturaleza de la tierra donde le tocó nacer, vivir y trabajar en los años de su formación como intérprete y creador del genero fuerte llanero que él supo representar con el más generoso de los orgullos, hasta el momento de la entrega de su energía vital a la tierra que continúa representando a través de su inspirada obra acrecentada en el tiempo, para influir en las nuevas generaciones de hombres y mujeres que lo ejemplifican como maestro por excelencia, en el arte de cantar, expresando los sentimientos que prorrumpen de la impar riqueza que genera el llano venezolano.Hombre de aquilatada actuación en la vida artística de Venezuela, poseedor de una excelente desenvoltura para la creación poética, con facultades innatas de juglar, además de personaje vistoso por su impecable ropaje representativo del vestir del hombre del llano, con su permanente fusta en la diestra, que le proveía de un toque de distinción, otorgándole a esta presencia suya, una bien ganada fama de hombre valiente, hasta el extremo.Durante muchos años, recorrió la amplia y generosa geografía venezolana para dejar impregnada en el espacio, su vigorosa voz y, sus canciones, representativas de una tipología de venezolanos que la viven y disfrutan con el más amplio de los placeres.Se hizo llamar, con el desafiante apodo de "Tigre de Masaguarito" como se le conoció en sus presentaciones personales, de radio, televisión, cine y en sus escarceos cuerpo a cuerpo.Ángel Custodio Loyola comenzó su carrera de trovador profesional integrándose al conjunto de expresión popular que fundó al final de la década de los 40, el elevado compositor y grande artista, Juan Vicente Torrealba. Con esta agrupación se dio a conocer en toda la geografía nacional, inspirando respeto y admiración por parte de quienes tuvimos el privilegio de presenciar sus actuaciones públicas, y verlo a través de los medios de comunicación radioeléctricos y televisivos.Ángel Custodio Loyola fue un artista popular, tanto en Colombia como en México, y otras naciones hispanoamericanas, En el país de los aztecas actúo en muchos largometrajes donde dejó también la estela de su insuperable profesionalismo. Durante los últimos años de su valiosa existencia, nuestro artista se arraigó alternativamente entre San Juan de los Morros y Maracay, en esta última ciudad, capital del estado Aragua, produjo y animó un programa de corte folclórico que trasmitió exitosamente a través de Radio Central. Su muerte consternó a sus amigos y admiradores. Con la inesperada partida de nuestro amigo, el eco de su voz se amplió, porque con esta muerte no se extinguió el ruiseñor que existía en su expresiva voz, y con el devenir de los tiempo, sus canciones y su arte se agigantan, y crece, en el gran firmamento de la patria hispanoamericana.

RAY CONNIFF

2009-06-19T05:54:00.001-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Ray Conniff nació en Attleboro, estado de Massachusetts, el 6 de noviembre de 1916. De sus padres quienes eran ejecutantes del trombón y el piano, recibió su primera educación musical. En 1939 se inició profesionalmente como trombonista en la banda de Bunny Berigan. Después, actuaría destacadamente en las agrupaciones de los consagrados Bing Crosby, Artie Shaw, Glen Gray y Harry James. Su primer gran éxito lo constituyó el tema S Wonderful que, grabado en 1957, se convirtiría en un en éxito discográfico.Con este tema presentó la formación de su nueva agrupación que marcó el inicio de una imponente carrera artística que se extendió por más de seis décadas, con el sorprendente resultado de la producción de más de 100 álbumes, donde 25 estuvieron entre los primeros 40 lugares de popularidad, 10 de ellos, disco de oro y 2 serían galardonados con discos de platino, comercializando más de 70 millones de producciones por todo el mundo.Ray Conniff continuó con su cadena de éxitos registrando en el acetato desde standards de jazz de las big bands de los 40 y 50, hasta clásicos del pop de reconocidos autores como Simon & Garfunkel, Burt Bacharach, The Beatles y The Carpenters, entre los más sobresalientes.Su consagración mundial llegaría en 1956 con la ejecución del “Tema de Lara” que sirvió de ambientación a la producción fílmica “Doctor Zhivago”, basada en la novela del escritor ruso Boris Pasternak.A través de su larga carrera, Ray Conniff hizo una diversidad de arreglos musicales, entre los que destacan “Chances Are”; “Wonderful Wonderful” y “It’s Not For Me To Say” que hizo para el artista Johnny Mathis.Ray Conniff fue un original creador como director de orquesta de música popular por sus notables arreglos vocales, y siempre será recordado por la popularización del “Lara's Theme”, composición de Maurice Jarre que Ray Conniff transformó en éxito pop con el título “Somewhere My Love”, notoriedad que le hizo acreedor al Grammy correspondiente a 1966.En 1997, luego de permanecer por cuatro décadas como productor del sello Columbia Records, Ray Conniff, se incorporó a PolyGram. Con este sello registró tres producciones: Ray Conniff live in Rio, I love movies y My way, tributo al siempre recordado Frank Sinatra.Ray Conniff tuvo especial simpatía por composiciones de origen latino y, especialmente, las venezolanas y brasileras, consecuencia de su permanente acercamiento a los festivales musicales realizados en el continente, especialmente en el celebrado anualmente en Viña del Mar, Chile. Entre las primeras grabó “Ansiedad” de José Enrique Sarabia y “Caballo Viejo” del consagrado Simón Díaz. En amplio repertorio compiló temas latinos de arraigo universal como Bésame mucho, El día que me quieras, Frenesí, Aquellos ojos verdes, Brasil y Aquarela do Brasil, entre muchos otros. Sus álbumes más importantes fueron publicados desde 1957 hasta 1966 son: 'S Wonderful, Dance the Bop, S Marvelous, 'S Awful Nice, Concert in Rhythm, Vol. 1, Broadway in Rhythm, Hollywood in Rhythm, Conniff Meets Butterfield, Christmas with Conniff, It's the Talk of The Town, Concert in Rhythm, Vol. 2, Young at Heart, Say It with Music (A Touch of Latin), Somebody Loves Me, Christmas Album, So Much in Love, 'S Continental, Rhapsody in Rhythm ,We Wish You a Merry Christmas, Just Kiddin' Around, You Make Me Feel So Young, Speak to Me of Love, Invisible Tears, Friendly Persuasion, Music from Mary Poppins, The Sound of Music, Love Affair, Happiness Is y Somewhere My Love, Ray Ray Conniff falleció el 13 de octubre de 2002 en el Centro Médico Palomar de San Diego, y sus restos reposan en el Cementerio Westwood Village Memorial Park.

CARLOS TORRES

2009-06-19T05:44:00.000-07:00

Por: Dra. Egly Colina Marín, Abogado especialista en Derecho Privado. Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Carlos Torres Parentti es un valioso venezolano que ha consagrado su existencia al cultivo y difusión de la música como expresión popular. Cantante del género romántico en la etapa más interesante de su edad adulta, evolucionó en su medio artístico hasta transformarse en un inspirado compositor, arreglista, empresario y director de Orquesta. Al arribar a su octogésimo segundo aniversario, sorprendió a sus amigos y relacionados con la publicación de un conjunto de crónicas donde en forma atractiva nos hace partícipes de un tiempo ilustrado en la obra titulada “Anécdotas sostenidas y aemoladas” constituido en éxito de librería por lo interesante de los temas tratados, y porque allí se refleja una buena parte del curso de la historia reciente de Venezuela, macerada por un pragmatismo generalizado que, al presente, conturba a la sociedad.Carlos Torres Parentti nació en Caracas el 21 de julio de 1925, ciudad donde realizó estudios básicos , profesionales y académicos que le permitirían desarrollar una variada actividad creativa, y ejercer funciones de relacionista público en organismos oficiales y entes privados, organizador de eventos en radio, cine y televisión, asesor cultural y musical y, actividades gremiales; primero, en el Sindicato Profesional de Trabajadores de Radio, Teatro, Cine, TV y Afines del Distrito Federal y, luego, en 1955, junto a Luis Alfonzo Larrain, Jesús (Chucho) Sanoja, Fernandi López Contreras, Ulises Acosta, Jesús Corrales Sánchez, Jacobo Erder y Aníbal Abreu, entre otros, se incorpora como miembro fundador de la Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela, (SACVEN), institución que tiene por finalidad recaudar y distribuir derechos de autor generados por la explotación de las obras musicales, dramáticas y dramático-musicales, en Venezuela.Carlos Torres Parentti recibió enseñanza musical de los recordados maestros José Plaza, José Antonio Calcaño y Jeanés Campos López. Fue, asimismo, un vocalista de bien timbrada voz que cultivó y enalteció al bolero como expresiva manifestación del sentimiento. En este rol cumplió actuaciones con las Orquestas bailables del dominicano Rafael Miñaya, Luis Alfonzo Larrain, Aldemaro Romero, Aníbal Abreu, Ulises Acosta, Eduardo Serrano y Leonardo Pedrosa, entre las más renombradas. Como fecundo compositor aún se recuerdan sus temas: “Verdad clarita”, “Sapito lipón”, el bolero mambo “Mi huella”, “apita, Maní, Tostón”, ”Mi Tributo”, “las Marabinitas”, ”Tus Caricias”, ”Aquella Tarde”, “Tantos Años”, “Los leones son Campeones”, entre otras. Carlos Torres fue el artífice de la creación de una banda musical con sonido propio que identificó un tiempo y una época: Los millonarios de la alegría. Orquesta de baile que amenizó fiestas, reuniones y aniversarios, alternando con las orquestas de Luis Alfonzo Larrain, Aldemaro Romero, Aníbal Abreu y José Luis Paz. De igual manera Carlos Torres y su Orquesta se constituyó en auténtica caja de caudal para los empresarios artísticos relacionados con la contratación de artistas extranjeros, traídos para actuar en veladas musicales.El éxito de estos artistas estaba asegurado con la presencia de una orquesta que los venezolanos habían hecho suya, como símbolo de pertenencia.La Orquesta Los Millonarios de la Alegria de Carlos Torres acogió en su plantel a los vocalistas más renombrados de la segunda parte del fenecido Siglo XX: Memo Morales, Yayo Montes, Germán Vergara, Leo Rodríguez, Perucho y Chuto Navarro, Rafa Robles, Leo Rodríguez, Juan Carven, José Luis Alonso, Robert Martin, Niro Keller, José Chópite, Edito Offerman, Enrique Rivas entre los más destacados.Carlos Torres Parentti reside desde hace algunos años en la ciudad crepuscular de Venezuela: Barquisimeto, donde actúa como presidente-fundador del Círculo de Autores y Compositores de Lara (CACLARA), relacionista público de SACVEN y supervisor del Sistema de Cobranza de Derechos Autorales del estado Lara.La Fundación Internacional José Guillermo Carrillo, la Biblioteca de Voces del Siglo XX constituida en el repositorio de la memoria histórica de la humanidad, se complace en incorporar a su programa de acción a la figura de Carlos Torres Parentti, venezolano integral que recibe la admiración y el respeto de sus conciudadanos.